Los mejores discos de noviembre

La Fúmiga, b1n0, Bruno Mars y Anderson Paak, Joan As Police Woman, Maria Rodés y La Estrella de David, Curtis Harding, Colectivo Da Silva, Idles, Damon Albarn, La Sentina, VVV y Santiago la Barca.
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Jimena Amarillo

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Sabemos que vas a necesitar una buena dosis de discos para soportar el frío de estos días. Es por eso que te traemos los mejores discos de noviembre, como Fotosíntesi de La Fúmiga, para no parar de bailar, o lo último de Damon Albaran, para abrazar la tristeza del invierno. También te vas a encontrar con las valoraciones de los últimos trabajos de Bruno Mars y Anderson Paak, Curtis Harding, Maria Rodés y La Estrella de David, ABBA  y b1n0.  La variedad de esta recopilación te va a permitir acompañar con música todos tus momentos. 

Recuerda que cada mes recopilamos las últimas novedades musicales, así que si quieres estar al día de todas ellas, no te puedes perder nuestras listas de los mejores discos del mes. ¡Arrancamos!

IDLES – CRAWLER (Partisan, 2021)

Gritando tras millas y millas

La fulgurante trayectoria de Idles en el panorama rock/punk estos últimos cuatro años ha sido algo digno de admirar, incluso para los que no nos acababa de seducir su propuesta, un ruidoso post-punk basado en la repetición, el ataque de bajos y el estribillo vociferado a modo de eslogan, presentado en Brutalism (2017), perfeccionado en Joy as an Act of Resistance (2018) y llevado casi a la extenuación en su anterior álbum Ultra Mono (2020). Esto hace a CRAWLER el disco que obliga al grupo a probar cosas nuevas, si bien con un pie aún puesto en el sonido anterior; el clásico álbum de transición. Los cambios no tardan en hacerse notar; ya solo el primer tema, MTT 420 RR, una introducción de paso lento y con el sinte como instrumento principal, se sitúa en las antípodas del asalto sónico con el que empezaba Ultra Mono. El disco esconde algunas otras sorpresas, como la industrial y medio rapeada Car Crash o The Beachland Ballroom, una introducción al soul muy al estilo de sus contemporáneos Iceage en la que el cantante Joe Talbot se permite modular su registro habitual. La otra cara, la de su sonido clásico, se mantiene efectiva aunque algo menos interesante, resultando la mezcla de estas dos en un álbum con varios picos y valles, un trabajo loable pero algo desequilibrado en su concepción.

Por Miguel Lomana.

CURTIS HARDING – If words were flowers (Curtis Harding, Anti, Pias, 2021)

Un ram de flors sempre triomfa

If words were flowers és un elegant ram de flors que, lluny de seduir noves audiències i conquestes, està dedicat a seguir enamorant i cuidant les persones que ja gaudeixen del cor del soul. Curtis Harding és un cantant i compositor estatunidenc que va sorgir arran del renaixement del soul de la dècada dels 2000. Després de consolidar-se en el gènere amb Soul power i Face your fear, ens presenta un nou treball on explora l’amor contemporani des del soul tradicional.

A excepció de l’experimental tema So Low, el disc es manté fidel a la senzillesa i la bellesa instrumentals. I és que per què canviar allò que funciona? L’elegància d’un aromàtic ram de flors mai passarà de moda. Així ho demostren els temes més escoltats del disc, Hopeful i I won’t let you down, en què sentim harmonies corals de gòspel. La seductora veu de Harding t’abraça l’ànima i és terapèutica. Les seves paraules, lluny de ser cursis, són carícies de vellut. El disc, en definitiva, ens mostra amb l’exemple com cuidar, en vida, els nostres éssers estimats. Regalem-los flors ara, abans que sigui massa tard.

Per Júlia Palacín.

María Rodés y La Estrella de David – Contigo (Elefant Records, 2021)

Para bailar el country hacen falta dos caderas

David Rodríguez –La Estrella de David, para lo que nos concierne- y María Rodés se han juntado para hacer un disco: menuda polvareda. Del pop melancólico del primero y el folk-pop suave de la segunda ha nacido una suerte de álbum de corte country que no pierde ni la amargura cómica de David -perfectamente reflejada en la canción que cierra el asunto, titulada Nos vamos a divorciar– ni la exactitud lírica de María -que habita con fuerza varias de las canciones que nos ocupan, pero quizá lo haga en Eres más que en ninguna otra-. Este disco nos prueba, en primer lugar, que el diálogo siempre añade algo a la ecuación; bien sea por la imposibilidad del solipsismo o el joie de vivre de componer a la vera del otro, este Contigo se siente en primer lugar divertido, fascinado por su propia manera de moverse. La serenidad de María Rodés apaga los restos de autoindulgencia propios de la escritura-por-exceso de La Estrella de David; la afilada mirada sobre la cotidianidad de David resuelve los espacios más blandos de las composiciones de María. El disco se sabe singular: se llora y se baila, en un espectáculo autoirónico esparcido de ternura, un rodeo invadido de guitarras y particularmente nocturno, una danza de dos, una danza contigo.

Por Adrián Viéitez.

B1N0- bi (Hidden Track Records, 2021)

Nous horitzons musicals

b1n0 torna amb bi, un EP que ens permet viatjar per 5 cançons coherents amb un so molt característic. Seria injust parlar d’electrònica i prou. Els samples, els beats i els sintetitzadors s’encarreguen de configurar un so que s’allunya del purisme electrònic que caracteritzava el seu últim disc b1n0. També és innegable que bi es nodreix de diferents referents musicals, però el resultat sonor és un híbrid únic i peculiar que costa encasellar o reconèixer de forma clara en altres artistes. A més, l’àlbum compta amb 4 col·laboracions locals de categoria. El seu darrer disc ja era una advertència sobre el bon gust de la banda a l’hora d’escollir artistes col·laboradors i vam poder gaudir d’una Núria Graham passada pel filtre de l’electrònica -fusió que no us podeu perdre-. En aquest cas trobem cançons amb artistes com en Ferran Palau (BUM BUM) o la Meritxell Nedderman (N0). Ara bé, trobo molt necessari destacar la curiosa fusió de b1n0 amb Tarta Relena, una col·laboració que et trencarà el cap i et transportarà a una espècie d’aquelarre electrònic. A bi trobarà risc i emoció combinat amb un gust per l’experimentació i la cerca de nous horitzons musicals.

Per Paula González.

ABBA – Voyage (Capitol, 2021)

Soy la niña que se fue al espacio hace tanto tiempo

La historia de ABBA fue corta y fulgurante: ganaron Eurovisión, lanzaron un puñado de álbumes a lo largo de los 70 y se convirtieron, desde la Suecia insospechada, en uno de los cornerstones de la música disco-pop que inauguraba una nueva actitud estética: la propia de los años ochenta, del sintetizador y las luces titilantes. Más insospechado que su origen, sin embargo, ha sido el regreso de este cuarteto tras nada menos que cuarenta años sin producir música nueva. El resultado es diabólico: Voyage se acopla con tanta naturalidad al hilo musical de ABBA como a las tendencias musicales contemporáneas, dejándonos en el abismo de un dilema irresoluble: o bien estamos en 1981, o bien los reyes del pop sueco hicieron música para el futuro. En Don’t Shut Me Down, uno de los dos singles adelantados al lanzamiento del disco, adivinamos la nostalgia suave y esperanzada propia de los grandes éxitos del grupo, en esa intersección tan delicada entre la melancolía y las ganas de bailar. Alrededor de ese eje lleno de fabulaciones líricas se construye Voyage, una miríada de canciones que apuntan hacia el pasado con la misma fijeza con que se disparan al futuro abrazadas al folclore, lo narrativo, la experimentación formal y la consolidación de un sello que ha encontrado la hebra a través de la cual escurrirse desde los setenta hasta hoy. También de las estrellas se cuenta que el brillo al que asistimos no es más que un reflejo emitido millones de años atrás.

Por Adrián Viéitez.

DAMON ALBARN – The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows (Transgressive, 2021)

Ejercicios de meditación

Para un artista tan sumamente inquieto como Damon Albarn, a quien desde 2010 le ha dado tiempo a sacar cinco discos con Gorillaz (desmantelando y reactivando el proyecto entre medias) y a resucitar tras una década de inactividad primero a Blur con The Magic Whip (2015) y después a The Good, The Bad and the Queen –amén de hacer labores de compositor para otros artistas como Kali Uchis o Vince Staples– la noción de separar su música en otro compartimento más, esta vez bajo su propio nombre, puede sonar algo absurda. Sin embargo, la mira con la que parte Damon Albarn para sus discos en solitario, primero Everyday Robots y ahora el que nos ocupa, es lo suficientemente particular para garantizar esa distinción. The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows, es una obra reposada y melancólica, con trazas del estilo habitual de Albarn pero mucho más enfocado en la textura y el ambiente. Junto con canciones que podrían formar parte del repertorio más suave de Gorillaz como Royal Morning Blue o Darkness to Light, se pueden encontrar interludios que se asoman hacia la música drone o a la instrumentación jazz que componen, tal vez, las partes más interesantes de este disco.

Por Miguel Lomana.

BRUNO MARS, ANDERSON PAAK, SILK SONIC – An Evening With Silk Sonic (Aftermath Entertainment and Atlantic Recording Corporation, 2021)

An Evening With Silk Sonic: un homenaje a la música Motown

Cuando escuchas el álbum de Silk Sonic, el dúo integrado por Bruno Mars y Anderson Paak, te da la sensación de que estás entre el público en los años 60. O como si retransmitiesen su concierto y toda la familia, impaciente, estuviera enganchada al televisor esperando a que empezara.

Leave The Door Open es una canción genuina y tierna, que recuerda a la energía de I’ll Be There (Jackson 5), dirigida a una mujer a la que admiran e invitan a cruzar el arco de la puerta cuando ella desee. Fly As Me, en cambio, tiene un componente macarra (“Merezco estar con alguien tan guay como yo”) aliñado con el funk de Kool & The Gang y la influencia de Rick James en su descontrol controlado de la voz. After Last Night correspondería a un R&B más actual y popero como el de Babyface, el cual contrasta con el soul a bajo tempo, así como el de tipo enérgico a lo James Brown.

Se nota que es una obra para rendir homenaje a la música Motown. Sin la emergencia de artistas como Marvin Gaye, Luther Vandross o Stevie Wonder, entre otros muchos, que formaron parte de ella seguramente no gozaríamos de muchos de los temas de cantantes que aún a día de hoy se inspiran en esta corriente para encontrar y comunicar su propio arte.

Por Raquel Ashby.

JOAN AS POLICE WOMAN, TONY ALLEN, DAVE OKUMU – The Solution Is Restless (PIAS Recordings, 2021)

Un popurrí entre dos (o más) aguas

The Solution is Restless es un disco ambiental y poco ortodoxo en cuanto al sonido y al ceñimiento a la estructura convencional de una canción. La parte instrumental sobresale por su capacidad de marcar el funk con el bajo –, así como por su habilidad de saber integrar múltiples instrumentos de los cuales emana una distinta naturaleza artística – y de mezclarlo con elementos experimentales.

En The Barbarian, la primera pieza y además la más larga del álbum, se funde una voz hipnotizante con el piano que a ratos va in crescendo. Hacia el final se puede escuchar música oriental y, de fondo, percusión. Esta combinación harmónica encaja a la perfección y destaca por su emoción melódica. Las notas graves del piano, así como el órgano, aportan a Take Me To Your Leader un sonido góspel como si nos hubieran teletransportado a una iglesia estadounidense.

Al fin y al cabo, este LP es admirable, en tanto que se atreve a tomar riesgos y a decir la suya en los cánones musicales establecidos. Es muestra de ello el fragmento que protagoniza el teclado en el tema The Love Has Got Me, el cual diferencia la primera parte de la segunda. Me quedo, asimismo, con la complicidad y la pequeña comunidad que crearon estos músicos al compartir y grabar su arte. Por suerte, siempre lo podrán volver a escuchar, y nosotros también.

Por Raquel Ashby.

SANTIAGO LA BARCA – Santiago la Barca (El Volcán, 2021)

Aquellos veranos verdes en Llanes

La cadencia del mundo discográfico ha hecho que se nos desordene la cronología de los trabajos actuales de Santiago Fernández, una de las mitades de la siempre flotante banda asturiana Autoescuela -cuyo regreso está prometido-: hace ya más de un año que nos presentó a Santiago la Barca, un proyecto de amigos que acaba de fructificar en un álbum homónimo, pero entretanto también nos ha entregado la primera dosis de La media distancia, un tercer proyecto musical compartido, en este caso, con Marina Simal. Señor Corsario, el primer single que lanzó con Santiago la Barca, forma parte -transformado, eso sí- de este disco que ahora nos encontramos y nos sirve para acoplar estos dos tiempos, para generar ilusión de continuidad dentro de la productividad tan extensiva de este grupo de artistas asturianos que hacen música hacia adelante, apoyados en un imaginario específico a la fuerza: por localista y por generacional, también por irónico y exhaustivo. Si en el caso de Autoescuela el juego era protagonista, apreciamos en Santiago la Barca impulsos similares, pero enfocados en direcciones algo distintas: la limpieza de estos paisajes nos hace pensar en el agua, en el agua mezclada con los amigos y con los campos y también con el juego, claro, pero sobre todo en el agua. Campdón, Il Fratello o Tú y yo y Tony Hawk nos sirven perfectamente para incidir en este esfuerzo por concretar el tono, a la comba entre un pop desenfadado y un folk culturalista que nos hace pensar en Donovan en la feria del queso de Tapia de Casariego, a medio camino entre una comprensión muy rigurosa de diferentes tradiciones musicales y la aceptación de una identidad cultural -lírica y sonora- indefectiblemente propia, matizada de maravilla por los aportes de Fernando Romero -From- a la guitarra -y muchos instrumentos más- e Ivana Castañón al teclado, que se unen aquí a Santiago Fernández y varios de los músicos y amigos de los que ya se rodeaba en Autoescuela.

Por Adrián Viéitez.

COLECTIVO DA SILVA – Casa Vargas (Subterfuge Records, 2021)

Una oda a l’amor

Casa Vargas és, sens dubte, una oda a l’amor. El disc pren el vol amb el tema Invítame a tu casa, el qual sembla descriure el moment d’atracció inicial amb algú que sol anar acompanyat per la incertesa. Una cançó més aviat de pop sintetitzat i alternatiu, marcada per la presència de la guitarra elèctrica de fons, que juga amb la fantasia de menjar-se a petons la noia que els agrada.

Tú Me Pones Nervioso té una Motown vibe, sobretot pels trets del baix, i seria la sensació que complementaria la primera fase d’una relació amorosa. A Nos Vemos Luego es produeix un inesperat gir de guió en el qual predomina un ritme caribeny. Que Dios Bendiga el Reguetón segueix la mateixa línia i, curiosament, el tros en què comencen a entonar “Yo soy tu gatito” recorda al so que s’associa amb Grease. ¿Conoces a Mi Mamá? arriba a la meitat de l’àlbum per parlar sobre l’enamorament, i la tornada s’aproxima al que coneixem com a pop espanyol, però sense tirar tant cap al gènere indie. Amb After viatgem a l’època dels 80 de la música disco, de la qual grups francesos com Daft Punk han agafat el relleu.

Motivos, amb una sonoritat i una melodia propera al bolero, marca la fi de l’obra, però no la de la relació mentre reafirmen: “Yo concluyo que mi motivo mejor eres tú”.

Per Raquel Ashby.

LA FÚMIGA – Fotosíntesi (Halley Records – 2021)

Tindrem més hores de llum

Començar el dia escoltant el nou disc de La Fúmiga és dir sí a la vida. El recent àlbum de la multiformació valenciana, Fotosíntesi, està compost de deu cançons lluminoses i optimistes. Amb una poderosa secció de vents, entre la que sentim trompetes, trombons, saxo i bombardí, el grup aconsegueix donar un caire festiu a tot el que sona. Temes com Comèdia dramàtica ens acosten la sonoritat pròpia de les bandes balcàniques i de les brass bands del centre d’Europa.
Fotosíntesi és energia, llum i vida. És també una celebració de les arrels valencianes. Els dotze integrants de la formació, que es van fer amics a la banda municipal d’Alzira, col·laboren en aquesta ocasió amb la catalana Suu i amb projectes valencians com Zoo, Samantha, Esther i Jonatan Penalba. Amb aquest últim, fan el tema més tranquil del disc, Llavors, en què vetllen per la integració de les persones a la seva terra, que ha estat històricament enfrontada i dividida.

Per Júlia Palacín.

VVV [TRIPPIN’YOU] – Turboviolencia (Helsinkipro, Flexidiscos, Conjuro, 2021)

Depresión post-‘makina’

Aunque tal vez sea pronto y el paso del tiempo será el único juez en este asunto, el tercer disco de Adrían, Elinor y Salvi, es decir VVV (o Trippin’you, que para eso tienen dos nombres) suena como un punto pivotal para esa escena revival del post-punk ochentero que se viene gestando en Valencia y Madrid de aquí a un tiempo; un hito que marca algo en el horizonte, un disco de los que van a ser recordados, vamos. Y no es para menos: los 30 apretados minutos de Turboviolencia son una cosa apabullante, una clara evolución sonora con respecto a Escama que convierte en algo tangible el ‘neo-bakala’, la etiqueta con la que se han dado a conocer en la prensa musical. VVV suponen el reverso de la euforia asociada a esta música, la resaca química, el pesimismo y el agujero negro que llega la mañana siguiente, y lo representan como ningún otro grupo, mostrando que la distancia entre la oscuridad del coldwave y el trance del drum n bass y el ‘makineo’ son menores de lo que aparentan.

Por Miguel Lomana.

LA SENTINA- Brutalismes (La Sentina- Associació Cultural Indian Runners, 2021)

La brutalitat de l’existència

La Sentina torna per presentar Brutalismes, el quart disc del duo format per l’Albert Girons i l’Ildefons Alonso (El Petit de Cal Eril). En aquest àlbum íntim trobem preguntes, reflexions i sentiments que acompanyen a l’Albert en aquest viatge vital. Les lletres s’encarreguen de deixar constància d’algunes vivències, a més de l’aprenentatge que aquestes ens proporcionen. S’ha de ser valent per parlar de l’amor -o més aviat, del desamor- i a cançons com Raig trobem la veritat més pura sobre la brutalitat dels impactes, provocats pels acomiadaments. L’enyorança es presenta com una conseqüència inherent de l’existència i sentim parlar del sentiment de solitud amb tranquil·litat. Brutalismes planta cara a la vida per convertir els moments reflexius en poesia.

Per Paula González.

Delaporte

DELAPORTE – Abril (Mad Moon Vision, 2021)

Un cóctel que revifa la set

Després de molt temps de discoteques tancades, tornem a sentir vibrar les cançons al club. L’excel·lent duo de música electrònica, Delaporte, sap que la tornada no ha estat fàcil i sota del nom d’Abril —un mes de canvi per la banda—ens regala quatre temes electrònics i tres remixes que ens acosten els sons més club. El disc de Delaporte és un cóctel agredolç que passa ràpidament per l’esòfag, una beguda que condensa a la perfecció les intenses sensacions que es poden acumular al llarg d’una nit de festa al club: Desnudarnos otra vez aporta la dosi de sexe i èxtasi a l’experiència. Droga dura i Narciso, amb un so propi del house dels noranta, ens parla de persones i actituds tòxiques i egoistes de les quals hem de fugir. Kryptonita, al seu torn, representa l’ajuda dels amics, que ens fan sortir de la foscor i tornar a brillar. Sentir les noves produccions de Delaporte és sempre per a mi emocionant. L’electrònica del grup em va captivar fa anys i em va guanyar amb les seves col·laboracions a TITANAS—. He de dir, però, que aquest saborós cóctel de cançons (Abril) m’ha deixat amb set de més.

Per Júlia Palacín.

Rufus T. Firefl

RUFUS T. FIREFLY – El largo mañana (Lago Naranja, 2021)

Tomorrow comes today

Han pasado 3 años ya desde que se produjera –en cuanto a nueva música se refiere, ya que nunca han parado de girar– un silencio prácticamente total por parte de la banda de psicodelia madrileña Rufus T. Firefly, que con Magnolia (2017) y Loto (2018), discos hermanos, abrían y cerraban un ciclo de reconocimiento unánime que hasta entonces les había esquivado. Ahora, con este El largo mañana, la intención de cambiar de página parece patente ya solo desde la portada, gruesos trazos de blanco y negro frente a la masa de color de sus dos anteriores; desde luego ofrece una comparación apropiada para la parte musical, que aquí se torna mucho más serena y reposada. Los rasgos que han hecho al grupo una referencia en el rock español, es decir, los riffs de Víctor Cabezuelo, la expresiva batería de Julia Martín-Maestro y la apuesta por el sintetizador como parte integral de su música, siguen aquí presentes, pero domados y, en cortes como Polvo de diamantes, con miras al rock psicodélico más tradicional.

Por Miguel Lomana.

Vetusta Morla

VETUSTA MORLA – Cable a Tierra (Pequeño Salto Mortal, 2021)

Letras bien afiladas

“Dime si es verdad que las canciones hieren y esta la tendré bien afilada”. Así de amenazante se muestra una de las letras del nuevo disco de Vetusta Morla, Cable a Tierra. La banda española de indie rock se sirve de la música de raíz, de los estilos folclóricos y de la poesía para estremecernos con los peligros del amor. La propuesta arranca con fuerza, con el sencillo Puñalada trapera, en que la guitarra y la pandereta nos anuncia la traición que está por venir. Corazón de lava, aún más alarmante, nos advierte del daño y del dolor emocional, mediante un tétrico canto al piano. La tensión insostenible del disco parece ceder un poco hacia el final, con temas como el aclamado Finisterre. Así, aunque el disco asocie el amor con el peligro y la vulnerabilidad, termina aceptando, a mi entender, el riesgo que implica querer. Cable a Tierra me ha parecido una propuesta musicalmente hablando muy diferente y recomendable. Con letras magistrales, como la del tema Palabra es lo único que tengo, y sonidos musicales folclóricos, como muestran los violines de cuerdas rotas en La Virgen de la humanidad, se ha convertido en uno de mis preferidos del mes.

Por Júlia Palacín.

IZAL

IZAL – Hogar (Hook Ediciones Musicales, 2021)

El cobijo al que regresar

Hogar empieza a sonar a las 7:44 Am, gracias a los rincones y a los cantos que brinda la naturaleza. El disco, a mi parecer, rinde homenaje al amor en todas sus formas: al familiar, al de pareja, al propio y al de amistad.
Meiuqer – réquiem al revés –, se enriquece de la energía ambiental del anterior y adquiere un sonido que tiende a asociarse con la música de la Iglesia. Esta cualidad es mezclada con un tipo de country que recuerda a los Mumford & Sons. Fotografías es de los temas más emotivos, en tanto que logra ir in crescendo, a la vez que trata sobre el paso del tiempo y sobre el amor incondicional hacia » todas y todos los que hicieron que valiera la pena saltar a esta piscina sin saber si estaba llena «. He Vuelto también se trata de una canción nostálgica, ya que describe cómo echan de menos a alguien a quien amaban, a pesar de estar viviendo el sueño de sus vidas. En efecto, este álbum tiene un aura sonora que bebe del rock alternativo y el folk con el que también han experimentado bandas como The Fray, The Killers, Kodaline o Keane. Las letras transitan por la introspección, el desamor, el dolor y la felicidad. Esto crea una armonía ideal para mantener una conversación con quien sea que las esté escuchando en su hogar, un lugar al que de vez en cuando es necesario regresar.

Por Raquel Ashby

Taylor Swift

TAYLOR SWIFT – Red (Taylor’s Version) (Republic Records, 2021)

Las facetas de Taylor Swift en 30 canciones

Red (Taylor’s Version) recopila canciones de sus anteriores discos y no deja de ser un tributo a sus experiencias vitales y a su longeva carrera musical. Cabe decir que esta empezó con el exitoso Fearless, un primer álbum con una madurez artística sorprendente por lo joven que era la cantante en aquel momento y que destacó por integrar baladas y temas enérgicos enmarcados en la música country.
Temas como I Knew You Were Trouble, 22 o We Are Never Ever Getting Back Together recuerdan a la transición al pop que marcó un punto de inflexión en su trayectoria, lo cual conllevó aplausos y críticas por parte de algún que otro purista. Sin embargo, Red, Treacherous, All To Well y I Almost Do, entre muchas otras, nos hacen recordar el bagaje original de Swift, característico por letras entrañables y, a su vez, desgarradoras. Mientras que Red y Treacherous aluden a un amor apasionado, pero inestable e imprudente – algo que, como ella misma recita, inevitablemente, le atrae –, All To Well y I Almost Do culminan en Better Man, porque lo que se pregunta la autora es qué frutos habría dado ese amor si hubiera estado con un hombre que la valorase no solamente cuando ya la ha perdido. Lo que pone en evidencia este álbum es la estampa personal que ha hecho distinguible el arte versátil de Taylor Swift y su don no solo como intérprete, sino también por su faceta de compositora.

Por Raquel Ashby

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Barcelona Guitar Trio & Dance

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