¡Este octubre viene cargado de novedades! Tantas, que hemos decidido estrenar nuevo formato para poder abarcarlas. A partir de ahora, actualizaremos la lista de forma semanal, con los nuevos lanzamientos más destacados. ¡Así, no se nos escapará ninguno!
Este mes publicamos las reseñas y valoraciones de los trabajos de Tarta Relena, Marialluïsa, Marina Hein, Germà Aire, Santiago Motorizado, Cristina Len, Kokko Jean & The tonics, Roba Estesa, Las Dianas, Moon Vision o Madee. También podéis leer sobre los álbumes de artistas internacionales como The War On Drugs, Elton John, Lana del Rey, Nicki Nicole, Helado Negro, Kevin Morby, Toni Bennet & Lady Gaga y James Blake.
TARTA RELENA – Fiat Lux (La Castanya / The Indian Runners, 2021)
La mujer como referente
Aunque el verdadero poder de Tarta Relena se acentúa en directo, nadie debería desdeñar su labor en estudio. En el laboratorio, Marta y Helena, preparan, con especial esmero, lo que después veremos en el escenario. En ese sentido, resulta imprescindible conjugar su última producción titulada Fiat Lux con la visita a uno de los conciertos de la gira que están realizando. Fiat Lux (epíteto de resonancias bíblicas), es una osada producción de Oscar Garrobé y Juan Luis Batalla que, si bien, no consolida la carrera de las eternas compañeras de viaje (con tan pocos quilómetros recorridos es inverosímil), pone un punto y seguido, de elevación, a su trayectoria. Álbum atemporal y evocador de personajes femeninos trascendentes en la antigüedad como la Virgen María, Safo de Lesbos, la visionaria sacerdotisa medieval Hildegarda de Bingen o mujeres de la tribu paixtu de Afganistan, esta luz resplandeciente, es ante todo, un experimento sensorial fascinante. La atrevida sonoridad de la que hablábamos, se refleja en experiencias tipo El suïcidi i el cant (acongojante inicio), Stabat mater o Me yelassan (desenlace del advenimiento). Si buscan las Tarta Relena casi desnudas de tecnología, las hallarán en Tu ase t’urpa, Esta montanya d’enfrente, Imperaytriz de la ciutat joyosa o Nunc aperuit nobis, cuatro ejemplos de esa aura espiritual que las engrandece. Fiat Lux es, obviando posibles y tramposos premios, uno de los trabajos con más juicio que aparecerán en este 2021. Sobrecogedor.
Por Barracuda.
THE WAR ON DRUGS – I Don’t Live Here Anymore (Atlantic, 2021)
Continuïtat notable
Pocs grups han protagonitzat una trajectòria més evolutiva i sòlida en els últims 15 anys que The War on Drugs. La banda dirigida pel plenipotenciari Adam Granduciel ha passat del desert psicodèlic del Wagonwheel Blues (Secretly Canadian, 2008) i l’Slave ambient (SC, 2011), a l’èpica opressiva de Lost in a dream (SC, 2014) i la claredat reflexiva de A Deeper Understanding (SC, 2017). A I Don’t Live Here Anymore, la banda estadounidenca aposta pel continuisme i torna a posar-se la capa de trobador modern, clarament inspirada en grans noms de la cançó nordamericana com Bob Dylan, Bruce Springsteen o Tom Petty. Els de Filadèlfia continuen la seva interminable recerca de l’amor, perquè no dir-ho també, la felicitat. En aquest viatge destaquen la sossegada balada Living Proof, l’expansiva Harmonia’s Dream i la visceral I don’t wanna wait. Tot va in crescendo fins a la lluminosa I don’t live here anymore, cançó que dóna nom al disc i que desprèn flaire de rock d’estadi. A partir d’aquí, el disc cau en una certa autocomplaença, amb Granduciel esprement fins a la redundància exitoses fórmules del passat.
Per Pere Millan.
JAMES BLAKE – Friends That Break Your Heart (Polydor Records, 2021)
Luces nuevas para esta misma búsqueda
El quinto álbum del artista británico James Blake ha llegado para hacer lo que los dos anteriores: modificar ligeramente su trayectoria sin desviarse por completo del camino pautado desde sus dos discos iniciales, el homónimo y el aclamado Overgrown que lo catapultó a la primera plana de la escena indie envuelto por un manto de electrónica. Si bien sus primeros dos discos se acogían a un gesto introspectivo y melancólico que contribuyó en buena medida a construir su identidad como artista, los trabajos posteriores de James Blake han ido buscando ya otras luces más vivas, otros espacios más diáfanos. Sucedía así en Assume Form, un álbum en el que nos encontrábamos con un Blake mucho más reconciliado con su propia voz, y vuelve a ser el caso en Friends That Break Your Heart. En esta ocasión, el músico inglés propone un recorrido ciertamente estimulante en el que incide en su interés por corrientes contemporáneas del hip-hop –las colaboraciones con SZA y JID & SwaVay no son más que la superficie de este interés, inscrito en todo el álbum– y busca una nueva manera de relacionarse con su dubstep recogido, que se acerca a nivel sonoro a sus primeros discos especialmente en las últimas canciones. Sin embargo, el camino previo no puede ignorarse: uno no llega a estos cortes con la misma sensación que cuando escuchaba Overgrown. La búsqueda de James Blake ya no ilumina hacia dentro más, todas las luces apuntan ahora hacia fuera.
Por Adrián Viéitez.
LANA DEL REY – Blue Banisters (Interscope / Polydor, 2021)
Ser distinta, no dejar de ser la misma
Pocos dudan ya al respecto de que el Norman Fucking Rockwell! supuso un punto de inflexión en la carrera de Lana del Rey –que el año que viene cumplirá el décimo aniversario desde el lanzamiento de su primer álbum, el también memorable Born to Die–. En aquel disco, que vio la luz hacia el final del verano de 2019, la artista norteamericana llevaba a un extremo de pulcritud la búsqueda sonora que había marcado toda su trayectoria; el onirismo de sus paisajes conseguía el equilibrio adecuado entre la profundidad y la compostura, su rabia melodramática encontraba fuentes inagotables para volverse música y hacerlo ya no solo a través del dream pop desvaído, sino también haciendo gala de un virtuosismo en la producción que dejó para la memoria cortes como The greatest, culminación de una forma de aproximarse al mundo a través del lenguaje musical. Las consecuencias de ese éxito inapelable fueron difícilmente evitables: Lana del Rey ha mantenido su condición de artista prolífica y Blue Banisters es ya el segundo disco que saca a la luz tras el éxito de Norman Fucking Rockwell!, después de sacar el pasado 2020 Chemtrails over the Country Club. El álbum que nos ocupa comparte algunas de las problemáticas de su predecesor, en el sentido de regurgitar con frecuencia trozos y recursos musicales ya visitados por la discografía de la artista, pero empieza a ofrecer también algunas posibles vías de escape. Por un lado, en Blue Banisters nos encontramos con una Lana del Rey capaz de adentrarse –quizá más que nunca– en las aguas del country-americana; por otro, en cortes como Dealer –en el que colabora con Miles Kane–, consigue hibridar de manera notablemente genuina su estilo etéreo con los códigos de un indie-rock algo más sucio. Norman Fucking Rockwell! supo tocar a un tiempo varias teclas adecuadas, y desde entonces Lana del Rey ha vuelto un poco a lo que había ocupado su carrera previa: la búsqueda. Si los ciclos se cumplen, no tardará mucho en volver a lograr que las cosas cuadren.
Por Adrián Viéitez
HELADO NEGRO – Far In (4AD, 2021)
Volando entre las cuevas del mundo
Después de participar en varias de las variaciones contemporáneas del indie rock a lo largo de sus primeros cinco álbumes al frente de la banda neoyorquina Helado Negro, el artista estadounidense de raíces ecuatorianas Roberto Carlos Lange consiguió finalmente asentar a su grupo en la primera línea del panorama musical con el lanzamiento de This Is How You Smile, su sexto trabajo de estudio tras toda una década de recorrido. El inapelable éxito del disco, que asentaba por fin el sonido de Helado Negro en un lugar específico al borde de lo progresivo, con infiltraciones propias del jazz y de la música latina, hizo que el sello discográfico 4AD los fichase: ha sido en su seno donde, dos años después, ha cobrado forma el disco de su confirmación. Far In es un álbum profuso, atrevido, que comienza en la orilla del synth-pop con la fastuosa Wake Up Tomorrow, colaboración de la banda con Kacy Hill, para sacudirse a continuación en repetidas ocasiones en busca de lugares nuevos, de cambios de ritmo en la instrumentación, momentos para el éxtasis y otros espacios llenos de niebla; si This Is How You Smile destacaba por su precisión, por la claridad de sus direcciones, en el caso de Far In nos encontramos con una banda en plenitud creativa, llena de curiosidad y con la imaginación en pleno florecer.
Por Adrián Viéitez
MARIALLUÏSA – La vida és curta però ampla (Bankrobber, 2021)
La llibertat d’escollir en una ‘vida curta però ampla’
La vida és curta però ampla del grup Marialluïsa podria ser la banda sonora d’una pel·lícula o d’una sèrie intimista i realista. També podria ser el repertori d’una etapa vital o de la vida mateixa. Les 8 peces que integren l’LP fan referència a temàtiques com l’amor de parella en el seu estat inicial, intens i fogós, i a la seva evolució a mesura que guanyem –o perdem, segons la forma en què es vulgui mirar– en anys. Els components de la banda també plantegen el repte que suposa aprendre a estimar, alhora que comparteixen un neguit universal: que en serà del seu futur. Aquestes inquietuds es fan paleses a Veig la sort, cançó amb una sonoritat hipnòtica que recorda a la d’en Marco Mares. Què farem demà? ja és en sí una declaració d’opinió, en el sentit que existeix una preocupació davant de la incertesa i la realitat de créixer i fer-se gran. Alhora, a partir de la lletra es tracta el judici social i/o familiar que et pot caure en funció del camí professional –factor que en menor o major grau condicionarà el personal– que escullis i la llibertat que cadascú hauria de tenir per llaurar el seu camí segons les seves preferències. El disc complet transmet una aura juganera, entremaliada i, per altra banda, madura amb pinzellades que et transportaran a l’època dels Eagles o del cantautor Cat Stevens, combinades i reinterpretades amb la sonoritat del folk català i un rajolí de pop místic amb el qual han explorat valors consagrats del panorama musical llatinoamericà.
Per Raquel Ashby.
KEVIN MORBY – A Night At The Little Los Angeles (Dead Oceans, 2021)
Donde nace la magia
El cantautor estaunidense Kevin Morby nos invita, con su nuevo disco, a entrar en su casa, en Kansas City, y escuchar cómo ideó las canciones de su último trabajo: Sundowner. Su recién publicado A night at the little Los Ángeles nos permite revisitar las diez canciones del anterior disco en un estadio previo a la producción de Brad Cook y conocer, bien de cerca, el proceso creativo de composición. Su disco es una íntima reunión con amigos de confianza, una noche de confesiones junto a la hoguera. Una invitación al lugar donde nace la magia. La calidad sonora casera, el siseo de la cinta y las pausas y cortes que caracterizan estas pistas nos acercan a la obra del artista. La estética cruda de estas 4-track-demos hace justamente que podamos adentrarnos mejor en la nostalgia crepuscular del folk de Morby. Su disco nos captura en el presente y nos hace sentir afortunados. Qué suerte poder presenciar algo tan puro.
Por Júlia Palacín.
MARIA HEIN – Continent i Contingut (Hidden Track Records, 2021)
Tendresa per sobre de tot
Feia mesos que Idò un cafè es trobava entre les cançons del meu Spotify, així que era d’esperar que comencés a escoltar el disc amb certa intriga i curiositat per conèixer l’àlbum debut de la jove mallorquina. A mesura que t’endinses en el petit univers de Continent i Contingut descobreixes cançons senzilles i romàntiques, en molts casos acompanyades tan sols d’un piano. A la veu de Maria Hein no li cal una producció carregada, ja que a través d’una instrumental minimalista és capaç de conduir-nos per un paisatge càlid i tendre amb pinzellades melancòliques. Els pensaments, dubtes i reflexions de la compositora s’expressen amb tanta delicadesa i tranquil·litat que esdevenen històries amb un punt amarg recobertes de bellesa. Quan acabes d’escoltar el disc sents que tens a l’abast un petit tresor íntim i angelical en el qual submergir-te cada vegada que tinguis ganes d’escoltar cançons tendres i enyoroses, que molts cops sonen a record d’un estiu passat.
Per Paula González.
MOON VISION – Instinct (Hidden Track, 2021)
En lluna creixent
Trobar Moon Vision ha estat com arribar a un planeta inexplorat, que pocs han tingut l’ocasió de trepitjar abans. És un grup relativament nou i desconegut, però amb una proposta definida i en expansió. Al seu nou disc, Instinct, som testimonis d’aquest creixement en molts sentits: el grup amplia formació a un total de quatre membres, incorporant la vocalista Júlia Collado i el bateria Pau Schurl. A més a més, creix en autenticitat i aconsegueix dibuixar un univers sonor propi. Instinct conserva el segell electrònic de Moon Vision, però el porta a indrets més delicats. Amb sons robòtics i enllaunats, bé podria semblar que els músics toquen des de la galàxia. Allunyats del frenètic món i amb cançons a mig temps, ens ofereixen una visió panoràmica de la humanitat.
Per Júlia Palacín.
GERMÀ AIRE – Gornal (Hidden Track Records, 2021)
Existencialisme a través del so actual
La Gornal va ser el local d’assaig del grup Germà Aire durant més de 10 anys. Amb un títol com aquest és d’esperar que una de les temàtiques principals del disc giri entorn allò que ja no hi és, però que perdurarà per sempre. El disc arrenca amb el so melancòlic d’un piano i seguidament s’inclouen sintetitzadors que es troben presents al llarg de l’àlbum i s’encarreguen de marcar la cohesió entre les 9 cançons. Les creacions musicals d’avui dia es nodreixen d’una infinitat d’estils i cada cop costa més parlar de discos amb gèneres concrets. Gornal és pop en català, sintetitzadors, melodies de piano i folk metafísic, una barreja que crea un so sòlid i actual. Si et trobes en una fase vital existencialista, te’l recomano. Travessa reflexions com la percepció, els diferents punts de vista o el sentit de l’existència, així que prepara’t.
Per Paula González.
CRISTINA LEN – Alma Charra (Cycling Records, 2021)
Un debut con raíces folclóricas
Alma Charra, bebe de infinitas y complejas referencias, aun estando compuesto por solo 5 canciones. Es un EP conceptual y metafórico en el que Cristina Len transita por emociones que van desde la absoluta vulnerabilidad o tristeza hasta el orgullo, el empoderamiento, mientras cuenta una historia de una relación amorosa tóxica. La música que brota de este proyecto con una huella tan personal está inspirada en el folklore español y en los cantares de tradición oral. Sin ir más lejos, Tengo un Molino es un claro guiño a Tengo un molino que muele del disco de Ilda Álvarez Macía Cantares da Serra do Caurel (2009).
Casi todas las canciones van acompañadas de elementos creativos que aluden a la Iglesia. Ejemplo de ello son los tambores que retumban en varias melodías como si se escenificase una procesión, citas implícitas y expresas al matrimonio, la virginidad, la obscenidad como pecado, la sanación y la muerte. Finalmente, la obra alcanza una madurez artística y una riqueza distintiva por su capacidad de unir lo rural y lo popular con lo urbano, representado por el R&B de Olvídate y el pop de Pena, el cual se asemeja al de Billie Eilish.
Este EP también es en sí mismo reivindicativo con la mención indirecta a la sentencia feminista, “Ni putas ni santas”, otro motivo por el cual celebrar este debut por todo lo alto.
Por Raquel Ashby.
NICKI NICOLE – Parte de mí (DALE PLAY Records, 2021)
Nicki Nicole, més enllà de ser trapera
Parte de mí és un àlbum ric i complex, en el sentit que en escoltar-lo esclaten diferents gèneres musicals i es fusionen entre ells. En aquesta ambiciosa mescla, la Nicki Nicole aconsegueix un so reconeixible, una firma pròpia que dota els temes d’una impremta personal i actua com a element diferencial en un mercat que peca d’una excessiva concentració d’oferta artística. El repertori comença amb la balada pop que dona nom al disc. La veu de la Nicki Nicole ens captiva mentre sembla que parli, des de l’enyorança, d’un amor que ja s’ha acabat i no tornarà. A Darling, en canvi, notem un gir de guió en la lletra i el ritme, el qual estaria més a prop d’un pop urbà. La primera transmet un missatge empoderador i posa en relleu el saber estar sola abans que suportar actituds nocives en parella. Tot i que a grans trets se la conegui com una artista trapera, aquest LP reforça que la seva identitat musical va molt més enllà de tal categoria. Temes com Pensamos, Verte, Perdido, Baby, Mala Vida i Tengo To no només demostren la versatilitat de la Nicki Nicole, sinó que també són exemples de cançons força dispars –no hi ha cap estil que se li resisteixi perquè viatja des del reggae i el bolero fins al rap i el pop–, algunes de les quals s’han construit nodrint-se, al meu parer, de la influència sonora de la Lily Allen. Però peces concretes com Dangerous i Baby recorden, respectivament, a un univers que transita del R&B al hip-hop de la pel·lícula 8 Mile i al de la música disco/funk de Daft Punk.
En definitiva, la Nicki Nicole impregna les seves creacions urbanes d’elements místics i llatinoamericans (Me has dejado, Colocao, entre altres) per brindar-les d’originalitat i, alhora, com a reivindicació de la pròpia identitat cultural.
Per Raquel Ashby.
KOKO JEAN & THE TONICS – Shaken & Stirred (Buenritmo, 2021)
Pureza agitada
Koko-Jean & The Tonics necesitaban un proyectil que les situara donde merecen. La catapulta ha sido construida y al torpedo lanzado le han llamado Shaken & Stirred. Koko y su familia ya están en órbita. Dos excitantes EP’s y numerosas actuaciones (incluso en tiempos pandémicos) eran aval más que suficiente para mostrar su categoría, sin embargo, faltaba la puesta de largo. Marc Tena Aguade ha producido y mezclado un ambicioso trabajo (cubierto por el manto protector del alma de New Orleans) compuesto por 12 temas, religando rhythm and blues, soul y algo de góspel, que invitan tanto al baile como a la reflexión. Las irresistibles All night long, Never said no, Pattin’ Juba (exuberante Victor Puertas en el Hammond) conviven con las ardorosas What you mean to me o Hard to say goodbye (dedicada al recientemente fallecido Amadeu Casas) y también con las reivindicativas From the country to the city y Movin’ on.
Presten atención a Leaving Trunk (genuino cover del clásico de Taj Mahal) y a la instrumental Turn on your love lights. En ellas, el mentado Puertas, Dani Baraldés (guitarra) y Anton Jarl (batería) exhiben todo su gigantesco potencial. A menudo, no hay que viajar lejos para encontrar la excelencia, Shaken & Stirred lo demuestra con creces. Corran a por él, la borrachera de estímulos está asegurada.
Por Barracuda.
ROBA ESTESA – Rosa permanent (Halley Records, 2021)
Per festa major, arriba la revolució rosa
El grup català Roba Estesa re-significa i s’apodera del color rosa en el seu nou disc Rosa permanent. Mentre que aquest color ha estat tradicionalment relacionat amb la debilitat i la falta de virilitat, la banda femenina l’ha convertit en el punt de trobada de la lluita FemLGTBIQ+. En el single Lxs nenxs, per exemple, el grup reivindica, sobre un ritme de reggaeton, el poder de les amigues com a xarxa afectiva, tot apel·lant a la revolta feminista. Al tema Pena, les catalanes ens parlen de relacions tòxiques i ens conviden a alliberar-nos del que ens oprimeix: “Si l’amor fa de cel·la, l’amor no val la pena”. El present àlbum ens porta definitivament la nova sonoritat pop del grup, ja esbossada a Dolors (l’EP de quatre temes, publicats durant la pandèmia). Roba Estesa evoluciona decididament, deixant enrere la música folk i tradicional, i decideix apostar per la fusió dels instruments de la banda (violí i acordió, entre d’altres) amb els beats electrònics. La producció a l’estudi pren més importància que mai en aquest treball, gràcies a la col·laboració de Joan Borràs (d’Oques Grasses) i Ferran Casas (d’Est Oest), donant com a resultat deu temazos amb múltiples capes, força i personalitat. Si bé algunes persones lamenten el gir del grup cap al mainstream, altres celebrem el camí que han pres. És a les nostres mans, com a oients, difondre la revolució rosa i fer-la arribar a les places d’ajuntament. Esperem amb ganes el dia en què les seves lletres esdevinguin himnes generacionals i es cantin a totes les festes majors.
Per Júlia Palacin.
LAS DIANAS – Lo que te pide el cuerpo (Casa Maracas, 2021)
Letras de andar por casa
Parece que en los últimos tiempos los grupos de indie rock con letras claras y sin florituras han ido en aumento. Las Dianas forman parte de esta nueva oleada y ofrecen un sonido fresco que podríamos describir como una mezcla entre Ginebras y Cariño. Lo Que Te Pide el Cuerpo es, en el mejor de los sentidos, un disco millennial que retrata escenas con las que muchos podemos empatizar: “a y media empiezo a estudiar”, “dame tu número que el insta no me va” (la vieja confiable). Personalmente, creo que el uso de letras aparentemente banales es un gran acierto. En la música abundan las experiencias narradas con metáforas profundas y de vez en cuando se agradecen los tonos informales y cómicos. Al fin y al cabo, el humor es un punto de vista más sobre la vida y títulos como Todos Mis Amigos Tienen Covid son necesarios para hacer música de experiencias comunes.
Por Paula González.
SANTIAGO MOTORIZADO – Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro (Primavera Labels / Laptra Discos, 2021)
Un Santiago poco Motorizado
Santiago Motorizado vuelve a dar un paso en solitario y presenta Canciones Sobre una Casa, Cuatro Amigos y un Perro, su segundo disco compuesto para la serie Okupas. Debo admitir que cuando empecé a escucharlo sentí que estaba ante un álbum más de Él Mató a un Policía Motorizado. Pensé que Santiago se había marcado un ‘Alex Turner’, cuyas dos bandas, Artic Monkeys y The Last Shadow Puppets, suenan igual. Sin embargo, las referencias que tenía en mi cabeza de los Motorizados se fueron diluyendo poco a poco y me di cuenta de que, efectivamente, este disco se aleja del sonido de la banda argentina y cobra un sentido propio. Si con Polvo de Estrellas y Mil Derrotas sientes que el indie rock cantado por Santiago te resulta familiar, no te preocupes, avanza un poco y descubrirás un precioso disco de casi 20 canciones con sonidos propios del folklore, la cumbia, el tango y el rock nacional.
Por Paula González.
MADEE – In the cold Season (BCore Disc, 2021)
Un passeig amb tonalitats blaves
Sembla que el 2021 s’està convertint en un molt bon any per a Madee. Després de 14 llargs anys de silenci, la banda va presentar Eternity Mingled With The Sea i mesos més tard, han llençat In The Cold Season, un àlbum que conté les reflexions vitals que el grup ha arrossegat a mesura que la seva discografia ha anat creixent. Un rock bucòlic i emocional invadeix les 12 cançons del disc, acompanya’t dels poemes de Mark Swanson, un amic de la banda. Reflexions sobre la necessitat de treure partit de cada moment, els records dolorosos d’una adolescència hostil o la tendresa que envolta l’espera d’una persona estimada. L’àlbum s’allunya de ser un recorregut pla sense alts i baixos, ja que explora tota mena d’emocions plenes de veritat, com l’existència mateixa. In the Cold Season resulta ser un passeig blavós per la vida i les seves experiències.
Per Paula González.
ELTON JOHN – The Lockdown Sessions (Mercury Records Limited, 2021)
The Lockdown Sessions, un disc que celebra la germanor
Es veu que a Elton John li va cundir el confinament. Tant és així que d’una experiència de la qual ningú se’n va salvar va treure un disc de 16 cançons col·laboratives –que es diu ràpid– amb artistes que porten a les seves esquenes trajectòries musicals ben diferents. E-Ticket, tema que interpreta amb Eddie Vedder, és un Rock & Roll clàssic amb un teclat enèrgic i constant en tota la peça que ens porta a un escenari country, com si estiguéssim gaudint de música en directe a un cafè de Nashville. After All –que compta amb el featuring d’en Charlie Puth– en canvi, recull l’herència del pop melòdic dels 90, mentre que el de Dua Lipa ens fa viatjar a nivell sonor als temps on la Cher o la Kylie Minogue ho estaven petant. Learn To Fly (Surfaces), inevitablement, et farà pensar en el Mama Said d’en Lukas Graham i One Of Me Lil Nas X és una fusió peculiar i explosiva de country amb hip-hop/rap que contrasta amb la balada country Simple Things (Brandi Carlile), amb la influència del gòspel a Finish Line (Stevie Wonder) o amb els inicis de Stolen Car (Stevie Nicks), els quals semblen picar l’ullet a Billy Joel.
The Lockdown Sessions, al cap i a la fi, és un treball d’equip que apel·la i travessa el públic jove i adult –o, si es vol dir, el digital i l’analògic–, alhora que celebra la germanor entre els músics que, a causa d’un biaix generacional i d’una preferència en termes d’estil, s’han empapat de distints referents musicals per dotar d’un sentit simbòlic i sonor les seves obres d’art.
Per Raquel Ashby
TONY BENNET & LADY GAGA – Love For Sale (Columbia, 2021)
La naturaleza del amor
Love For Sale es un disco que rinde homenaje a Cole Porter, uno de los compositores estadounidenses más importantes que nos ha brindado la música y, en concreto, el jazz. Todas las canciones reinterpretadas por Lady Gaga y Tony Bennett nos transportan a ese Hollywood glamuroso de Frank Sinatra y Marilyn Monroe de los años 40. Incluso, ciertas piezas como Night and Day recuerdan a bandas sonoras de teatro musical. De hecho, tanto esta como I Get A Kick Out Of You formaron parte del repertorio de obras de Broadway. Cuando los artistas unen sus voces sedosas, potentes y rotas –acompañadas de solos de saxo, violines, teclados, guitarras, arpas, flautas, así como del órgano, instrumento que tendemos a relacionar con el góspel– podemos confirmar que el dúo resulta harmonioso y ‘meant to be’.
El álbum que ofrecen es también una celebración del amor de la mano de los clásicos Do I Love You, I’ve Got You Under My Skin y Let’s Do It.
En definitiva, el hilo que lo hace fluir y nos hace andar sobre las nubes es el recurrente tema del amor y su naturaleza, el hecho de haber encontrado a alguien con quien crecer y compartir la vida misma, y aprender a querer a esa persona incondicionalmente a pesar del paso del tiempo.
Por Raquel Ashby.
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