Septiembre es el mes del colegio, de la cuesta arriba después de las vacaciones, del cumpleaños de mi prima… y de los discos. En este mes se han hecho tantos lanzamientos interesantes que nos hemos mordido mucho las uñas eligiendo de qué hablar. Finalmente unimos en esta lista artistas emergentes y consolidados, nacionales e internacionales; cada uno con un estilo muy diferente del anterior. A ver qué te parecen.
Te recordamos que también puedes ver las novedades de agosto-julio, junio, mayo, abril, marzo y febrero.
ANGUS & JULIA STONE – Snow (PIAS, 2017)
Chateau Marmont
Sunset Boulevard, Los Ángeles, California. Aparcamos el coche delante del exuberante hotel Chateau Marmont. Ese escenario vintage que encandiló a la gran Lana del Rey. Entre sus habitaciones se respira puro lujo. La piscina es su marca personal. Escuchamos un sonido familiar que nos transporta. Por fin. Se trata de la canción Chateau, del cuarto álbum del dúo australiano Angus & Julia Stone: Snow (PIAS, 2017). Parece que hemos quedado atrapados en otra época.
Tres años después de su último álbum, Angus & Julia Stone (American Recordings, 2014) nos obsequian con este nuevo trabajo. Mantienen su sonido: indie folk y pop en un registro acústico que recuerda a Iron & Wine. Aunque, esta vez, los hermanos juegan con una máquina de ritmos. Es la primera vez que Angus y Julia escriben un álbum entero solos y se nota. El disco se grabó en el estudio de Byron Bay (New South Wales, Australia) de Angus, en una cabaña rodeados de sus amigos y algún que otro desconocido. El repertorio es acogedor, como si nuestro hogar estuviese junto a ellos (My house, your house). Cada canción cuenta una historia. Con Cellar door, Angus visita su tierra natal para cantar en el funeral de su abuelo. Nothing else tiene ese algo especial que te hacer querer escucharla una y otra vez. Y, como siempre, sus voces, totalmente opuestas, resultan ser la combinación perfecta.
Por Celia Sales.
LCD SOUNDSYSTEM – American dream (Columbia / DFA Records, 2017)
¿Quién dijo que el post-punk ya no estaba de moda?
Nunca he sido especialmente fan de LCD Soundsystem, lo reconozco. Sin embargo, creo que, con este último disco, american dream (Columbia / DFA Records, 2017), he podido reconciliarme y acercarme un poco más a los neoyorquinos. Tras siete años de retirada, James Murphy vuelve a los estudios para presentarnos un trabajo que está a la altura de su última publicación: This is happening (DFA Records, 2010). En el nuevo álbum nos encontramos con su trabajo más pesado y oscuro, con composiciones que superan los 8 minutos de duración y con letras de todo tipo (desde una ruptura amorosa en oh baby, hasta temas más políticos en call the police). El post-punk está de vuelta señores, y viene por lo más alto.
Por Ana López.
FOO FIGHTERS – Concrete and gold (RCA Records, 2017)
Dos mil ocho
Foo Fighters se han puesto de nuevo esa camiseta, esa que les sienta tan bien. Con la que siempre aciertan. La que siempre está a mano en el armario. La que recuerda a tiempos pasados, a esos 2007 y 2008. La que uno ve casi intacta si no la mira demasiado de cerca. Concrete and gold (RCA Records, 2017) exprime riffs dignos de esa época dorada del rock alternativo americano – como en Make it right – y consigue llenar de cierta melancolía, pero enérgica, nuestros oídos. Grohl y los suyos se coronan, con su noveno disco, como, no solo una de las bandas más emblemáticas de los 2000, sino como una de las más vivas que quedan. Capaces de llenar estadios y manteniéndose fieles a sí mismos tras 23 años de trayectoria.
Por Blanca Olivella.
METZ – Strange peace (Sub Pop, 2017)
El volcán sigue activo, pero bajo control esta vez
Ahí. Ahí están. ¿Pueden sentirlo? Sin quererlo, involuntariamente, fluye. La cabeza les va de un lado a otro. Arriba, abajo, derecha, izquierda. El cuerpo les pide levantarse del sofá, poner los pies sobre la tarima flotante y saltar. Metz lo echa todo en Drained lake, tema que junto a Cellophone aspiran a consolidarse referencias de su último y tercer álbum, Strange peace (Sub Pop, 2017). Alex Edkins (guitarra y voz) se relaja en este disco. Junto a Hayden Menzies (batería) y Chris Slorach (bajo) muestra una madurez sonora. Dejan de lado la dureza y lo tosco de los álbumes previos para lanzarse al vacío con un garage – aunque igualmente a grito pelado – de explosiones más suaves y tranquilas. No son una banda de pop, jamás lo serán, pero han sabido reinventarse dentro de lo que mejor saben hacer: noise punk. Sus nuevas letras reflejan una incerteza, un no saber qué vendrá. Pero, ustedes, confío en que lo adivinarán. Han acertado, como ellos.
Por Sara P. Seijo.
MICAH P. HINSON – Presents The holy strangers (Full Time Hobby, 2017)
Un disco del que enamorarse este otoño
El cantautor americano, Micah P. Hinson publica tras dos años su nuevo disco Presents The holy strangers (Full Time Hobby, 2017). Un LP de 14 temas que tal y como pudimos leer en la web del texano, pretende ser una “ópera folk moderna” que narra la historia de una familia en tiempos de guerra “desde el nacimiento al amor, del matrimonio a los niños, de la guerra a la traición y del asesinato al suicidio”. El disco escrito y grabado en Deninson, Texas tuvo una producción clásica que no pasó “a la era digital hasta el momento de pre-mezcla”. A nivel dirección de arte, debemos mencionar la ilustración del propio Micah en la portada rompiendo totalmente con la estética de sus anteriores discos -en los que aparecían partes de cuerpos descontextualizados-. A pesar de esta diferencia visual, la calidad sonora del disco está a la altura de sus predecesores. Nos golpean en el corazón Lover’s lane, tema con influencias de Johnny Cash reconocidas por el propio cantante, el cello que abre y marca a fuego The years tire on, la delicadez que descansa en The darling o el rollo tan country de The lady from Abilene. ¿Qué más os puedo a decir? Me encanta.
Por Carlota Purple.
THE GRAMOPHONE ALLSTARS BIG BAND – Maraca soul (Bankrobber, 2017)
De Kingston a Nueva Orleans
Los singles que lanzaron (Iko iko y Don’t you worry ‘bout a thing) ya vaticinaban lo que llegaría con el álbum: temas con distintas procedencias (de Stevie Wonder a Nina Simone, pasando por Slackers o Ray Barretto) interpretados con distintos registros, casi tantos como los componentes de esta gran banda (17 músicos, entre los que se encuentran la vocalista Judit Neddermann). Boogaloo, funk, jazz… The Gramophone Allstars Big Band defienden en Maraca soul (Bankrobber, 2017) lo universal que es la música. Ya lo demostraron en Jazzmaica (Bankrobber, 2014), disco que llegó incluso a Japón; y lo harán de nuevo en directo: la presentación de su nuevo álbum será en la Sala Apolo de Barcelona el 27 de octubre.
Por Paula Pérez.
DAVID RAMÍREZ – We’re not going anywhere (Sweetworld, 2017)
Lo nuevo de David Ramírez, un himno contra la actual edad de piedra
De esas personas con la capacidad de decir atrocidades al oído, de forma dulce. El octavo EP del doblenacionalidad David Ramírez, We’re not going anywhere (Sweetworld, 2017), no podría ser otra cosa que esta después del agujero negro que es Trump. Dulce con hilos electrónicos, rosa con un drama familiar detrás, las letras neones con las valientes madre y abuela de Ramírez. Una provocación desde el alma, su música, con su gran título We’re not going anywhere (‘No vamos a irnos a ningún sitio’) o una de las canciones Stone age (‘Edad de piedra). Una respuesta musical e íntima. Tonos decaídos, pacíficos. Susurros desgarrados pero arraigados con fuerza a la esperanza. Pausas como en Time, pincelada a halos o agudos reivindicando su sitio, como en la canción que bautiza el álbum, lo más parecido a un himno.
Por Jessica Cobos.
MARCEL CRANC – 7 (Runaway Records, 2017)
Potser hi ha una illa on podrem descansar
7 (Runaway Records, 2017) fuig d’un estiu mallorquí de grans platges, calor, turisme i excés, per refugiar-se en la tranquil·litat d’una cala deserta d’hivern. A més, el músic de Sencelles té el detall d’estirar una tovallola al seu costat per si volem seure-hi una estona. Marcel Cranc, igual que altres artistes com Sufjan Stevens, The Tallest Man On Earth o el barceloní Pau Vallvé, té la capacitat de crear una atmosfera que embolica les cançons i els hi dóna una entitat pròpia als seus discos. Amb unes lletres poètiques i delicades, troba l’equilibri entre la metàfora i la claredat del missatge per explicar-nos les històries i els seus sentiments més nostàlgics. A l’anterior disc La vertadera història (Cases de sucre), en què Marcel Cranc recopilava les seves millors cançons fins al moment, el cantautor tenia la difícil missió de fer un nou LP que estigués a l’altura. Després d’escoltar 7 i llegir-ne les seves lletres, es pot afirmar rotundament que ho ha aconseguit.
Por Nil Boladeras.
CUT COPY – Haiku from zero (UMG, 2017)
Encaja
Hay muchas tipologías de personas. Existen las que piden pizza con piña, o pizza con nachos o pizza de muerte por pizza. Y también aquellas que aborrecen las patatas (sí, existen). En la comida existen tantas clases de personas como personas hay en el mundo. En la música igual. Existe el tipo de persona que no sale del electrolatino. También los que de adolescentes idolatraban al pavo de The Rasmus aunque esas plumas siempre hayan dado mucha vergüenza ajena. En fin. Podría seguir todo el día con esto. Entre muchas clasificaciones se encuentra la mía. Como buena popera disfrazada de pseudo moderna gozo de Glass Animals, Mando Diao, Hot Chip y Tame Impala. Ojo. Que nadie se meta con Tame Imapala. Por eso me encaja perfectamente el nuevo disco de Cut Copy: Haiku from zero (UMG, 2017). Los australianos son mi rollo y serán también el tuyo si te encaja el dream pop para quitarte esta bajona que me traes. Todo muy kitsch, todo muy ochentas. Encaja.
Por Paula Pérez.
THE PAINS OF BEING PURE AT HEART – The echo of pleasure (Painbow Music, 2017)
Synthpop al por mayor
The echo of pleasure (Painbow Records, 17), lo nuevo de The Pains of Being Pure at Heart, es como esa amiga de la infancia que vuelve. Y lo hace para evocarte a tiempos pasados con un toque synthpop de lo más ochentero, como en When I dance with you, pero recordándote a su vez, que los tiempos han cambiado, vosotros habéis evolucionado, y el indie, con él. Quedan las estelas del indie más clásico pero un punto de esperanza en cada canción del álbum formado por nueve temas. La portada ya es una sinopsis de lo que será, arte clásico, con referentes (The Cure, por ejemplo), distorsionado. Ese juego rítmico de pasado-presente, un álbum digno para Marty McFly y sus viajes en el tiempo. Y antes de que os deis cuenta, con quizá un recuerdo de más, cambiará vuestro mood como hace el propio disco, con canciones como Stay, ya anticipado con The cure for death. La banda pasará por la sala Bikini de Barcelona el próximo 20 de octubre.
Por María del Río.
KOMMODE – Analog dance music (Brilliance Records, 2017)
Champán en tiempos revueltos
Analog dance music (Brilliance Records, 2017) es un álbum que eleva el espíritu sin la necesidad de ponerse en movimiento. Doce temas que dan sentido al sinsentido de día que has tenido una vez que llegas a tu casa. Si ese día se trata del 1-O, los sonidos de los escandinavos te sonarán demasiado delicados. Si buscas minuciosidad, la encontrarás tanto en la producción como en la grabación. ‘Kommode’, cómoda o mesilla en noruego, está compuesto por los mismos integrantes que Skog, nombre tomado de A forest de The Cure. Eirik Glambek Boe capitanea esta nueva propuesta tras 19 años como ‘rey de la conveniencia’ junto a Erlend Øye en la banda Kings of Convenience.
Este refugio musical, que es como un baile interno, se compone de diferentes géneros que van desde el folk, pop, jazz, funk y groove. Presenta un inconfundible toque electrónico, “la representación matemática de un sonido”, según dicen en su web. Pero Analog dance music va de señales analógicas, ya se sea un “ritmo de batería o un riff de guitarra, cada elemento es una actuación”. Y, ¿cómo justificar el arte por el arte en tiempos en los que el odio y capas de hielo derretido aumentan? Lo hacen de la siguiente manera: “Como el champán que Winston Churchill bebía cuando estaba luchando contra la maquinaria militar de la Alemania nazi, canciones que nacen cuando uno se siente bien pueden servir de ayuda”.
Per Irene Picallo.
BRIGHTON 64 – El tren de la bruja (BCore, 2017)
Los hermanos Gil se revuelven con una obra mastodóntica
Albert y Ricky Gil llevan ya más de tres décadas, a intervalos, intentando insuflar su espíritu mod a la escena rockera barcelonesa. Todo en ellos es rebeldía, aun con el siglo XXI a cuestas. Después de regresar con Esta vez va en serio en 2012 y reivindicarse con Modernista hace apenas dos años, Brighton 64 nos brindan su tercer álbum en apenas cinco años, en lo que ya se puede definir oficialmente como su segunda juventud. El tren de la bruja (BCore, 2017) es un disco doble inspirado en un relato de Carlos Zanón, el cual planea tanto a nivel lírico como estilístico. Durante sus veinte cortes, los hermanos Gil, empujados por la vigorosa producción de Santi García, se permiten viajar desde la intimidad a la insurrección, de lo cotidiano a lo extraordinario. Si acaso, el álbum cae en ciertos tramos en una ligera reiteración sonora, pero se recupera con temas del poder de Duelo al sol. El tren de la bruja es, desde luego, una de las obras más ambiciosas y estruendosas de los hermanos que conforman Brighton 64. Un viaje por los raíles del día a día.
Por Adrián Viéitez.
LEE RANALDO – Electric trim (Mute, 2017)
Experimentar per trobar-se
Amb Electric trim (Mute, 2017) l’ex guitarrista de Sonic Youth firma el seu disc en solitari més madur i reivindica les bases del seu so. Aquestes bases són àmplies i van des del rock més èpic, a l’experimental, passant per pinzellades de folk fosc. Per continuar progressant en la recerca de noves sonoritats, aspecte clau de la seva carrera en solitari, Lee Ranaldo ha comptat amb el suport del barceloní Refree com a productor del disc. Aquesta col·laboració també ha aportat a les cançons un so més compacte i clar, que a l’hora, conviu amb la riquesa instrumental i la gran quantitat de detalls que podem trobar a les cançons. Tot i la presència del teclat, les percussions o subtils tocs electrònics, la protagonista indiscutible continua sent la guitarra i durant les nou cançons del disc podem confirmar una vegada més la genialitat de Ranaldo amb aquest instrument.
Per Nil Boladeras.
NOTHING BUT THIEVES – Broken machine (Sony Music, 2017)
Rock polifacético
Amsterdam fue un aperitivo de lo que sería el segundo LP de Nothing But Thieves: Broken machine (Sony, 2017). Un sencillo que no hizo sino aumentar las ganas de escucharlo entero. Y un disco que supone una notable evolución para la banda inglesa. El álbum está lleno de contrastes. Por un lado, encontramos pop en canciones como Particles y Sorry; y, por otro lado, tenemos lo mejor del rock alternativo: Los riffs, el teclado, los sonidos electrónicos, los patrones rítmicos, la voz potente de Conor Mason y un conseguido rapeo como en Number 13 y I’m not made by desing. Broken machine es una declaración de intenciones de los británicos que querrás escuchar una y otra vez.
Por María del Río.
VAN MORRISON – Roll with the punches (Caroline, 2017)
El soul norirlandés destinado a no morir nunca
El año que viene se cumplirá medio siglo desde que un jovencito de Belfast puso al mundo patas arriba publicando Astral weeks, un álbum que reventó al rock desde dentro, acercándolo al soul de un modo nunca antes visto ni escuchado. Van Morrison no necesita presentación de ningún tipo, ninguna más allá de su extraordinaria influencia en la música universal posterior, una influencia que podemos encontrar en voces tan reconocidas como la de Bruce Springsteen. Con Roll with the punches (Caroline, 2017), su trigésimo séptimo álbum de estudio -sí, trigésimo séptimo, habéis oído bien-, este norirlandés que ya no es ningún chaval -72 primaveras lo amparan- hace un poco más de lo mismo, y lo sigue haciendo a las mil maravillas. En colaboración con músicos de la talla de Jeff Beck, Morrison se lanza con cinco nuevos temas, encabezados por el fantástico corte que da nombre al álbum, entremezclados con versiones de clásicos del blues como Bring it on home to me, de Sam Cook. Una cita con la historia de la música, una cita para no perderse jamás.
Por Adrián Viéitez.
KAKKMADDAFAKKA – Hus (Bergen Mafia Records, 2017)
Buena idea para los amantes del indie
Hus (Bergen Mafia Records, 2017) es la nueva apuesta de los noruegos Kakkmaddafakka. El quinto álbum de esta banda con afición a los nombres raros – el título del disco significa ‘casa’ en noruego – presenta un total de diez canciones. Manteniéndose en el estilo indie rock, Kakkamaddafakka nos trae un poco de todo. Vamos de canciones animosas y alegres como All I want to hear o Blue eyes a piezas de tono más melancólico y nostálgico como Holding me back o Don Juan. Y luego están canciones como Neighbourhood, que fácilmente gustarán a todo aquel que la escuche. El resultado es un álbum light, que desprende energía, vitalidad y que, en algún momento, es capaz de transportarte.
Por Anna Martín.
MOGWAI – Every country’s sun (Rock Action, 2017)
Atmósferas sinestésicas
Con más de 20 años de carrera y once discos a sus espaldas, los escoceses Mogwai son uno de los buques insignia del post rock. El post rock en la era de la posverdad. Su último trabajo Every country’s sun (Rock Action, 2017) se descubre en su portada con un abismo y un eclipse. El vacío y la oscuridad. Las que en canciones como Aka 47 nos envuelven con distorsiones guitarreras y sintetizadores. En una era cargada de palabras -muchas vacías o falsas – Every country’s sun es un viaje introspectivo en el que solo escuchamos en la voz de Stuart Braithwaite en dos canciones: la popera Party in the dark y la pysh 1000 foot face. Melodías delicadas y crescendos épicos – remarcable el del tema homónimo que cierra el disco – crean atmósferas sinestésicas para perderse o encontrarse. Para salir a la luz del sol. Para reflexionar. Porque si no, pueden acabar cantando cara él.
Por Pepa Fontal.
DELAPORTE – [EP] One (Mad Moon Music / Gran Sol, 2017)
Pájaro salvaje
Delaporte es un pájaro salvaje. Esta, Pájaro salvaje, también es la mejor canción del EP One (Mad Moon Music / Gran Sol, 2017) junto con Juice, tema que no para de sonar en las radios y que Spotify ha incluido en una de sus listas de música electrónica (Spanish Beat). Pronto sus peculiares texturas no pararán de sonar en tu cabeza. Los madrileños comenzaron versionando grandes temas de grandes artistas y ahora Sandra Delaporte y Sergio Salvi se están convirtiendo en los grandes artistas que hacen grandes temas. ¿Y por qué son un pájaro salvaje? Porque tienen lo necesario para volar libremente.
Por Paula Pérez.
DAUGHTER- Music from Before the storm (4AD, 2017)
Escenarios sonoros
Tener dieciséis años no es fácil. Una fase en la que quedas estancado a medio camino de la madurez. Una fase que, por suerte, pasa rápido. Chloe Price se encuentra en este momento de su vida. Es una adolescente que se enfrenta al abandono de su padre y a los problemas típicos que conlleva su edad. Pero una persona puede cambiarlo todo (“One person can change everything”). Para Chloe esa persona es Rachel Amber. ¿Por qué explico todo esto? Porque para poder entender el nuevo disco de la banda británica de indie folk Daugther debemos comprender la historia que hay detrás. El disco Music from Before the storm (4AD, 2017) llega en forma de banda sonora para el videojuego Life is strange: Before the storm (Square Enix, 2017), la historia de Chloe y precuela de Life is strange. Simplemente emocionante. El grupo ha conseguido crear unos escenarios sonoros impecablemente ajustados a la vida de la adolescente. La voz angelical de la cantante Elena Tonra es perfecta para emular la historia y las mezclas electrónicas le dan un dinamismo sobrenatural. La banda nos brindó un adelanto del álbum con Burn it down y ahora, con todas las canciones a nuestro alcance, sería delito no escucharlas.
Por Celia Sales.
TONY ALLEN – The Source (Blue Note Records, 2017)
Una miscelánea explosiva
El baterista y compositor nigeriano Tonny Allen ha contado con la colaboración del saxofonista y director musical Yann Jankielewicz para su última creación, The Source (Blue Note Records, 2017). En este LP se produce el mix perfecto entre jazz y afrobeat, encontrando puntos medios de perfecta sinergia entre ambos géneros. Los once tracks que lo componen son una demostración de cómo se puede hacer que el sonido más complejo suene fluido y sin aparente dificultad, invocando así a otras leyendas del jazz en sus sonidos.
Por Alba María.
JOANA SERRAT – Dripping springs (Loose Music, 2017)
La cultura que elegimos
Los prejuicios los carga el diablo. Nos pueden hacer cuestionar, por ejemplo, el nivel de bondad con la que una persona que no se ha nutrido en el seno americano del folk puede recrear su sonido. Y la realidad es que muchos de los artistas no estadounidenses que han intentado reproducir el género lo han conseguido a medias, cayendo en simplicidad de composiciones y clichés más que creaciones únicas.
Pero esto no ocurre con Dripping springs (Loose Music, 2017), el nuevo disco de Joana Serrat. La artista hace brillar y dar gracias a una de las ventajas que facilita la nueva era de la comunicación: podemos elegir la cultura de la que aprendemos, en lugar de quedar adscritos a la localización en la que nos hemos criado. El álbum es una composición redonda y completa, onírica y ambiental de la interpretación personal de Joana de este rico género.
Puede que lo haya hecho tan bien porque no se ha adscrito a un folk puro. Se percibe influencias oscuras y alternativas que elevan las canciones a composiciones excelentes, como el momento final de Western cold wind. Aquí también es donde mejor se nota que su creación es un diálogo entre varios artistas más que la voz de uno solo con un objetivo específico. Estas influencias también han hecho que el folk deje de sonarme a relatos veraniegos naranjas y calmados para virar a un tono burdeos y un otoño frío y mojado. No, el álbum no podría haber salido en mejor época.
Por Nadia Dubikin.
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