Los 12 candidatos al mejor disco del año

NACHO VEGAS – Violética-DESTACADA discos nuevos junio

Como el británico Premio Mercury, creado en 1992 y cuyo principal criterio de selección es la calidad y repercusión artísticas; y, a diferencia de los Brit, en los que también se tiene en cuenta el éxito de ventas; el Premio Ruido, establecido en 2015, es un premio anual con una única categoría: mejor álbum musical producido en España – se considera nacional en la que al menos la mitad de los componentes de la formación tengan nacionalidad y/o residencia permanente en nuestro país -.

Entregado por los Periodistas Asociados de Música (PAM), son sus miembros quienes deciden quién se lleva el galardón a casa. Los ganadores de las tres primeras ediciones han sido Niño de Elche por el álbum Voces del extremo en 2015, Triángulo de Amor Bizarro por el álbum Salve discordia en 2016, y Rosalía & Refree por el álbum Los Ángeles el año pasado. Este 2018 está muy reñido, ya que estos son los doce finalistas:

Si Rosalía reinventó el flamenco con Los Ángeles sin necesidad de fusionarlo con otros estilos como la electrónica o el pop, es precisamente esto lo que hace grande a El mal querer. La fusión con la música urbana, el trap y la electrónica hacen de este disco uno de los más innovadores y sorprendentes del año. También repitiendo nominación está El Niño de Elche, radical y vanguardista ‘enfant terrible’ del nuevo flamenco.

En otra línea, esta vez desde el pop electrónico, el de Putochinomaricón es un álbum inteligente e iconoclasta. Pocos artistas han podido condensar tanta crítica ácida y sarcasmo en los menos de 20 minutos que dura el disco. Sus letras no serán perfectas, pero Putochinomaricón es una de las cosas más relevantes que le ha pasado al pop nacional en los últimos años.

Los doce temas de chispas melódicas sintetizadas, teclados y guitarras de Memoria les ha valido la nominación a La Habitación Roja, junto a otro peso pesado de la música nacional como Christina Rosenvinge, con un trabajo que reflexiona sobre la soledad y donde se reconcilia con la figura de su padre, Un hombre rubio.

Otras bandas que mantienen el nivel alto respecto a sus anteriores trabajos son Belako, que disco tras disco suma dominio técnico y de producción, así como ganas de experimentar. Los que en su día supusieron la esperanza del post punk y new wave, proponen en su último disco Render me numb, trivial violence melodías más oscuras, lentas y elegantes que en discos anteriores. O Toundra, que también mantiene el listón alto con Vortex. La banda de rock instrumental se ha marcado un disco casi perfecto con obras casi maestras como Mojave o Touareg.

Por el contrario, el debut de La Plata, dos jóvenes valencianos que abrazan el pop-rock en su disco Desorden también se han colado entre los nominados. Así como el segundo álbum de Morgan, forjado en las carreteras durante la gira de su primer álbum, en el que encontramos desde rock americano, soul o funk.

Zahara nos sorprendió este año con su álbum más orgánico, donde experimenta con nuevos sonidos; igual que Loto, de Rufus L.Firefly, el más psicodélico y efervescente. Por último, el disco que ilustra la portada es Violética, de Nacho Vegas, el más político y ecléctico (en 90 minutos le da tiempo a darse un paseo entre la cumbia, el post punk y todo lo que haya entremedio).

El miércoles 30 de enero el desenlace de este reñidísimo encuentro.

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‘In the band’, la banda sonora de las giras de Love of Lesbian

Love of Lesbian

¿Cómo es ir de gira? ¿Qué hacen tanto tiempo metidos los músicos en furgonetas, buses y aviones? ¿Cómo matan el tiempo? ¿Cómo se recuperan de las resacas haciendo escalas en aeropuertos o embutidos en vehículos durante horas y horas? ¿QUÉ MÚSICA ESCUCHAN? ¿Se escuchan a ellos mismos?

Si se escuchan a ellos mismos seguirá siendo una incógnita, pero saber qué escuchan, las redes sociales nos lo ponen algo más fácil. Love of Lesbian ha entendido que los fans y simpatizantes somos curiosos por naturaleza y ha creado una playlist pública en Spotify. In the band es una lista de apenas 23 canciones con una selección muy interesante de folk, indie, blues y rock sin estridencias para disfrutar del viaje.

Con mucho folk y grupos como Dawes, Daniel Rossen, Sharon Von Etten, Wilco o Father John Misty. Síguele la pista a la cantautora inglesa de 28 años Laura Marling. Toca la guitarra, el bajo, el ukelele y el piano, y tiene un personalísimo registro vocal y unas melodías delicadas y misteriosas. Laura Marling, apunta.

Algo de rock alternativo y new wave, entre los que constan míticos como Radiohead, The Cure, David Bowie o The Police, confesos referentes de la banda y que probablemente han inspirado muchas de sus letras y melodías.

Una pizca de funk R&B con Childish Gambino, que petó este verano con su infamous This is America. Pero Love of Lesbian escoge para su lista chill un tema del álbum Awaken, my love! de 2016: Redbone – de interesante videoclip lleno de cameos, por cierto, muy distraído -.

Unos sonidos latinos con Centavrvs o Tim Maia; otra pizca de blues garagero con Robert Lee Burnside; y un poco de producto nacional con Ivan Ferreiro y un par de temas en directo propios. Al final si que va a ser que los músicos se escuchan a ellos mismos.

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C. Tangana soprende en ‘Operación triunfo’ con su nuevo bolero

C. Tangana, El Niño de Elche - Un veneno

C. TanganaEl Niño de Elche aterrizaron anoche en la televisión rompiendo todos nuestros esquemas. Y es que Pucho y Paco se subieron al escenario de Operación Triunfo para presentar por sorpresa Un veneno, una irreverente aproximación al bolero cubano, del que ya podemos ver también su videoclip dirigido por Álvaro Santos.

C. Tangana, El Niño de Elche - Un veneno

Puede que muchos se esperaran una versión en directo de Booty – hit junto a Becky G que ya supera los 50 millones de reproducciones en poco más de tres semanas – o quizá algunos de los éxitos más reconocibles de su repertorio. Pero el madrileño se plantó en escena para cambiar de guión y registro, interpretando un tema inédito junto a un artista como Niño de Elche, consolidado ya como uno de los grandes renovadores – y agitadores – del nuevo cante flamenco en España.

Lo más raro de todo: cantó sin casi filtros ni autotune, y arropado tan sólo por un sencillo set de guitarra, percusión y voz. Dice la discográfica que Antón Álvarez ha vuelto a ponerse a prueba para hablarnos de si mismo, del amor y de los fantasmas que esconde el éxito, a través de una historia contada al ritmo de uno de los palos más característicos de la música tradicional latina. Otro hecho muy curioso: el rapero dejó al presentador Roberto Leal con la palabra en la boca después de su actuación en el programa – reaccionó con un ¡hasta luego Maricarmen!, sublime -. Y es que los artistas que pasan por ese escenario acostumbran a añadir algunas palabras, a conversar un poco con el presentador, así como a dar mensajes de apoyo y ánimos a los concursantes. Tangana no. Cuando aún flotaba la última nota, salió del escenario para gran sorpresa de todos (triunfitos, cámaras, espectadores…) y – tiene guasa la historia – segundos después subió un stories a su cuenta de Instagram donde se le ve riéndose. ¿Puto genio o puto imbécil?

Sigamos. Porque casi al mismo tiempo que escuchábamos este nuevo single en directo, se desvelaba también por sorpresa su videoclip (baja un poco más para verlo). Una pieza que, igual que el propio track, surge como resultado de sus frecuentes visitas a la ciudad de Los Ángeles y de su encuentro con el director Álvaro Santos, un activo más de esa creciente comunidad de creativos españoles que conforman la autodenominada Little Spain de la ciudad californiana. Santos convierte a Tangana en protagonista de una sencilla historia de aire vintage y factura cinematográfica, que toma prestadas dos localizaciones históricas de L.A. como el hotel Chateau Marmont – máximo exponente del Hollywood clásico – o el Floridita – centro neurálgico del ambiente cubano y nocturno de la ciudad – para poner en imágenes este bolero y abrir de paso, una pequeña ventana al momento vital y creativo en el que se encuentra ahora mismo la carrera de Tangana.

Puede que hoy por hoy esa Little Spain siga siendo tan sólo una quimera. Pero Un veneno ha surgido en el momento justo para asomarse al colectivo que lo conforma, y encajar a la perfección sus diferentes criterios y formas de ver la creatividad. ¿Puede ser ese barrio español de Los Ángeles algo más que un simple espacio mental? C. Tangana y Santos lo tienen claro, y acaban de añadir una de sus primeras piedras en forma de bolero.

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Ran Ran Ran: Te, cançons & cintes de cassette

Ran Ran Ran [2018] - Foto © Néstor Noci

Aquesta vegada és Ferran Baucells, de Ran Ran Ran, qui ens convida a descobrir el seu món. Que per cert, hem inclòs el seu nou disc, Ran de mar (Bankrobber, 2018), a la llista dels millors àlbums d’octubre.

El millor que hi ha a la vida és el te. Em relaxa quan necessito calma, em motiva si el que vull és activar-me… hi ha tantes varietats i maneres de prendre’l que fan impossible que el trobi monòton o avorrit. A més, em transporta a persones i moments concrets de la meva vida. Ben pensat, podria dir el mateix de la música.

Però en realitat jo volia dibuixar còmic. Europeu, americà, mainstream, indie, amb un bon guió… qualsevol estil em valdria si sapigués dibuixar, però la meva mà esquerra no ajuda i tot i els cursos que vaig fer sóc incapaç de dibuixar res de res.

Després vaig decidir que el que em motivava era intentar fer cine, potser fins i tot arribar a dirigir alguna pel·lícula inspirat per les pelis orientals tan difícils d’entendre a vegades i fascinants al mateix temps. Però, en aquest cas, el meu pressupost no arribava a cobrir ni el primer curs de l’escola de cinema del nostre país, només em quedava mirar cap al que tenia més a l’abast.

Així vaig agafar una guitarra que estava per casa i amb la funció de karaoke de la cadena de música Amstrad vaig començar a gravar cançons i més cançons en cintes i més cintes de cassette. En realitat, encara tiro d’aquelles cintes. Ens reunim tota la banda, amb en Jordi, la Martina, en Valen i l’Armand, posem les cintes de cassette, amb un bolígraf a prop per si succeïx algun accident i triem les cançons que ens agraden i són les que gravarem. Les cançons funcionen com una mena de càpsula del temps i sembla que siguin noves però estan escrites de fa un munt d’anys.

Suposo que algun dia hauré de posar-me a escriure algun tema nou però no acabo de trobar la mateixa inspiració davant de l’ordinador que quan premia play+rec a l’equip de música.

Per sort, encara queda una cinta TDK de 90 minuts i una basf de 60 quasi plenes que esperen el seu torn per tenir la continuació de Ran de mar (Bankrobber / Ultra-local Records), el disc que acabem de publicar.

Ara mentre escric això estic tranquil prenent un bon te pensant que és el millor que hi ha a la vida, o potser és la música el millor. Tant és, pots escoltar i fer música mentre prens un te i, en el fons, jo preferiria no haver de triar.

Ran Ran Ran [2018] - Foto © Néstor Noci
Ran Ran Ran | © Néstor Noci

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‘Un alud’: el nuevo single de Amatria y Delaporte

Un Alud_Amatria_Delaporte

Amatria es el proyecto personal de Joni Antequera. Aunque Joni iba para arquitecto, ejerce de compositor, músico y productor. En 2003 coge su primera guitarra. Al poco más de un año crea sus primeras bandas, para más adelante crear Amatria en 2007. Desde entonces mejora su técnica, desarrolla la literatura de sus letras, gira por España e Italia. En 2017 crea su propio sello: Vanana Records, junto a Elyella Djs y Pau Paredes, con quienes edita su cuarto disco, Algarabía, en octubre de 2017. Entre la electrónica, el indie, el pop y los sonidos latinos, Joni sigue presentando su trabajo a lo largo y ancho del país.

Delaporte es el dúo formado por Sandra Delaporte y Sergio Salvi. Desde que empezaron su proyecto subiendo canciones a su canal de Youtube, y desde que su single El Jardín fue sintonía del programa Fama a bailar y el temor por convertirse en ‘los chicos del single’ (lee la entrevista donde nos dijeron eso) parece que ha desaparecido. Delaporte han compartido escenario con artistas de la talla de Giorgio Moroder o Bomba Estéreo, han actuado en festivales españoles como Noches del Botánico o Paraíso (y también en Estados Unidos gracias al LAMC), y fueron nominados este año en los Premios MIN. Aunque ambos proceden de la música negra, decidieron formar este proyecto en busca de nuevos lenguajes sonoros. Delaporte es canciones cargadas de atmósferas creativas, beats y la delicada voz de Sandra y su música está llena de colores y ritmos que invitan a bailar y gozar.

Y ahora que ya conoces a estos dos grupazos de la escena nacional, te interesará saber que han sacado tema juntos. Fue la búsqueda de nuevos sonidos que caracteriza a ambos grupos donde se encontraron Amatria y Delaporte, Delaporte y Amatria. La química fue instantánea y al entrar juntos al estudio surgió la magia.

Han creado Un alud, un tema fresco y luminoso donde las voces se mezclan con la melodía de forma pegadiza para transportarnos a un mundo onírico. La elegancia y sensibilidad de Amatria con la su dulzura electrónica de Delaporte. El espíritu salvaje y el clubbing.

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Todos los días somos distintos a lo que fuimos, por Isma Romero

Isma Romero

La vida, esa gran oportunidad que nos deja un día desnudos ante un mundo en el que paso a paso vamos encontrando, o no, muchas preguntas que nos hacemos: ¿Por qué estamos aquí? ¿Qué misión o no misión tenemos? Es increíble pensar la cantidad de gente que nos cruzamos en la vida, y pasa de largo; otra en cambio nos deja cicatriz, para bien o para mal.

Vengo hablar justo de eso, de las cicatrices, de cómo siento y veo la vida. También de un cara a cara conmigo mismo: una colección de nuevas canciones que verán luz en febrero de 2019. Pero antes, mi nombre es Ismael Romero Giménez, tengo 25 años, soy valenciano y vivo desde hace 6 años en Madrid. Me encanta la música, pasear, la cocina, el mar, escribir, la meditación, estar rodeado de mi familia y muchas veces, de todo el mundo.

Empecé en la música con 8 años cuando me regalaron mi primera guitarra. Al poco, le pedí a mis padres que me apuntaran a una academia, en la que cursé unos cuatro años. Formé y autoproduje una gira con 15 años, con mi primer grupo Piso 16. Y a los 18 años decidí marcharme a Madrid. Desde entonces grabé profesionalmente dos discos y ahora hay otro en camino: Antes de que esté prohibido (Warner Music, 2014) y Luminiscencia (Warner Music, 2017), así como el single Corriente (Sin Anestesia, 2018).

La música me ha servido de terapia vital, como una forma en la que verte cara a cara, sin filtros, sin etiquetas, con tus virtudes y defectos.

Hasta ahora he hecho un total de 123 conciertos y he tenido la grandísima fortuna de colaborar con artistas y amigos que siempre soñé. Digo esto porque una de las cosas más bonitas de la música es compartir un mensaje con alguien que admiras y quieres. Esa es una de las sensaciones más bonitas. Siempre tuve el sueño de vivir de la música, de compartir con el mundo un mensaje a través de mis canciones. Pero, sobre todo, la música me ha servido de terapia vital, como una forma en la que verte cara a cara, sin filtros, sin etiquetas, con tus virtudes y defectos.

Las cicatrices me encantan porque son una buena metáfora de la vida en su estado físico. Todas las cosas que nos pasan nos dejan sí o sí algún tipo de cicatriz, tanto buena como mala, que llevaremos con nosotros, que formará parte de nuestras vidas, para siempre.

Os invito a que escuchéis mis canciones, a que nos veamos en los conciertos y, sobre todo, os invito a vivir, pero vivir disfrutando de todo lo que os guste y soñéis. Yo siempre he sido muy soñador y es algo que llevo a fuego conmigo. Lo que sientas de corazón, hazlo. Porque no existe otra salida que la de mejorarse cada día y tirar pa’lante.

Un autoperfil es un texto que el propio artista ha elaborado sin apenas indicaciones por nuestra parte porque tenemos la sensación de que a veces los periodistas nos entrometemos demasiado y aún así no entendemos la totalidad del mensaje del artista. De este modo, los músicos pueden expresarse libremente y tú puedes descubrir su cosmovisión y su mundo de primera mano. Ya puedes consultar los autoperfiles de The Crab Apples, r.e.a.l., Didirri y Ramón Aragall.

Isma Romero
Isma Romero | © Jaime Massieu

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Todo lo que fuimos

I miss the winter mornings. Parte primera. Cuarenta grados. Eran gente foránea. Foránea. No armada. Nos podría pasar a cualquiera. Molly también lo fue. Puede que no haya dejado de serlo nunca. Ya no piensa en ello. Ni en armarse. Ha aprendido a no llamar la atención. A caminar cuando nadie lo hace, a bajarse en las aceras. A acariciar sin ternura, como se acaricia al animal que se libera y encadena dos veces por día. Por eso entra sin hacer ruido, es muy suave en las formas, aunque sus palabras pesen demasiado. Por eso le gustaría poder quitarse las piernas, no tener tanto oxígeno por respirar, donar los ojos al relojero y ponerlos en otra hora, en otra latitud. Se sienta encima de la mesa de la cocina. Se balancea como queriendo encontrar un estado ingrávido, leve. Aéreo.

Molly dice que ya nadie sabe pedir un café. Un simple café. Piensa que debería ser motivo de arresto. Quizá diera para un disparo en la sien. Pero a nadie le importan los detalles así, pequeños, sin focos, no escritos sobre papel vergé. Ocurre rápido. El mundo, quiero decir. Las balas son poco resueltas hoy y los miércoles son lo que son. Encefalogramas planos. Su mar en calma, gracias. Lo sentimos, no tenemos suficientes palabras para que existan las tormentas. Vuelvan mañana. Esa parece ser la rutina. A Molly, las palabras como noviembre, le molestan en la boca.

Molly sabe de la fragilidad del suelo bajo sus pies. Lo que es morirse una primera vez y no poder descansar eternamente. Calcular la presión que ejercen manos ajenas en su tráquea hasta casi dejarla sin aire. A veces desea que crucen ese límite, dejar que la noche sea solo eso. Noche cerrada. Sin cuentas pendientes. Y por supuesto que sabe de arquitectura. Construye decenas de puentes sin retorno. Ausentes. Imposibles de cruzar, pues los manda dinamitar en cuanto es colocada la última piedra. La última vía de escape. A cambio, ha construido enormes monociclos para tirarse en marcha del mundo. Lo hace desde que enterró a su primogénito con un pijama azul y abandonó al segundo a su suerte. Lo ve al fondo, en el pasillo, pintando con sus manos pequeñas como tacitas de té, refugios como islas y ejércitos con raíces de árboles.

Molly no aprendió a jugar. Molly no sabe a jugar. Mientras tanto, intenta vivir. Sobrevivir. A duras penas y ya sin quererlo. Por eso he empezado a rezarle a su Dios cuando embisten las primeras sombras del atardecer. Porque Molly no conoce a Sherezade. No conoce a Alicia.

Molly sí aprendió a tener secretos. Molly tiene un secreto. También una bestia en su interior que no debe dejar salir y una niñez entre rastrojeras con poco pan. El secreto se lo trajo el mar, un día en el que intentaba suicidar ciertas palabras desde la playa. Es un enorme espacio en blanco. Un muro con lamentos que alguien tiró. Molly lo ha adecentado clandestinamente, sobornando noches, haciendo que las lunas mirasen para otro lado. Diría que tiene relieves pero no puedo asegurarlo porque hemos dicho que no debe saberse. Molly cree que contratar a los perros que ladran no es pecado.

Ha ido trazando líneas diagonales, casi imperceptibles, con un pequeño lápiz, aquel del costurero entre las lanas. Molly canta a sottovoce coplas, historias de gentes en los caminos, pozos sin agua o muleros buscando sombra. A simple vista, podríamos creer que quiere dejar constancia de su vida. Un vida humilde. Trágica incluso. Nada razonable. Pero, ¿fue su elección? Molly tuvo sueños antes de caminar hasta el precipicio y ser funambulista. Molly sueña con un anilla de la que tirar. Alguien podría escribir sobre su vida y describirla como una llanura yerma, como una transgresión mental. Una sala vacía en la que nadie sabe contar historias. Pudiera parecer cierto en la distancia. No obstante, se sabrá, a no mucho tardar, el alcance real, la devastación, la catástrofe natural que supondrá su caída para todos nosotros. Para aquellos que desearon su derrota y creen haberla derribado.

Molly ha tenido a bien marcharse (en hora). A tiempo. Sin despedirse. Haciendo frío. Dejando abiertos los silencios. Del viejo gramófono se deja caer a gritos la grabación sonora de una muerte sobre un piano. Molly se preparó para ser destierro. No quiso llegar prematuramente, antes que el mundo, quiero decir. Tampoco precipitar cualquier final.

Hoy la mañana me es confusa. Sigo al fondo, en el pasillo. A mi suerte. Pinto palabras que me abren en canal como hojas afiladas dispuestas a hacer daño. Flores imposibles de habitar. A náufragos o a los caídos que vuelven del frente aquel de plastilina. Hoy reúno el valor suficiente para levantarte la voz, la verdad con todas sus aristas. De odiarte muy de cerca, hasta la piel, durante este otoño que desciende por las laderas. Antes de heredar las cicatrices que primero fueron tuyas y ahora me duelen. Antes de bailar en la cuerda y llamarte desconsoladamente.

Ya ves, no siempre hubo luces en los días pasados.

No todo fue mejor ayer.

PD: Su café, gracias.

Imagen de portada © Maca Arena

A continuación la canción que ha inspirado este relato:

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Eneko Garmendia

Nací en el 78. Nunca he podido con el cubo de Rubik ni he ganado una sola partida de ajedrez. Por eso, a veces, intento construir ciudades con las palabras. Dicen los psiquiatras que me he convertido en un artefacto aéreo sin tren de aterrizaje.

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Maca Arena

Preguntar el 'por qué' de todo ha sido mi modus operandi desde que tengo memoria. Gestora cultural de profesión y periodista por puro gusto. Escribo una columna "Crónicas viajeras" en el Periódico a.m. y en APMusicales.com.

Descobreix ‘La nit és nostra, un documental sobre Roba Estesa’

Roba Estesa © MARC PUIG PÉREZ

En ple segle XXI les desigualtats entre homes i dones són evidents i visibles a tots els nivells de la societat. Aquest fet pren especial rellevància quan parlem d’una indústria que anualment mou grans quantitats econòmiques, la musical. Bona mostra d’això, és que avui dia, més de la meitat de cartells de festivals catalans estan encapçalats per grups masculins i les dones i els grups femenins tenen poca presència dalt dels escenaris.

Durant aquests darrers anys, les dones s’han anat fent un espai en aquesta indústria i cada vegada més, els grups femenins tenen un ressò mediàtic i social més gran. És el cas de Roba Estesa, un grup de música format per vuit noies, la majoria del Camp de Tarragona, que aquest any han publicat el seu segon disc oficial. Amb Descalces (Coopula, 2016) i Desglaç (Coopula, 2018), volen reivindicar aquesta lluita envers les desigualtats entre els dos gèneres i, a través de la col·lectivitat, inciten a l’empoderament de la dona i de la seva alliberació. 

La nit és nostra, un documental sobre Roba Estesa és una peça audiovisual d’uns 30 minuts a través de la qual es pretén divulgar aquesta lluita combinant música amb material audiovisual i així difondre el seu missatge a un públic més ampli. El documental s’estructura en quatre grans blocs: en la primera part s’hi poden veure imatges de la manifestació del 8 de març en motiu del Dia Internacional de la Dona a Tarragona, acompanyades de declaracions d’algunes de les integrants del grup envers aquest tema. Posteriorment, el documental es centra en l’àmbit musical i en Roba Estesa, de manera que podem veure-les al seu local d’assaig mentre preparen els últims detalls previs al primer concert d’inici de gira. Fent un salt en l’espai i en el temps, ens traslladem a la Sala Salamandra de l’Hospitalet de Llobregat on tenen previst fer el seu primer concert amb Desglaç. És aquí on podem veure el canvi d’energia, de vestuari i d’adrenalina entre els assajos i el concert pròpiament dit, amb la Salamandra plena de gom a gom i inundada de cants del públic.

La nit és nostra és el títol de la primera cançó del nou disc i fa referència al lema feminista derivat del poema de Maria Mercè Marçal Cançó de fer camí

En el documental s’hi veu un grup de joves amb talent, crítiques amb les desigualtats socials existents i que volen reivindicar els seus drets com a dones i com a persones. Al mateix temps que també apel·len a l’empoderament femení i volen demostrar que amb esforç i constància es pot arribar allà on et proposis.

La nit és nostra, un documental sobre Roba Estesa és un documental realitzat per cinc alumnes de comunicació audiovisual de la Universitat Rovira i Virgili com a treball de fi de grau. Una d’elles és Marta Torrens Camprubí i també es la persona que signa aquest article.

Imagen de portada © Marc Puig Pérez

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Los mejores discos de octubre

MØ – Forever Neverland

Que sí, que ya, que Rosalía. Que los premios de Los40, que los premios de la MTV. Que Operación Triunfo. Que el Festival de Jazz, que los mil conciertos que hay cada noche en Barcelona… ¡Están ocurriendo muchas cosas! Volvamos al principio: Rosalía ha reivindicado el poder del álbum en un mundo de singles. Y nosotros hacemos lo mismo. Así que sumérgete en esta lista de los mejores discos de octubre que hemos seleccionado cuidadosamente para tus orejitas.

Si no tienes suficiente puedes consultar las listas de enero, febrero, marzo, abril, mayo, juniojulio-agosto y septiembre. También hemos publicado listas en 2017, pero no las ponemos para no deslumbrarte con tanta belleza.

GRETA VAN FLEET – Anthem of the peaceful army (Blackbird Studios, 2018)

Manteniendo la llama del rock

Unos los critican por parecerse a Led Zeppelin, por ser llamados “salvadores del rock”, por estar chapados a la antigua y no innovar; mientras que otros los adoran por estos mismos motivos. Es indiscutible que el grupo americano de rock Greta Van Fleet, compuesto por los tres hermanos Kiszka y el batería Daniel Wagner, no dejan a nadie indiferente. Y con el lanzamiento de su álbum debut, Anthem of the peaceful, aún peor. Un disco con temazos como Brave new world o Watching over, y otros que no brillan tanto, como el propio Anthem o el tan esperado When the curtain falls. Un buen disco que evidencia el talento que tienen estos veinteañeros y que nos permite atisbar su brillante futuro. Greta Van Fleet nos da la oportunidad de acercarnos a la época dorada del rock a aquellos que no la vivimos y de revivirla a los nostálgicos que tuvieron la suerte de estar en primera fila. Gracias, Greta Van Fleet, por mantener la llama encendida.

Por Celia Sales.

KURT VILE Bottle it in (Matador, 2018)

Música para domingos lluviosos

A Kurt Vile o lo amas o lo odias. Esa actitud de saber más que el resto no convence a muchos. Pero con Bottle it in es imposible no amarle. Los fans de Neil Young probablemente pensarán lo mismo: nada más darle al play parece que estés escuchando al canadiense. Incluso los de Bob Dylan: su manera de cantar, en la que parece arrastrar las palabras, recuerda al deje vocal del cantautor. Se nota que Vile ha trabajado mucho en las canciones de este disco – Come again es una de las mejores – y el resultado es admirable… pero – siempre hay un pero – puede llegar a hacerse un poco pesado. Hay dos temas que sobrepasan los diez minutos y son un tanto planos: el ritmo no varía lo suficiente como para conseguir terminarlos sin echar algún suspiro. Podríamos calificarlo como un disco de domingo lluvioso.

Por Ana López.

ELVIS COSTELLO – Look now (Concord Records, 2018)

Báilame hasta morir, Costello

No engaño a nadie aquí: cuando, hace unos meses, me enteré de que Elvis Costello sufría un cáncer, se me congeló algo. Resonaban en el horizonte las muertes de David Bowie, de Tom Petty, de Leonard Cohen. Las terribles muertes de mis referentes – que empiezan a extinguirse de forma inevitable, porque así la vida, así las cosas -. Resurjo ahora, como un bailarín empujado de nuevo al centro de la pista. No solo escucho que el tumor ha sido extirpado con éxito y que no se trataba, en ningún caso, del cáncer agresivo que llegó a mencionarse; pasa además que Elvis Costello regresa tras un lustro de silencio y publica Look now, una bomba de adrenalina, un disco soberbio y fibroso del irrepetible artista que parió My aim is true y This year’s model; uno de los músicos más relucientes que nos ha regalado la música británica post-punk. Bailen, queridos y queridas, déjense llevar por la sensibilidad arrebatadora del Elvis que continúa arañándome el corazón. Hasta morir, Costello. Hay baile para rato.

Por Adrián Viéitez.

RICHARD ASHCROFT – Natural rebel (BMG, 2018)

El chico rebelde se queda en casa

The Verve eran pura dinamita. Cantaban que la vida era una cosa agridulce y se las ingeniaban para congeniar su despiadada melancolía con esa pulsión rebelde de los chicos ‘inevitablemente malos’. Richard Ashcroft estaba a los mandos, y era fundamentalmente eso: un jovencito rebelde, un buscador flemático de sacudidas. Su carrera en solitario, que ya se extiende a lo largo y ancho de dos décadas – en las cuales solo ha producido seis álbumes, cabe señalar – arrancó con un tono similar, aunque más abrazada al componente lírico que a la contracultura, con Alone with everybody. Años después, en Natural rebel, nos encontramos con todo lo contrario a lo que anuncia el nombre del disco: un Ashcroft acomodado, estancado en un sonido que busca reproducir constantemente lo que en otro tiempo fue sinónimo de rebeldía y ahora solo es pura parafernalia de repetición. Es una pena encontrarse con un disco tan correcto, tan blindado, tan poco dispuesto a pensarse a sí mismo, tan poco natural, tan poco rebelde. Tan poco Ashcroft. Tan poco The Verve.

Por Adrián Viéitez.

MØ – Forever Neverland (Sony Music, 2018)

Mucho más que un feat MØ

Si te digo Forever Neverland, lo más probable es que pienses en Peter Pan y sus niños perdidos – que, ahora que lo pienso, es un nombre de lujo para una banda de garage -, pero te toca desaprender lo que sabes para darle espacio a esta información: Marie Aagaard Ørsted – más conocida como MØ – tiene nuevo álbum y se titula Forever Neverland. Hemos tenido que esperar cuatro años para disfrutar de esta joyita, pero escuchando el resultado final he de decir ha merecido la pena. Electropop, guitarras acústicas y rareza que se entremezclan configurando la prueba definitiva de que es mucho más que una artista de colaboraciones. Estaría mintiendo si dijera que no recuerdo su brutal Lean on con Major Lazer, pero este disco es la prueba de su talento. Si no, cómo explicar la tensión entre la melancolía de la letra de Red wine y la sonoridad tribal de Way down. Purple like the summer rain, tiene un descompás que se merece un piso en Torrevieja, el coro de Mercy su propia estrella en Hollywood y el resto de piezas mil cosas más, pero casi prefiero que las descubras por ti mismo. Anda, dale a play.

Por Carlota Purple.

PAJARO SUNRISE – (Lovemonk, 2018)

Luces y caricias

Una docena de años lleva ya Pajaro Sunrise surcando los horizontes de la música nacional, desde que en 2006 Yuri Méndez se echase un proyecto de dúo a sus espaldas y asumiese el nombre del mismo como su propio seudónimo artístico. Desde entonces, su búsqueda transita siempre el mismo sendero, el misterioso camino que comunica el folk más limpio y orgánico – folk de raíz americana – y las técnicas electrónicas más experimentales. Su nuevo álbum, W, lleva hasta el paroxismo esta máxima. Se trata, pues, de un disco quebrado por la mitad, por una grieta inmensa que separa su quinto corte, What’s there and what’s not there; y el sexto, Trembling stars. Entre ellos media una fractura musical vastísima, un giro violento: antes todo es pulso, todo es delirio nocturno y eléctrico; después, las luces se recogen y Yuri Méndez – o Pajaro Sunrise – te acaricia con delicada armonía. Tras Trembling stars llegan Thirty-one, Strangers e If I could choose. Puedo decir, tras escuchar esas cuatro canciones de forma consecutiva, que me siento un poquito más en casa.

Por Adrián Viéitez.

JAAKKO EINO KALEVI – Out of touch (Domino Recording, 2018)

Aquí siempre es primavera

Jaako Eino Kalevi es una rareza del país de hielo. Digo rareza porque cuando me pongo ante un artista nórdico me espero metal, rock o incluso rap, pero no melodías que me hagan sentir que la primavera acaba de empezar. Como te comentaba en la playlist sobre grupos nórdicos, su música es pura magia auditiva: melodías experimentales pasadas por sintetizador y pensadas para evocar sensaciones. Out of touch es una joyita – y más ahora que se acerca el invierno – con la que ponerle banda sonora a las tardes de lluvia en las que el vaho se come los cristales de tu habitación. Os recomiendo que empecéis por el videoclip de Emotions in motion, antes de pasar a Night chef – maldita locura – y Fortune cookie, la cual no tiene más efectos sonoros porque no le caben. Recuerda ponerte ropa fresquita: en este disco empieza a hacer calor.

Por Carlota Purple.

ESPERANZA SPALDING – 12 little spells (Concord Records, 2018)

Por arte de magia

¿Alguna vez has caído presa de un encantamiento? ¿Has sentido un hormigueo y una sensación de curación en tu cuerpo que no puedes explicar? Tal vez es porque has escuchado el nuevo disco de la artista estadounidense Esperanza Spalding12 little spells. A escasos días de la noche de brujas, Spalding lanza sus doce hechizos convertidos en doce sublimes piezas audiovisuales dedicadas a diferentes partes de nuestro cuerpo. Apropiándose de nuestros sentidos, nos hipnotiza con su música – una mezcla entre jazz y ópera – y con las imágenes de sus vídeos, ya que nos adentra en un mundo que el ojo humano apenas es capaz de percibir: sangre, sudor, cicatrices, diente de león, alas de mariposa… ASMR total. Aquellos que no tengan su mente abierta no serán hechizados, pues la disonancia entre voz y música hará que se pierdan. Los más afortunados experimentarán ganas de bailar (You have to dance), de tocarse (Touch in mine), de amar (With others)… ¿Surtirán efecto sus hechizos?

Por Celia Sales.

CAT POWER  – Wanderer (Domino Recording, 2018)

Aura errante

Wanderer significa vagabunda, errante. Una cruz que la cantante de folk norteamericano ha llevado puesta desde niña, primero por su infancia nómada y más tarde por su profesión. Abstracto, dubitativo y metafórico, el álbum es un cúmulo de canciones sensibles que nacen en un lugar sin nombre, en un estado meditativo, del subconsciente, en aquel espacio entre los pensamientos y la nada. Como si su voz de terciopelo se fuera a romper en pedazos, destaca Woman, con Lana de Rey a los coros. Cat Power sigue teniendo abiertas las heridas de esa infancia complicada, acompañada de la adicción al alcohol y a las drogas; y habla de sus propios fantasmas con la levedad de quién sabe que siempre vagarán entre ella y su piano… (y que no se vayan nunca).

Per Inés Calero.

ECHO & THE BUNNYMEN –The stars, the oceans & the moon (BMG, 2018)

Este disco me da ganas de llorar

Vale, a Echo & The Bunnymen siempre les deberé The killing moon – de su álbum Ocean rain (Korova, 1984) -, pero aún así su ultimo disco me enfada. The stars, the oceans & the moon contiene quince piezas de las cuales solo dos son nuevas… el resto, toooooodo refrito. Y ok, sonoramente me fascina y que creo que está bien rejuvenecer algunas canciones pero, ¡tíos, sois los malditos estandartes del post-punk británico, centraros! Intentando ser más objetiva, te invito a contemplar la voz McCulloh, obviamente mucho más madura y serena que cuando se comía el mundo en los 80. Y, ya que estás, escucha The somnambulist y How far? – únicas piezas no recuperadas del baúl de los recuerdos – y la nueva The killing moon, la cual se ha convertido en una balada a piano muy sentida, pero que el cabreo que siento no me ha dejado disfrutar.

Por Carlota Purple.

ST. VINCENT – MassEductation

ST. VINCENT – MassEducation (Loma Vista Recordings, 2018)

St. Ave fénix

De fondo, Savior. Cierro los ojos y me imagino en una cafetería de sillas de colores y lámparas vintage observando a Annie Clark sobre una tarima ligeramente elevada. Empiezo a seguir el ritmo con el pie y cuando me quiero dar cuenta estoy chasqueando también los dedos. Hay que decirlo, lo último de St. Vincent es puro rollo del bueno. Y no digo lo nuevo porque es que no lo es. Resulta que Annie Clark se ha juntado con Thomas Bartlett para reelaborar Masseduction (Loma Vista Recordings, 2017), el disco con el que encandiló en octubre de 2017 a sus fans. Pero si este trabajo ya era una joya, MassEducation es un diamante en bruto. Él al piano y ella la voz que susurra, suplica, afirma e hipnotiza. Esta readaptación tiene un no sé qué que qué se yo, un halo de misterio favorecido por una serie de matices que, por alguna razón, me recuerdan al mítico coro de iglesia. Un popurrí de sensaciones que pulen el anterior trabajo para dar paso a uno más natural, íntimo y cómplice.

Por Sara P. Seijo.

ELS PETS – Som (RGB, 2018)

Allò de reinventar-se o morir… doncs Els Pets no moriran mai

Si hi ha un grup català que avui dia no necessiti presentació, aquests són Els Pets. Després de 33 anys sobre els escenaris, els de Constantí continuen reinventant-se amb cada disc, amb bon gust i sempre en línia ascendent. En aquest cas, amb Som, sota la producció de Joan Pons, El Petit de Cal Eril. Aquesta mateixa decisió és la millor mostra de com, lluny d’ancorar-se en el so que els va portar a l’èxit, amb cada nou treball tenen la valentia de qüestionar-s’ho tot i adaptar-se a cada moment. Allò de reinventar-se o morir… doncs Els Pets no moriran mai. Pel que fa a les cançons de Som, hi trobem l’essència de sempre. Les lletres de Lluís Gavaldà, capaces de convertir la situació més quotidiana i senzilla del món en una cançó preciosa i universal; sonoritats fresques i actuals, en aquest cas amb una influència palpable d’en Joan, i, sobretot, la humilitat que desprèn el grup. La humilitat de continuar reivindicant-se tot i ser des de fa anys el gran referent de la música pop en català.

Per Nil Boladeras.

ALONDRA BENTLEY – Solar System (Mont Ventoux, 2018)

Sintética y espacial

Nada queda ya del folk intimista de los inicios de Alondra Bentley. Como ya empezó a anunciar en Resolutions (Gran Derbi / Gran Sol, 2015), Alondra se siente más cómoda en el pop electrónico. Medio ochentero, medio mainstream pero sin perder la peculiar identidad que le otorga su voz, Solar system es un disco completamente de corte pop sintético. Habría que preguntarle si esta progresión del folk hacia los sintes y a la estética ochentera ha sido debida a una evolución propia o más bien por cuestiones de mercado. Un nuevo universo que la cantante explora y que completa con sus videoclips, donde sigue con los colores y toda una estética con un gran número de referencias a esta década. Comercial y alegre, el disco se hace disfrutable y seguro que más de uno lo baila en sus pequeñas fiestas, espaciales o no.

Por Inés Calero.

RAN RAN RAN – Ran de mar

RAN RAN RAN – Ran de mar (Bankrobber, 2018)

Dolç i salat

Ran Ran Ran estrenen Ran de mar i resulta entrar tan fàcil com ho fan les onades a la platja. Tímides, però amb força. Silencioses, però amb cos. Com qui escolta el melancòlic sorolls dels màstils ballant al ritme del vent, el treball s’omple de cançons en què no corre la pressa. Un àlbum dolç i salat, com l’aigua de mar, on La gent especial ens convida a escoltar i parar atenció als petits detalls i a les velles històries. Té un regust melancòlic – allunyat del què inspirava l’història del darrer àlbum L’hereu – amb l’harmònica a El palau dels déus o a Quadrant cançons. Les fugides, amors i escapades, i més d’un desengany en són els protagonistes. No obstant, després d’aquest ritme arpegiat i tranquil, s’acosta el plat fort, deixant-lo aquest cop per Havent sopat.

Por Blanca Olivella.

DJANGO DJANGO– Winter’s beach (Because Music, 2018)

Rave en la playa

Que Django Django saque un nuevo disco es motivo para sonreír, pero que se marquen una movida tan loca como Winter’s beach hay que celebrarlo con una fiesta que acabe en after. Dirás ‘Carlota, me suena a lo de siempre’ y eso te lo concedo. Es cierto que los londinenses no se atreven a nadar en nuevas experiencias sonoras, pero… ¡es que ellos ya son una experiencia! ¿Qué que tiene este disco para nosotros? Pueeees sintetizadores, percusiones, piano, armonía y todo lo que tu cabeza sea capaz de crear mientras lo escuches. Tengo que reconocer que me siento enamorada del videoclip de Swimming at night, dirigido por Gemma Yin Taylor y que es una auténtica fantasía audiovisual. Sobre el resto del disco te diré que una vez escuchado Swimming… te quedan solo cinco piezas. Haz cosas de casa con Django a todo trapo, ya verás cómo esos calcetines se cuelgan mejor.

Por Carlota Purple.

CLARA PEYA – Estómac (Satélite K, 2018)

La lluita no té sostre

Ja ho diu Clara a la cançò que obre l’àlbum, Cara a cara: “L’estómac no té sostre”. Estómac és un amalgama de jazz, rap, pop i electrònica amb fons de manifest feminista amb l’objectiu de deconstruir la idea de l’amor romàntic. Ella canta per combatre l’educació que des de petits hem rebut sobre el que s’espera al estimar i ser estimats. Si en el rap és on se sent més còmoda pel que fa a la part vocal de les cançons, el piano és l’instrument amb el que més ens emociona. No hi ha dubtes: Clara Peya és de les artistes amb més personalitat de l’escena catalana, i de les més viscerals. Ella ho diu: “canta amb l’estómac i no amb el cor”. Perquè cantar amb les vísceres és una elecció personal i, per tant, política; i la seva militància per ara no té sostre.

Por Inés Calero.

NOTHING BUT THIEVES – What did you think when you made me this way (Sony Music, 2018)

Letras para tus estados

Dame una guitarra y moveré el mundo – de los corazones rotos -. Nothing But Thieves son los Arquímedes en lo que a desamor se refiere. Su nuevo EP What did you think when you made me this way es al oyente lo que para el matemático el ‘punto de apoyo’. Es esa canción que compartes en todas tus redes o esa página random de letras para tus estados cargadas de indirectas que te hacían sentir entre sabio del medievo y crack. La impotencia de un corazón roto sintetizada, literalmente, con guitarras y la voz potente cargada de furia de Conor Mason. Un EP intenso que te deja con ganas de más. Como con las croquetas de tu abuela, aunque suene a tópico. De los cuatro sencillos, me quedo con el cambio de mood a media canción de Forever & ever more y la sutileza de You know me to well.

Por María del Río.

Valtonyc – Poemes per no tornar

VALTONYC – Poemes per a no tornar (Autoeditado, 2018)

Un semiadiós y una evolución

Las letras de este álbum se vuelven curvas trazándose hacia arriba y hacia abajo y convirtiéndose en amarillas y con forma de lazo, una vez más. Valtonyc cuenta y canta exiliado en Poemes per no tornar, un disco que es un semiadiós, como el propio mallorquín anuncia, pero también supone una evolución de su sonido. Josep Miquel Arenas alias Valtonyc deja atrás las precoces rimas que le llevaron a Bruselas y nos presenta ahora un álbum maduro, desarrollado, reflexivo y atrayente. Temas taciturnos como La pols dels miralls, o valientes como Mimetismo, y cada uno de ellos reivindicativo. Una catarsis de las diferentes emociones y estados de ánimo que está viviendo.

Por Jessica Cobos.

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Qué ver en el Festival Mil·lenni

“Me he preparado unas líneas, son unas tres horas pero enseguida acabo”, bromea Martín Pérez, la cabeza pensante detrás del Festival Mil·lenni y de la empresa que lo organiza, la promotora Concert Studio. Hace diez minutos estábamos escuchando jazz en la espectacular terraza del Hotel Eurostars Grand Marina mientras bebíamos cava. Ahora escuchamos un emotivo discurso que recorre los 20 años de historia de este festival de Barcelona. Solo son necesarios un par de datos para ilustrar la magnitud del evento: millón y medio de entradas vendidas y 750 conciertos realizados. Dicho así parece poco. 

Explica Martín que recurrimos a los artistas cuando nos va bien y cuando nos va mal. Los músicos nos ayudan a hacer la vida más llevadera, nos acompañan, nos emocionan, nos animan en una mala racha… Para disfrutar más de la experiencia se han creado festivales como este. Festival que, por cierto, comenzó porque Martín leyó un artículo en una revista de avión. Y antes de que se de cuenta ya le tocará celebrar las bodas de plata.

En fin. Un hotel de cinco estrellas requería un cartel a la altura. Nos habían citado aquí para presentarnos las últimas incorporaciones de esta edición, entre las que se encuentran Jorge Drexler, Maldita Nerea, Ramón Mirabet y Josep Carreras. A continuación te presentamos los conciertos que más interesantes nos parecen a nosotros (acompañan fotos y textos promocionales).

Los Planetas

En 1998 Los Planetas editaron Una semana en el motor de un autobús, el disco más importante publicado por un grupo nacido del indie, uno de los mejores trabajos pop en castellano y una obra clásica que creó el mito que todavía perdura. Una semana en el motor de un autobús consiguió despertar pasiones en la prensa especializada desde el primer momento y fue nombrado mejor disco nacional de 1998, segundo mejor disco nacional de la década de los 90 y 18o mejor disco nacional del siglo XX.

Los Planetas, junto a un grupo de compositores y arreglistas especializados en orquestación, han adaptado el disco completo para quinteto de cuerda y piano. Un show único donde junto con Jota y Florent se interpretará el disco de principio a fin y donde la banda celebrará el XX aniversario de Una semana en el motor de un autobús.

Los Planetas XX
10 de noviembre, L'Auditori 21:00h.

MC50

MC50 se formaron en Detroit a mediados de los 60 y tuvieron una carrera corta que sin embargo sirvió para definir el futuro del punk y el hard rock. Sus presentaciones eran derroches de energía y sus tres discos verdaderos clásicos del rock, versionados por bandas como Damned, Rage Against The Machine, The Hellacopters, Pearl Jam, Jeff Buckley y un larguísimo etc. En 2004 se reunieron para una gira que les trajo a España por primera vez. Ahora, Wayne Kramer regresa como MC50, el nombre con el que celebra el 50 aniversario de su banda.

MC50
16 de novembre, sala Apolo 21:00h.

Maika Makovski

La cantautora, guitarrista y pianista Maika Makovski es una mallorquina de orígenes macedonios y andaluces. Nacida el 1983 empezó desde muy joven a componer canciones, y después de viajar por varios países se estableció en Barcelona donde grabó su primer álbum Kradiaw. Su afán de conocimiento la llevó a Nueva York, donde maduró a la escena alternativa hasta dar forma a Kraj so koferot. Pero no fue hasta Maika Makovski cuando sus canciones obtuvieron difusión internacional gracias a la producción del famoso John Parish, estrecho colaborador de PJ Harvey.

El giro total a su carrera se ha forjado con Chinook Wind, de nuevo producido por John Parish. En él predominan los sonidos de cuerda y metal y está inspirado en un viaje que realizó en Macedonia, la tierra natal de su padre, una experiencia que refleja a la canción Makedonija. El prestigioso grupo de cuerda Brossa Quartet lo acompaña en directo, formación que completan una batería, una trompa y ella a las guitarras mezclando sutileza e intensidad.

Maika Makovski
22 de novembre, sala Apolo 21:00h.

Sílvia Pérez Cruz & Marco mezquida

“Cantando flojito My funny valentine desde debajo de un piano de pared hace años en Gràcia mientras tú lo tocabas (yo te lo cantaba en secreto pensando que no me escuchabas) empezó esta música nuestra que hasta hoy nadie ha escuchado, las ganas de cantarte. Hasta ahora no sabía que me habías escuchado, no sabía que sabías este secreto. Siento que me has esperado, que sabes guardar muy bien un secreto”. Así describe Sílvia Pérez Cruz el germen de este encuentro con el pianista Marco Mezquida que hoy cristaliza. Se hace realidad sin muchas más premisas que la admiración mutua y las ganas de tocar juntos, de salir a ‘bailar’.

Ambos artistas lideran varios proyectos propios y transitan múltiples sendas creativas que van más allá de la música. Y los dos sentían que era el momento de poner en común una de esas búsquedas, uno de esos caminos. De manera totalmente orgánica y sin más pretensión que la de descubrirse en las canciones y charlar a través de ellas de un momento artístico y vital. Canciones propias, canciones populares, canciones de otros… las canciones como excusa para viajar juntos y disfrutar el paisaje, el aquí y el ahora. Sin principio concreto ni final estudiado.

* UPDATE *: Se han agotado las entradas para el concierto de Silvia Pérez Cruz y Mario Mezquida.

Sílvia Pérez Cruz & Marco Mezquida
11 de diciembre, Palau de la Música 21:00h.

Carlos Nuñez

El gaitero y flautista nacido en Vigo Carlos Núñez, considerado uno de los grandes intérpretes de música celta a nivel mundial, llega al Festival Mil·lenni con una propuesta que significa un paso más en su descubrimiento de los sonidos ligados a la cultura de su Galicia natal, compartida por otros territorios como por ejemplo Irlanda, un país en el que ha tocado junto a la banda The Chieftains.

Además de una amplia discografía y un buen número de colaboraciones con artistas de gran prestigio, a Núñez también se le atribuye el mérito de iniciar una nueva juventud de la música celta, con su aclamado disco de debut A irmandade das estrelas (1996), con el que emprendía un recorrido de nueve álbumes en el que no ha dejado de explorar los sonidos de su tierra a través de la fusión con otros estilos como el flamenco o el pop. Una investigación sin fin que lo ha llevado a viajar alrededor del mundo y de la cual hace partícipe a todos los que llenan sus conciertos.

Carlos Nuñez
30 de diciembre, Palau de la Música 21:00h.

Zahara

Después de más de 3 años desde que se publicara Santa, Zahara vuelve con nuevo disco, Astronauta. Grabado en Gales durante el mes de julio bajo la dirección y producción de Matthew Twaites, se trata del trabajo más orgánico hasta la fecha tomando Santa como base, pero explorando nuevos sonidos.

Lo primero que se ha podido escuchar de Astronauta es Hoy la bestia cena en casa. El videoclip, protagonizado por la propia Zahara, Macarena García y Martí Perarnau IV acumula más de 400.000 reproducciones en YouTube y 250.000 escuchas en Spotify desde el pasado 28 de septiembre, fecha de su estreno.

Podremos disfrutar de El viaje de la Astronauta, gira con la que Zahara empezará a presentar su nuevo trabajo en Barcelona el próximo 26 de enero.

Zahara
26 de enero, sala Apolo 21:00h.

PAVVLA

Secretly hoping you catch me looking és el segon disc de Pavvla. Un disc que desperta molta expectació i que arriba el 23 de novembre, després de l’acceptació i èxit del seu debut Creatures: un disc que va arrancar grans crítiques i prop d’un centenar de concerts en només un any i mig arreu de Catalunya, Espanya i altres països com USA, UK, Alemany o Suïssa i d’ocupar pàgines de mitjans de renom com la NPR americana o la BBC anglesa.

secretly hoping you catch me looking dibuixa de forma clara el canvi de concepte del seu debut. Si Creatures era un disc fet des de la nostàlgia i des de la ingenuïtat, aquest nou àlbum porta per bandera la provocació i una actitud molt més gamberra, desfent-se per complet de l’actitud naive i de la innocència.

Pavvla és la veu d’una generació amb cançons que parlen d’amor, desig, inestabilitat emocional , provocació i segurat personal.

PAVVLA
31 de enero, El Molino 21:00h.

Paco Ibáñez

50 años después de su icónico concierto en el Olympia de París, Paco Ibáñez, convertido en leyenda viva y punto de referencia para varias generaciones, ofrecerá un viaje por las canciones de aquel momento histórico y las enlazará con sus nuevas composiciones. Sus canciones nos trasportarán a un espacio de amor, de libertad y de dignidad, un espacio de resistencia ante la injusticia, la violencia y el horror, un espacio que reivindica el humanismo frente a la barbarie del siglo XXI. Su voz y sus canciones acompañaron a una generación que las convirtió en himnos que a través del tiempo siguen sonando cada vez que surge un clamor por la dignidad.

En diciembre de 1969 el público francés y español, que se sintió cercano e identificado con el artista, llenó la sala aclamándolo por su nombre. Esta cercanía de Paco con el público será una constante en toda su trayectoria. Paco Ibáñez simboliza a miles y miles de vidas, las de todas las generaciones que han luchado y las que siguen luchando y que todo lo han sacrificado por sus ideas. Sus canciones rinden homenaje a su paso por la historia y a su dignidad.

Paco Ibáñez
1 de febrero, Palau de la Música 21:00h.

Earth, Wind & Fire

Construido alrededor del legendario guitarrista de Earth, Wind & Fire Al McKay, el llamado Al McKay’s Earth, Wind & Fire Experience reencarna el espíritu de la banda original, transmitiendo poderosamente éxito tras éxito las canciones del supergrupo. Al McKay Allstars ofrece una sorprendente demostración del poder de su música y el sonido moderno de la música de R&B, manteniendo el alto nivel de excelencia en los directos de Earth, Wind & Fire.

Al McKay Allstars, presentan los músicos más influyentes del R&B y funk. La Al McKay Earth, Wind & Fire Experience es lo más parecido a lo que hizo sonar la banda original a finales de los 70 y principios de los 80.

Al Mckay
5 de febrero, sala Apolo 21:00h.

SAU30

SAU30 es el proyecto que devolverá a los escenarios, dos décadas más tarde de su desaparición, a todo el equipo que formaba parte de la popular banda. Músicos, técnicos, road managers y, en definitiva, la estructura que los convirtió en uno de los grupos más importantes de la escena catalana. Una oportunidad única para revivir los grandes éxitos de una de las bandas esenciales de nuestro país. SAU30 quiere ser un regreso del espíritu de la formación y de la magia de aquellas noches donde los sueños se podían hacer realidad a través de la música. La escenografía ha sido diseñada por Lluís Martí, técnico de luces de SAU (1989-99) que, junto con Carles Sabater, fue autor de todas las escenografías de SAU.

SAU30
1 de marzo, Gran Teatre del Liceu 21:00h.

Toundra

Los madrileños Toundra empezaron su viaje en 2007. Su sonido combina riffs poderosos, hermosas melodías y atmósferas intrincadas, todo ello arropado en canciones llenas de electricidad que enfatizan la incandescente llama del directo del grupo, y que los llevó rápidamente a convertirse en una de las bandas instrumentales más aplaudidas de Europa. En un tiempo récord publicaron tres discos de manera independiente y giraron por varios países.

En 2018, la banda ha regresado con su quinto disco, Vortex. Un trabajo que marca un nuevo comienzo para esta banda de rock’n’roll instrumental, que descansa serena a sabiendas de que han desatado su más salvaje, demoledora y emocionante tormenta, un disco que ha alcanzado el puesto número 4 de las listas de ventas y que ya los ha llevado a girar por toda Europa y México.

Toundra
6 de marzo, sala BARTS 21:00h.

Sigmund Wilder + Pësh

Sigmund Wilder reivindican el sonido de la new wave británica de los años 80. Naturales de Barcelona y liderados por David Martínez, defienden el arte por el arte, independiente y sin pretensiones comerciales. Presumen de crear sin condicionantes. Llegan al Festival Mil·lenni con dos discos bajo el brazo por los que han recibido grandes críticas y que les han dado cierto nombre en la escena local: su disco debut, The art of self boycott (2017), y el más reciente The day David Bowie died. Sus dos entregas discográficas y su directo los avalan como herederos aventajados del arte de bandas como The Cure, Duran Duran o Interpol.

Pësh presenta Too many universes but mine, el segundo álbum de la banda capitaneada por torellonenc Santi Carcasona. Tras la publicación del primer disco, Where the sidewalk ends (Pequeños Milagros 2016), la banda ha alcanzado una madurez, un sello y un sonido propios que se ven reflejados en los temas de este nuevo trabajo. El disco ha sido compuesto por Santi Carcasona entre Barcelona, ​​Edimburgo y Helsinki, y ha sido producido por Sergi Riera.

Pesh-Sigmund
14 de març, sala La Nau 21:00h.

Ramon Mirabet

Ramon Mirabet vuelve con su esperadísimo tercer disco y lo hace por la puerta grande. El magnífico escenario del Palau de la Música acogerá la puesta de largo de su nuevo disco con un concierto único y posiblemente irrepetible. La voz más imponente de nuestra escena musical se presentará acompañada de su banda de 7 músicos y de una gran orquesta de cuerdas para que escuchéis, tanto las nuevas canciones como sus grandes éxitos, como nunca se hayan escuchado hasta la fecha. Ramon Mirabet es un músico diferente, con una magia muy especial que se contagia y que hay que descubrir en directo. Todos sabéis dónde y cómo comenzó este viaje, pero nadie se atreve ahora mismo decir hasta dónde llegará.

5 de abril, Palau de la Música 21:00h.

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Ramón Aragall según Ramón Aragall: ‘Kamikaze’

Hola. Mi nombre es Ramón Aragall. Soy músico profesional desde hace ya tiempo y he tenido la suerte de tocar con bandas de la trascendencia de Els Amics de les Arts o Dorian, entre muchas otras.

Soy baterista, y eso es lo que me ha dado de comer todo este tiempo, con los altibajos intrínsecos de este oficio, pero siempre manteniéndome con un buenísimo ritmo de trabajo.

Vengo de familia de cantantes, y la voz siempre ha sido algo que estaba pendiente en mi lista de objetivos. De cantar pasé a componer, y de ahí a formar mi propio proyecto que gestiono en paralelo con mi trabajo de baterista en otras formaciones.

Ramon Aragall

Tenía claro que, para mi proyecto, necesitaba desprenderme totalmente de la batería, limitándome a tocar el piano y los sintes. Sencillamente, quería ver la música desde otro prisma y liderar la formación desde el micrófono.

Y así fue. En 2015 salió a la venta Perfil, mi primer trabajo en solitario. Cajón desastre de mis primeras composiciones y una forma de entender cómo quería expresarme a la hora de componer. Quería definir cuál era la estética que me atraía y hacia donde quería llevar mi proyecto. El resultado fue muy bueno: acumulando experiencia y ofreciendo un sinfín de conciertos que me han hecho entender que lo de componer y cantar no es pasajero, y que estoy aquí para quedarme. 

Kamikaze es el titulo de este articulo y también el de mi segundo trabajo en solitario. Lo conforman diez canciones que, más que nunca, desglosan un estilo y una orientación musical. Para mí, la búsqueda nunca para, pero ahora ha llegado a un lugar en donde me identifico plenamente.

El disco ya tiene un single en el mercado titulado El primer intento, y el resto de las canciones saldrán a la venta el próximo 18 de octubre. Sin ninguna duda, es lo mejor que he hecho hasta la fecha, así que espero que en breve lo podáis disfrutar. Cuando se publiquen, esas canciones pasaran a ser vuestras para siempre, y espero que tengáis la curiosidad de aceptar ese regalo.

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Arrenca un nou Cruïlla de Tardor

CRUÏLLA TARDOR - Anna Calvi

Sembla que el Cruïlla de Tardor està fet per les persones que encara no han assumit que ja no hi són a l’estiu. Per això els organitzadors ens han preparat aquest reguitzell de concerts, per què allunyem el fred dels nostres cossos. Te’ls presentem a continuació:

Anna Calvi

Estem d’enhorabona: Anna Calvi és la potència feta música, un riu de passió que s’ha obert pas a cop de guitarra en la indústria de la música i en el cor dels seus fans. “És la cosa més gran des de Patti Smith”. Aquesta definició la va fer poc menys que Brian Eno quan Calvi tenia només un single al carrer. Semblava agosarat, però el temps li està donant la raó. Les comparacions van seguir un parell d’anys més (‘la nova PJ Harvey’, per exemple). Però ara mateix ja no necessita ser comparada amb grans estrelles del passat. Anna Calvi ja és ella i prou.

Anna Calvi - Cruïlla de Tardor

Emir Kusturica & The No Smoking Orchestra + Barcelona Gipsy Balkan Orchestra

Emir Kusturica és probablement l’artista més important dels Balcans i un dels més rellevants d’Europa. És tan bon cineasta com músic, i aquesta última faceta és la que ens interessa per al Cruïlla de TardorRitmes country, marxes turques, trompetes gitanes, clàssics italians, sons d’Amèrica del Sud, bucles de tecno-pop, Balkan amb bases de punk, tradició gitana… L’estil de Kusturica és únic. El tindrem en directe acompanyat de The No Smoking Orchestra, amb un nou àlbum i també amb les cançons de sempre. De moment, ja ha confirmat que tocarà la banda sonora d’alguna de les seves pel·lícules, com Gato negro, gato blanco i La vida es un milagro.

A la BGKO (Barcelona Gipsy Balkan Orchestra) no hi ha dos membres del mateix lloc. Ells són la vertadera música multiètnica, un grup de música klezmer i gitana amb sons d’Europa de l’Est. Set nòmades que entenen la música balcànica com un estil que va més enllà de qualsevol frontera. Perquè allò que fa gran aquest gènere és, precisament, la gran varietat de cultures que el van crearBGKO es van convertir en un referent de la música balcànica a Barcelona, ciutat en la qual va néixer el projecte i on, en molt poc temps, va assolir fama internacional. Ara els tenim de nou a la ciutat on tot va començar.

Emir Kusturica + BGBO - Cuïlla de Tardor

Myles Sanko + The Excitements

Myles Sanko es defineix a ell mateix com un autor que es diverteix creant. No hi ha dubte: ell compon, ell escriu les lletres, els ritmes i les melodies. Ell dissenya les seves pròpies portades i grava i edita els seus videoclips. Myles Sanko aterra a Barcelona convertit en la nova sensació del soul-jazz britànic. Porta anys treballant amb els mateixos músics. Es coneixen, s’estimen i es diverteixen tocant junts. Per això els seus concerts son garantia d’èxit. Ritmes d’hip-hop i amalgames de jazz? Sí. Línies de soul amb violins i chelos? També. 

Algun periodista comentava que The Excitements podrien haver nascut a Memphis a mitjans dels seixanta, gravar en la Motown i compartir cartell amb James Brown en alguna gira per Estats Units. Tenim sort que The Excitements siguin d’aquí i ara: una banda de Barcelona que ens porta el millor de la música negra més arrelada. Això és soul i punt. Construeixen els seus concerts sobre una poderosa estructura rítmica. Per sobre rugeixen les guitarres i tremolen els metalls, però al cim només hi ha una reina: la veu de Koko i els seus moviments hipnòtics.

Myles Sanko + The Excitements - Cuïlla de Tardor

La M.O.D.A. + Animal

Passió, honestedat i carretera. Aquesta és l’ètica de treball de la Maravillosa Orquesta del Alcohol, més coneguts com La M.O.D.A. I és quelcom que pots sentir fàcilment quan escoltes les seves cançons. El grup burgalès torna al Cruïlla per partida doble. A l’estiu van actuar al Festival i, el pròxim 20 d’octubre, al Cruïlla de Tardor. No hi ha qui els pari: són un fenomen de masses per la facilitat que tenim d’identificar-nos amb les seves cançons, viscerals i sentides. No ens cansem de La M.O.D.A. Serà un plaer veure’ls a l’Hivernacle del Poble Espanyol. No t’ho podem explicar, has de sentir-ho.

Milers de seguidors a les xarxes socials, més de 150 concerts amb un sol disc, milions de visualitzacions. Està clar que Animal s’ha consolidat com una de les apostes més fortes dels Països Catalans. El septet barreja sonoritats pop, folk, rock, reggae i soul. Les seves cançons t’enganxen a l’instant i no et deixen anar fins que s’acaben. És la revifada del pop-folk català, del bon rotllo costumista amic dels Catarres.

La MODA + Animal - Cuïlla de Tardor

Viva Suecia + Neuman

Hi ha grups que tenen el poder de transformar-nos, i sense dubte Viva Suecia és un d’ells. Gairebé 100 concerts en 2017. Al 2018, han fet sold out a tots. Tenen una extensa gira de festivals al davant, i ja l’afronten com a caps de cartell. I tot això, amb només 3 anys de vida. Viva Suecia no es cansa d’esgotar entrades.

Paco Román és un músic total. A més de cantar amb una veu única, a més de compondre i escriure lletres i tocar diferents instruments, és productor de bandes de l’escena independent. Neuman és el resultat d’anys de treball. Anys en què Paco Román ha viscut com un nòmada perseguint el seu somni musical. Durant els seus viatges, ha dormit molts cops en crashpads, llits temporals on dormir una sola nit. I Crashpadés el títol del seu últim àlbum.

Viva Suecia + Neuman - Cuïlla de Tardor

MGMT

MGMT és una de les bandes més representatives del pop electrònic i la psicodèlia de l’última dècada. La seva música ha sintonitzat amb les emocions d’una generació, que vol ballar i sentir alhora. El proper 25 d’octubre els tindrem en directe a l’Hivernacle del Poble Espanyol. Ens presentaran el seu últim disc, Little dark age, una obra majúscula de psicodèlia electrònica i instrumental. Sentirem els hits que els han convertit en clàssics de l’escena, com Kids i Time to pretend. Els anys 80 estan gelosos, i no és per a menys: la millor música dels 80 es fa ara. I és per culpa de MGMT.

MGMT - Cuïlla de Tardor

Mafalda + Tremenda Jauría

Anticapitalistes. Antifeixistes. Feministes. La música sempre és política, però amb Mafalda no hi ha mitges tintes. Mafalda és un còctel de ska, funk, hardcore, punk, reggae, metal i hiphop. Amb el seu últim disc, La última vez que te escucho, s’han guanyat la confirmació en gairebé tots els grans festivals contestataris de l’estat. Coherents en el seu missatge, imprevisibles en el so. Mafalda són activistes que utilitzen la música per deconstruir tot el que ens imposen des de que naixem.

Ja no val dir que l’electrònica llatina és mala música, ni que és masclista. Tremenda Jauría fan seva la cumbia, el reggaeton i el moombahton per muntar una festa política i combativa. Reggaeton feminista, i del bo. Trenquen esquemes igual de fàcil que trenquen malucs. Amb poc més que un any de vida, ja han tocat en escenaris de tota la península. El seu últim EP, Codo con codo, experimenta amb nous ritmes i sonoritats mentre manté dempeus la destral de guerra. El proper 31 d’octubre tindrem a les dues bandes en directe a la Sala Razzmatazz. Som-hi!

Mafalda + Tremenda Jauria - Cuïlla de Tardor

Cat Power

Cat Power s’ha obert camí com una de les veus més respectades al món del folk i el soul. I està preparant un disc que és un emocionant viatge per la seva història.El disc Wanderer veurà la llum a l’octubre. En ell, la cantant parla del camí recorregut fins a arribar al punt on és ara: un camí a la deriva amb la seva guitarra, seguint les passes dels cantants clàssics de folk. I sumant-se als més grans, perquè ja és part de la història del folk. Ara, tenim la sort de poder-la veure en directe a Barcelona. Serà el proper 1 de novembre a la Sala Razzmatazz.

Cat Power - Cuïlla de Tardor

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Festival Connexions, un cicle de diàlegs musicals a Barcelona

Del 18 al 28 d’octubre la ciutat acollirà la setena edició del festival Connexions, el cicle de diàlegs musicals organitzat pel Taller de Músics, amb deu propostes a diferents espais de la ciutat: el Centre Artesà Tradicionàrius, La [2] d’Apolo, el Taller de Músics 24 i la sala Luz de Gas. Aquesta última acollirà la inauguració on es connectaran Eva Fernández amb el Quartet Brossa, qui vestiran amb les seves cordes el darrer projecte de la cantant i saxofonista, Yo pregunto.

L’edició d’enguany del Connexions tindrà propostes molt diferents entre elles, més connexions però totes amb un denominador comú: la creativitat musical i el fruit de l’intercanvi i les vivències des artistes en el desenvolupament del ‘nou’ projecte.

EVA FERNÁNDEZ & QUARTET BROSSA
Dijous 18 octubre, 21h (Sala Apolo)

Després de la seva formació a la Sant Andreu Jazz Band i l’enregistrament d’altres treballs discogràfics com That Darkness, Eva Fernández presenta Yo pregunto. Des de la seva publicació l’artista gira en format trio de la mà dels músics que l’han acompanyat en el seu enregistrament: el guitarrista Josep Munar i el bateria Enric Fuster. Yo pregunto neix com tota una declaració d’intencions: música pròpia de Fernández i Munar a partir d’un recull de poemes d’Alfonsina Storni, Alejandra Pizarnik, Alfonso Costafreda i Julio Cortázar.

Yo pregunto va ser publicat el maig de 2018, des d’aleshores el trio d’Eva Fernández l’ha portat sota el braç per ciutats com Seül, Londres, Berlín, Barcelona i Madrid, però aprofitaran el festival Connexions 2018 per anar una mica més enllà. Serà l’ocasió de sentir les cançons del disc vestides per quartet de cordes. Arranjaments de Josep Munar tocats pel reconegut Quartet Brossa, una oportunitat inèdita d’experimentar el que promet ser un homenatge a la sensibilitat, la senzillesa i les ganes de compartir música.

El Quartet Brossa, format per Aleix Puig i Pere Bartolomé als violins, Imma Lluch a la viola i Marçal Ayats al violoncel, manté una intensa activitat musical basada en la transversalitat artística, la col·laboració entre estils, creadors i disciplines musicals i una gran voluntat d’incentivar i participar en la creació contemporània. Mantenen una activitat constant des del 2004, des de llavors han enregistrat diversos discs propis i destaquen les seves col·laboracions amb artistes com Maika Makovski i Judit Neddermann, entre d’altres.

HORA DE JOGLAR & BALKAN PARADISE ORCHESTRA
Dissabte 20 octubre, 20:30h (La [2] d’Apolo)

De tant en tant, a la sempre nodrida i canviant escena del mestissatge i les músiques del món, apareixen formacions que aconsegueixen destacar i obrir-se camí gràcies a la qualitat, la forta personalitat de la proposta i una interpretació i posada en escena que impacta per la seva energia i potència. Aquest és el cas d’Hora de Joglar i la Balkan Paradise Orchestra, dues formacions que s’han consolidat aquests dos darrers anys, que comparteixen una gran passió pels sons i ritmes dels Balcans i una visió de la música com a celebració de la festa i la vida.

Partint d’aquestes coincidències, les dues bandes han unit màgia i talent per a bastir un concert- espectacle únic i exclusiu per al Connexions. A Abrak’Ataka, els garrotxins i les barcelonines actuaran plegats com una sola agrupació per oferir un repertori que unirà el millor dels dos grups i alguna sorpresa més. Una gran festa balcànica que es viurà no només dalt de l’escenari, sinó també a peu de pista, buscant en tot moment la complicitat i la implicació del públic, un tret comú en els directes d’ambdós projectes. Les Balkan han revolucionat el concepte popular de la fanfàrria incorporant ritmes de tot el món, mentre els Joglars han fet del ball, l’electroswing i el baixar a la pista per tocar enmig de la gent els moments més poderosos i desbordants dels seus espectacles.

A més del seu caràcter irrepetible, Abrak’Ataka és una doble festa final; el comiat d’alçada que ret Hora de Joglar a Present (RGB Suports, 2017), el disc que els ha obert de bat a bat a les portes grans festivals, festes majors i sales dels Països Catalans i Europa, i també l’homenatge de Balkan Paradise Orchestra al seu debut discogràfic K’ataka (Microscopi, 2018) i a una trajectòria ascendent i imparable per escenaris nacionals i europeus.

AMARO FREITAS TRIO & RAYNALD COLOM
Dijous 25 octubre, 20:30h (C.A.T.)

Jazz pernambucà. Aquestes dues paraules serveixen com a introducció a la música d’Amaro Freitas. Pernambuco, al nord-est del Brasil, és un estat ric, tropical, exuberant, amb una immensa varietat de ritmes musicals que es desborden de manera natural i orgànica en els temes del pianista de Recife. Chick Corea va ser l’espurna que va encendre la metxa del jazz en un jove Amaro Freitas, qui va començar a experimentar i descobrir mestres com Thelonious Monk, Hermeto Pascoal i Egberto Gismonti.


En els últims quatre anys, Amaro comparteix trajecte amb el contrabaixista Jean Elton i el bateria Hugo Medeiros, còmplices en les trames rítmiques, harmòniques i melòdiques. Des del llançament del seu disc d’estrena, Sangue Negro (2016), Amaro Freitas Trio no ha parat de rodar per Brasil. Aquesta tardor el festival Connexions serà el primer escenari a Catalunya on presentaran el seu projecte i ho faran amb un convidat de luxe: Raynald Colom. Aquesta connexió amb el multipremiat trompetista, compositor i productor francocatalà és una garantia absoluta de la fusió d’avantguarda i tradició, fet que sempre va permetre al jazz escapar dels ambient erudits i caure al jazz de carrer.

FELIU VENTURA & XERRAMEQU & ELS ABORÍGENS
Divendres 26 octubre, 20:30h (C.A.T.)

L’autor xativí i cantant de cançons Feliu Ventura s’acomboià el passat 2015 amb el combo català de reggae d’autor Xerramequ i els Aborígens per parir el seu propi homenatge musical a Ovidi Montllor, coincidint amb els aleshores 20 anys que l’artista alcoià va “marxar de vacances”. El resultat fou l’espectacle ‘Faré Vacances: una visita a Ovidi Montllor’, amb el qual els artistes han actuat arreu dels Països Catalans amb un repertori basat en clàssics d’Ovidi Montllor i cançons de Feliu Ventura per jamaicanes i a ritme de rocksteady, reggae i ska. D’aquella aventura el 2017 van publicar un EP en vinil de 10” i quatre cançons, amb mescles i dubs del gurú de l’escena jamaicana Victor Rice i el setembre de 2018 ha vist la llum finalment el disc complet. Sota el títol de Sessions ferotges els artistes despatxen 15 noves perles entre adaptacions per jamaicanes de clàssics de l’Ovidi i el propi Ventura, a més de cançons creades per a l’ocasió com “Arrapar o acaronar”, “La Muixeranga” o l’homenatge a Guillem Agulló “El darrer somriure”.

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Didirri: “Comencé a escribir canciones para perdonarme a mi mismo”

Mi música nació cuando descubrí que podía encontrar algún tipo de perdón a través de ella. Me di cuenta de que podía reconciliar mis acciones pasadas con mi actual filosofía y la concepción de la moral explorando la lírica. Cuando empecé a escribir, había hecho algunas cosas verdaderamente deshonestas. Aprendí algunas lecciones difíciles al final de mi adolescencia.

Había mentido y robado a personas por mi cosmovisión nihilista. Nada importaba, así que ¿por qué no hacer lo que más me daba placer? Finalmente, darme cuenta de que mis acciones tienen consecuencias y que no hay una salida fácil de ellas, realmente impulsó mi perspectiva. Ahora veo el mundo de una manera muy diferente. He visto a amigos y familiares heridos por mis acciones y aprendí algunas reglas de oro sobre la vida. Esta es la verdadera razón por la que comencé a escribir. Comencé a escribir y a tocar en las calles de Melbourne como una forma de perdonarme a mí mismo.

Desde entonces, he transmitido estas lecciones al mundo. Enseñar a otras personas a aprender de mis errores ha sido, y seguirá siendo, uno de los aspectos más gratificantes de mi vida hasta ahora. Continuaré compartiendo la felicidad que encuentro al ayudar a otras personas.

Aprender a perdonar a alguien que te causó dolor, aprender a abandonar un pasado doloroso, comunicarte de la manera más simple y veraz posible y reconocer la felicidad cuando existe, alejarte de los pensamientos mentalmente inestables hasta que desaparezcan. ¿Estoy a la altura del mundo? Esto es lo que estoy explorando con mi EP. Mi madre me enseñó a expresarme a través del arte y mi padre me enseñó a expresarme a través de las palabras. Naturalmente, la combinación de los dos ha dado un significado real a mi vida. Siento que he logrado mucho, emocional y filosóficamente a través de mi escritura.

Ha sido un camino muy rocoso hacia la autoaceptación y parte de ese camino es ser consciente de que cometerás errores, pero verlos como tu mayor fortaleza en lugar de tu debilidad más obvia es algo que debe aprenderse de nuevo todos los días. Espero seguir haciendo música y expresar mis pensamientos de maneras que parezcan útiles. Espero que la sociedad entienda que tener una actitud positiva incluso hacia una situación negativa es un proceso. Espero explorar mi profundidad con un álbum muy pronto.

Didirri | © Ian Laidlaw

V.O.

The birth of my music was a discovery that I can find some sort of self-forgiveness through music. I had realized that I could reconcile my past actions and my current thoughts on philosophy and morals by exploring lyricism. At the time that I first started writing I had done some truly dishonest things I had finally learnt some hard lessons exiting my adolescent.

I had lied and stolen from people believing in a nihilistic worldview. Nothing mattered so why wouldn’t I do the thing that gave me the most pleasure. Finally realizing that my actions have consequences and there is no easy escape from really pushed my perspective. I now see the world in a very different way. I had seen friends and family hurt by my actions and was learning some golden rules about life. This is the true reason that I started writing. I first started writing and busking on the streets of Melbourne as a way to forgive myself. I have been Expressing these lessons to the world ever since then. Teaching other people to learn from my mistakes has been, and will continue to be, one of the most rewarding aspects of my life so far. I will continue to share the happiness that I find in helping other people with as many people as possible. 

Learning to forgive someone who’s caused you pain, learning to let go of a painful past, communicating in the most simple and truthful way possible and recognizing happiness when it is existent, holding off mentally unstable thoughts for a time when they will pass. Do I measure up to the world? This is what I’m exploring with my EP. My mother taught me to express myself through art and my father taught me to express myself through words. Naturally the combination of the two has given real meaning to my life. It feels like so much is been accomplished already for me emotionally and philosophically through my writing. 

It is been a very rocky road towards self-acceptance and part of that is knowing that you have some glaring faults and make some huge mistakes occasionally but you have to see them as your greatest strength rather than your most obvious weakness is something that has to be learned every day. I hope to continue to make music and express my thoughts in ways that seem helpful. A positive attitude towards even a negative situation I hope will go a long way in the society that we have today. I look forward to exploring my depth with an album very soon.

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Para los melancólicos de los 90, de lo lo-fi y de los cassettes

Borealis lo han conseguido otra vez. Traen el norte al sur de nuevo. Esta vez es el turno del joven cuarteto Shun, soñadores a la vez que oscuros shoegazers. Visitan por primera vez la península y lo harán acompañados de la banda local Olsen Twinz, otros amantes del shoegaze y del rock alternativo, pero con influencias mucho más ruidosas y desenfadadas.

Los dos grupos empezarán el tour en Barcelona el viernes día 12/10, en Freedonia, siguiendo por la Sala Zeppelin Club en Castellón el sábado 13/10 y acabando su visita en Madrid, la noche del domingo 14/10 en la Würlitzer Ballroom.

Además de tocar, conocer nuevas ciudades – y bueno, no lo vamos a negar, comer bien -, Shun vienen a España para presentar el reciente EP Nothing is quite as heavy, su primer trabajo oficial después de haber publicado un par de demos. Cuatro temas que combinan un remolino de guitarras distorsionadas y una batería potente, con un toque pop sensible a la vez que complejo. Con influencias tanto del rock más tradicional como del más nuevo e alternativo – indie y shoegaze -, el conjunto intenta evitar el abuso del ruido, consiguiendo una atmósfera intensa y etérea que recuerda a grupos como Nothing, Turnover o Newmoon.

Por otro lado, Olsen Twinz son un dúo unido por sus intereses comunes: la tele basura americana, música de los 90 y amor por lo analógico. Un grupo con distorsiones fuertes, letras románticas, melancólicas y esperanzadoras. Rabia y tranquilidad metidas en la cama escuchando shoegaze, noise, Indie.

Si eres amante melancólico de los 90, del lo-fi y de los cassettes, esta es tu cita perfecta.

A continuación un repaso a las fechas de la gira y una pequeña muestra de su trabajo:

12 de octubre · 21:30h. – Asociación Freedonia, Barcelona
13 de octubre · 22:00h. – ZEPPELINCLUB, Castellón (Valencia)
14 de octubre · 22:00h. – Wurlitzer Ballroom, Madrid

Shun

Olsen Twinz

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Una 1906 con aroma a guitarra española

jornadas guitarra española

Pocos instrumentos hay que se puedan equiparar a la guitarra española en cuanto a capacidad para provocar emociones y poner la piel de gallina. Fuerza, arte y mucha pasión recién arrancadas del alma de los artistas y reinterpretadas a seis cuerdas a lo largo de una noche en la que se rompió la tradición de los hombres a la guitarra.

La guitarrista sueca, Afra Rubino y la australiana Nasrin Rahmadi al cajón fueron las encargadas de hacer que la magia empezara a fluir entre los asistentes. Entre sus interpretaciones hubo espacio para la reivindicación del papel de la mujer en el arte – “a las mujeres lo que nos pasa es que no tenemos ídolas y nos tenemos que identificar con hombres, con un Paco de Lucía” y agradecer a 1906 la creación de espacios como las Jornadas de Guitarra Española donde la tradición se deja a un lado y la música se convierte en un lenguaje de hermanamiento “es una ayuda para las mujeres que festivales como este existan, porque Molino del Manto ha llamado a grandes instrumentistas a colaborar con nosotras y así provocar la integración de la mujer con los demás músicos”.

La pionera de la fusión de la guitarra clásica española con el cante, María Marín, acompañada de Miguel Hiroshi, recogió el testigo y continuó poniendo sonido a la atmósfera de ensueño ahí creada. La sonoridad de Marín e Hiroshi es sumamente personal, música clásica y sonidos orientales entremezclados en los que instrumentos que no han nacido para coexistir se elevan al encontrarse.

Nota a nota la emoción de la sala se elevó hasta que Tomatito salió al escenario armado con su guitarra y acompañado por su hijo José del Tomate, así como Kiki Cortiña y el Piraña. Dos generaciones y dos formas de entender la pasión a la guitarra, Tomatito con la sensibilidad de un artesano que lleva años dedicándose a lo que ama y José del Tomate aportando frescura y naturalidad. Tomatito quiso recalcar el papel de la guitarra en la música: “estamos enamorados de la guitarra española y el mundo entero también, pero lo importante es transmitir al público lo que uno hace con pasión. Eventos como este tienen magia y nos permiten interpretar melodías de forma muy personal”.

Como broche final a una jornada totalmente mágica, los artistas invitados interpretaron conjuntamente el emblemático tema de Camarón de la Isla, La leyenda del tiempo, demostrando que la guitarra española está más viva que nunca.

Jornadas Guitarra
Jornadas 1906 de Guitarra Española

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Los mejores discos de septiembre

SPIRITUALIZED – And Nothing Hurt

‘Oh, qué lista tan interesante, guardaré el link en mi lista de pendientes y la miraré a fondo cuando tenga tiempo’, te dices. Así, llevas acumulando listas de qué ver, qué escuchar y qué leer desde 2014. Y apenas has abierto ninguna. ¿Verdad o no? Rompe ese círculo ahora mismo. Siéntate y dedícate un tiempo para ti. No tienes que escuchar todos los discos. Confía en el criterio de nuestros redactores para seleccionar los que más te motiven. Porque estos son los mejores discos de septiembre.

Si quieres seguir coleccionando listas puedes consultar las de enero, febrero, marzo, abril, mayo, junio y julio-agosto. También hemos publicado listas en 2017, pero no las ponemos para no alimentar tu TOC.

Los mejores discos de septiembre. LOW – Double negative

LOW – Double negative (Sub Pop, 2018)

De la negación y el acierto

¿Explorar sonidos mucho más psicodélicos, oscuros y misteriosos? Sí. ¿Ahondar en temas más arduos y personales? También. Low pasa de reciclar su electrónica y en su nuevo álbum, Double negative, experimenta con la reconstrucción del sonido para buscar nuevos universos sensoriales. Dicho así podría ser puro ‘ruidismo’, pero no. Lo del trío de Minnesota está más cerca de lo onírico y profundiza en la línea que iniciaron con Ones and sixes (Sub Pop, 2015). Quórum nos vuela la cabeza. Dancing and blood nos mete en el tempo del álbum: pausado, melódico y tan triste que es sensual. Con Fly ya estamos levitando. El disco avanza hasta inquietarnos las voces digitales de Poor Sucker. Double negative nos desafía al oyente a descubrir otras melodías en las que detenerse con atención. No hay sonidos diáfanos ni estructuras simples: una doble negación se convierte en afirmación y, sin duda, en acierto.

Por Inés Calero.

Los mejores discos de septiembre. SPIRITUALIZED – And Nothing Hurt

SPIRITUALIZED – And nothing hurt (Bella Union, 2018)

Bienvenidos al disco del año

Será que el primer tema que conocí de Spiritualized fue Ladies and gentlemen we are floating in space que su música me pinta una imagen celestial en el cerebro. Un astronauta levitando en la oscuridad. O igual es que Jason Pierce compone la representación del concepto de música que hay en mi cabeza. And nothing hurt (Bella Union, 2018) es el puto disco del año. Se merece hasta un Grammy Latino (porque sí). Ya con la primera nota de A perfect miracle me ha subido la adrenalina. I’m your man me hizo sentir impotencia y la batería ahogada de On the sunshine me terminó de meter de lleno en la cabeza del genio que es J. Spaceman. Es imposible crear un disco malo si eres un compositor genial. Súbete al viaje lisérgico más auténtico de la década.

Por Nadia Dubikin.

Los mejores discos de septiembre. THE BLAZE – Dancehall

THE BLAZE – Dancehall (Animal 63, 2018)

Calidez electrónica

Después del goteo de electrónica y house introspectivo francés o temas como Virile y su exquisito videoclip, los primos Guillaume y Jonathan Alric editan, por fin, su primer álbum largo con el que dejan patente que se han convertido en uno de los referentes de la electrónica francesa. Dancehall (Animal 63, 2018) se erige como un conjunto de piezas cálidas e hipnóticas en las que los detalles reflejan lo trascendente de la vida. Las voces profundas, distorsionadas y con un punto oscuro se mantienen dándole al disco el característico sonido de The Blaze. Es cierto que se trata de un álbum sin sobresaltos, pero quizás este minimalismo es el que convierte los temas del dúo francés en perfectos tanto para ser escuchados un domingo por la tarde en casa como para ser bailados a las horas de mayor exaltación en un festival de electrónica.

Por Paula Margó.

Los mejores discos de septiembre. MASEGO – Lady Lady

MASEGO – Lady lady (EQT Recordings, 2018)

Tres razones para escuchar a Masego

He decidido que en vez de argumentar por qué Lady lady (EGT Recordings, 2018) es para mí uno de los discos del año – junto con el de Leon Bridges – voy a centrarme en los hechos. Fact 1: Masego vino a Barcelona en la Mercè y arrasó. Fact 2: Sus melodías son sofisticadas pero accesibles – mezcla R&B con jazz – y sus letras tratan sobre mujeres – el título no es casualidad -. Fact 3: No hubo persona que no se enamorara al instante de él después de habérselo recomendado. Y cuando digo persona englobo perfiles muy diversos, real. ¿Serás tú la excepción que confirme la regla? Bueno, es igual. Ni siquiera he entendido nunca esa frase. Que lo escuches. Tanto si te gusta como si no, te habrá aportado algo nuevo, eso seguro. Canciones imprescindibles, por orden: Tadow, Old age y Black love. Bonus track: No pertenece al disco pero no puedes no escuchar Navajo en Colors.

Por Paula Pérez.

Los mejores discos de septiembre. GUILLAMINO – Fra Júpiter

GUILLAMINO – Fra Júpiter (Bankrobber, 2018)

Cançons per escoltar el silenci

La capacitat camaleònica de Guillamino torna a posar-se en evidència amb Fra Júpiter (Bankrobber, 2018). Aquesta vegada, el músic es va traslladar durant una setmana fins la Torre Reial del monestir de Poblet per crear les seves noves cançons. Un disc de soul místic completament influenciat per aquest lloc i l’atmosfera que l’envolta. Es tracta del treball més intimista del músic en que la reverberació i el minimalisme instrumental tenen bona part del protagonisme. Invocat per la metafísica del disc, les mescles han anat a càrrec de Joan Pons, El Petit de Cal Eril, que ha acabat d’embolcallar aquest nou projecte de Pau Guillamet. Un disc perfecte per una cosa tan necessària com és abstreure’s de la terra durant una estona.

Per Nil Boladeras.

Los mejores discos de septiembre. PAUL SIMON – In the blue light

PAUL SIMON – In the blue light (Legacy / Sony Music, 2018)

Las esquinas abandonadas del chico solitario

Hace unos meses que los seguidores de Paul Simon sentimos una congoja cruda en las entrañas. Esa tristeza terrible, silenciosa, se apoderó de nosotros cuando anunció que estaba a punto de sumergirse en la que sería su gira de despedida del mundo de la música. Es el adiós de uno de los letristas más extraordinarios del siglo XX, de uno de los artistas más importantes de la historia de la música norteamericana. En medio de todo ello ha aterrizado en nuestros oídos In the blue light (Legacy / Sony Music, 2018), una reinterpretación del propio Simon de algunas de las canciones de su carrera que él mismo considera que han sido injustamente ignoradas. Diez cortes en los que el músico de Newark navega con pausa sobre su discografía en solitario, tan prolífica, diversa y a la altura de la dimensión del que firma. Desde el One man’s ceiling is another man’s floor hasta el Questions for the angels, Paul Simon desentierra su música olvidada, justo ahora que encara el adiós definitivo. Y lo hace como siempre: investigando, modificando, jugando con todos los estilos, puliendo la producción. Porque eso es lo suyo: crear. Y a nosotros nos apena muchísimo que todo esto se tenga que terminar.

Por Adrián Viéitez.

Los mejores discos de septiembre. PAUL MCCARTNEY – Egypt Station

PAUL MCCARTNEY – Egypt station (Capitol Records, 2018)

Paul, no me gusta lo que has hecho

Ya van dieciséis discos que Paul Mccartney publica en solitario. Egypt station (Capitol Records, 2018) ha sido su último lanzamiento. No sé muy bien qué es lo que esperaba encontrarme cuando comencé a reproducirlo, pero la verdad es que me ha decepcionado más de lo que me gustaría. Es cierto que hay alguna excepción en el conjunto del disco que tiene más ritmo, como Fuh you, que incluso expone un sonido más moderno, con ciertos tintes electrónicos, de hecho; o Caesar rock, con unas guitarras potentes y muy bailable. Y otra canción que también me ha sorprendido: Despite repeated warnings, ya que no es en absoluto plana, sino que en ella hay unos cambios rítmicos muy interesantes. Sin embargo, el resto del disco podría llegar a considerarse música de ascensor, no porque sea mala, sino por la lentitud de la misma. Me atrevería a decir que me ha aburrido. Es difícil aseverar algo así, pero es la realidad. Paul, no me gusta lo que has hecho.

Por Ana López.

Los mejores discos de septiembre. THE SEY SISTERS – Rise

THE SEY SISTERS – Rise (Satélite K, 2018)

El imperio de la voz

Tres hermanas nacidas en Catalunya (de ascendencia ghanesa) viajando hacia el éxito con los cimientos más puros del góspel como único equipaje. ¿Son The Sey Sisters suicidas? Escuchadas las exitosas inmundicias que ensucian nuestro sentido auditivo actualmente, lo parecen; sin embargo, su talento debería pisotear cualquier empalizada comercial. Rise (Satélite K, 2018), es el relevo de Let freedom ring (Tempsrecord, 2015) confirmando las buenas expectativas creadas. Sus espirituales voces y los concisos arreglos de Albert Bartolomé, son suficientes para embelesar; más ginebra no mejora un gintonic. Saldrían con la cabeza bien alta de cualquier iglesia de Harlem después de entonar Swing low o Until you stand up. Deberían conseguir que Follow the drinking gourd fuera canción de cabecera durante unos días y arrasar en la red con el precioso video Years to come, lo merecen sobradamente. Me nsi den me nkafo es el colofón africanista, senda poco explorada. Quizá en el próximo capítulo. Mujeres negras al poder.

Por Barracuda.

Los mejores discos de septiembre. LENNY KRAVITZ – Raise Vibration

LENNY KRAVITZ – Raise vibration (BMG, 2018)

Si Michael Jackson y Prince tuviesen un hijo

Undécima vez que lo hace y siempre enérgico y renovado. Un álbum con canciones que transmiten buenas vibras y que refutan que Lenny Kravitz sigue siendo una estrella del rock y un profeta del amor. En Raise vibration (BMG, 2018), el temazo, sin duda: Low. Sonido retro, con regusto de los años 70 y con homenaje a Michael Jackson incluido, ‘¡uh… uh!’. Este disco es el fruto de este último con Prince. ¿Qué más se puede pedir? Temas sin adornos, que no necesitan de efectos especiales porque está puesta toda su alma. A lo largo del disco, lo toca todo él solito, y lo toca bien, que no es poco. Posible masterpiece del álbum: Jhonny Cash.

Por Jessica Cobos.

Los mejores discos de septiembre. VILLAGERS – The Art Of Pretending To Swim

VILLAGERS – The art of pretending to swim (Domino, 2018)

Dios vs. tecnología

Ordenadores, televisores, móviles, tablets… En un mundo dominado por las máquinas, Conor O’Brien, cantante del grupo irlandés de indie folk Villagers, dice haber encontrado la palabra de Dios. Y mediante su música –con toques electrónicos–, y emulando a un profeta, se ha apropiado de dicha palabra en su nuevo álbum The art of pretending to swim (Domino, 2018). Con el disco, O’Brien muestra su fascinación y, a la vez, preocupación por la obsesión que tenemos con la tecnología –de ahí que dedique su último tema a Ada Lovelace, matemática y física, pionera en el estudio de las máquinas calculadoras–. El cantante ve en Dios una salida, dejando atrás las dudas que tuvo en el pasado (A trick of the light) y pensando en el futuro: esa ansiada promesa de la vida eterna (Fool). Es cierto que el disco se nos puede llegar a hacer pesado y el mensaje discutible, pero en una cosa tiene razón: ¿hace cuánto no lees un libro?

Por Celia Sales.

Los mejores discos de septiembre. JOAN MIQUEL OLIVER – Elektra

JOAN MIQUEL OLIVER – Elektra (Discmedi, 2018)

Al mar de Joan Miquel Oliver

Al mar de Joan Miquel Oliver hi cap tothom. Després de Pegasus (Sony Music Entertainment España, 2015) i Atlantis (Sony Music Entertainment España, 2017), Elektra (Discmedi, 2018) és l’encarregada de tancar aquesta trilogia mitològica il·lustrada per Albert Pinya. En aquest mar t’hi pots capbussar fins a tocar el fons amb cançons fosques com Líquens Arborescents o respirar tranquil amb la tendresa i la calma de Per a totes ses mamàs o Honey. Un disc d’essència Joan Miquel Oliver: cançons curtes que en la majoria dels casos no superen els tres minuts, sons electrònics que s’entrellacen amb un fons de guitarres acústiques i la seva arma més genial: la capacitat de trobar l’equilibri perfecte entre maduresa creativa i aquella visió infantil de les coses que només tenen els genis.

Per Nil Boladeras.

Los mejores discos de septiembre. JOAN COLOMO – L’oferta i la demanda

JOAN COLOMO – L’oferta i la demanda (BCore, 2018)

Lo íntimo y lo social

La música de Joan Colomo viaja en dos direcciones. Se desplaza, en apariencia, hacia un lugar de encuentro. Se sube al tren en marcha con una sonrisa y comienza a disparar alrededor, hiriendo de forma certera a aquellos que merecen ser heridos. Él lo asume como una cuestión de equilibrio, una cuestión de ‘oferta y demanda’. Si el cinismo demanda batallas, él las planta. Pero en el corazón de esa batalla hay un viaje distinto, un deslizarse hacia dentro que ocurre en silencio, en calma. La música de Joan Colomo, pura celebración del asalto a lo mediocre, habita en secreto lugares de cuidada intimidad, momentos de soledad y anhelo. Porque en ella vive la esencia identitaria del ser humano moderno, siempre bélico y siempre soñador. En su último álbum, L’oferta i la demanda (BCore, 2018) todo ello se potencia. Es puro nervio: ahora abofetea, ahora abraza con calidez. Uno piensa que esas son dos direcciones en las que viajar. Joan Colomo piensa que quizá sean solo una.

Por Adrián Viéitez.

Los mejores discos de septiembre. CLUBZ – Destellos

CLUBZ – Destellos (CANADA Editorial, 2018)

Electroliving

Hay géneros tan clásicos que ya no son parte de una época sino una elección filosófica. Esto pasa con Clubz y su electro-pop. No son ‘los hijos de’ los 80, sino parte de la corriente —aunque por edad se hayan tenido que subir al carro treinta años más tarde—. Sintes, saxos, samples de todo tipo y con intención de que se noten. Videoclips impecables con comentarios del tipo ‘cada nuevo sencillo de Clubz se convierte en un trauma’. Temazos como Áfrika, Súper visión y Popscuro. Son todo muestras de la magia creativa que tiene la dupla. Normal que MTV y Nylon los reconocieran ya desde Texturas, su primer EP. Destellos (CANADA Editorial, 2018) sale este septiembre como muestra de su capacidad de creación y como registro de la madurez que Orlando y Coco han adquirido desde que empezaron, hace sólo cuatro años.

Por Nadia Dubikin.

Los mejores discos de septiembre. IVÁN FERREIRO – Cena recalentada

IVÁN FERREIRO – Cena recalentada (Warner Music, 2018)

¡Niñoooooos… a comeeeeeeeer!

Una de mis cenas recalentadas favoritas es el pulpo. Un plato muy gallego y mucho gallego. Casi tanto como Iván Ferreiro. Su último disco Cena recalentada (Warner Music, 2018) es una oda a Golpes Bajos, uno de sus grupos de referencia y que ha impregnado su trayectoria, tanto como Pirata como en solitario. Tanta oda es, que son 19 versiones en las que Iván reinterpreta a sus paisanos y se gana, una vez más, mi admiración. Porque cuando escuchas a Iván Ferreiro sabes quién es, pero sus melodías siempre sorprenden. Escucharlo es como un cuadro que cambia mientras lo observas o como el maldito río de Heráclito, el cual no podías cruzar dos veces porque tanto tú como el río habíais cambiado desde la primera vez que te habías metido en él. Pues este disco y sus temas igual, porque para empezar son covers y porque una vez que te han atravesado no vuelves a ser el mismo.

Por Carlota Purple.

Los mejores discos de septiembre. SUEDE – The blue hour

SUEDE – The blue hour (Suede Ltd, 2018)

Hola, soy tu banda sonora para este Halloween, de nada

Me gusta cuando las bandas se van de rave con sus promos y Suede se puso de todo antes de entrar en la reunión en la que decidieron cómo anunciar su nuevo trabajo The blue hour (Suede Ltd, 2018). No se si has visto las pildoritas, pero colarían perfectamente por promos de la nueva temporada de AHS y claro, el clip de Life is Golden, rodado muy cerquita de Chernobyl… me da la razón. Desvaríos a parte, The blue hour es un discazo, quince piezas para que bajes a tu pozo interior, escalón por escalón y te acomodes en su interior. Una pieza a la que quiero mirar como a un todo, precisamente por eso me cuesta decir ‘escucha esto’ o ‘escucha esto otro’, pero ahí voy. Don’t be afraid if nobody loves you es jodidamente tétrica, The invisibles es lo que pondría para recibir a mis invitados fantasmas en casa y Dead bird, a pesar de sus 26 segundos, no volveré a escucharla sola porque me da miedito. .

Por Carlota Purple.

Los mejores discos de septiembre. TOM PETTY – An american treasure

TOM PETTY – An american treasure (Reprise / WB, 2018)

Réquiem por un soñador americano

La muerte de Tom Petty fue un arañazo en pleno pecho. El exlíder de los Heartbreakers desapareció de forma amarga, sin previo aviso, dejándonos claro que el tiempo está pasando y se está llevando a todos aquellos ídolos a los que rezábamos los que no sabemos mucho sobre religión. Un año después, como en un acto quijotesco, desaforado y profundamente temerario, nace An american treasure (Reprise / WB, 2018) una especie de mastodóntico altar en el que refugiarse para escuchar los ecos de la voz que ya no está. 63 canciones sacadas de todas partes: remásteres de álbumes, descartes, directos, caras ocultas. Todo un retrato salvaje de un músico irrepetible, un espíritu errante teñido por la perpetua nostalgia de un tiempo en el que los sueños todavía parecían colocarse al alcance de la mano. Es posible que Petty ya no esté, pero esta enorme caja ha llegado para recordarnos una cosa fundamental: para todos aquellos que soñamos, y perdemos, y volvemos a soñar… su música siempre estará ahí para tendernos una mano amiga.

Por Adrián Viéitez.

Los mejores discos de septiembre. PAUL WELLER – True meanings

PAUL WELLER – True meanings (Parlophone Records, 2018)

La cara B del modfather

Solo ha pasado un año desde su último disco, pero llevo dando palmas de alegría pensando en este nuevo trabajo desde que salió en septiembre su making of. True meanings (Parlophone Records, 2018), el catorceavo LP de su carrera en solitario, es un disco íntimo, una ventana circular por la que observar a un Paul Weller diferente. No puedo decir que me guste más o menos que su época de The Jam, pero tengo que reconocer que sus canciones me queman. Catorce piezas planteadas con acústica, un perfecto acento británico servido en voz sentida y mucha menos floritura que dejan ver a un sexagenario que mira atrás y canta mientras reflexiona. Quizás si no sabes cómo era antes Weller, te recomiendo que escuches In the city (del disco homónimo de 1997) seguido por Movin’ on o Mayfly, trabajos de este nuevo disco.

* Pausa dramática para que escuches los temas *

¿Flipante, verdad?

Por Carlota Purple.

CONTTRA – 2050 (El Segell del Primavera, 2018)

Sudor en el escenario y en la pista de baile

El indie pop o indie rock -según quién escriba- de los barceloneses Conttra es una reivindicación del sudor. Para ellos en el escenario y para nosotros en la pista de baile tercio en mano. Con su nuevo EP de cinco temas, 2050 (El Segell del Primavera, 2018), pretenden demostrar que han llegado a un punto de madurez y encontrado su personalidad. En él, encontramos desde el enérgico Forecasted storm a temas como Hondarribia, con voces distorsionadas y un correcto punteo de guitarra que se mantiene durante todo el disco y nos ofrece ese punto animado y bailongo. Sin embargo, si bien es cierto que 2050 es un trabajo más redondo que su primer y homónimo álbum, está claro que esta joven banda aún tiene mucho más potencial que exprimir. 

Por Paula Margó.

Los mejores discos de septiembre. SATELLITE STORIES – Cut out the lights

SATELLITE STORIES – Cut out the lights (Playground Music, 2018)

5 misisipis

Septiembre es morriña. Es el blue Monday de los meses. Echas de menos a los gallegos que conociste en el Arenal, el pueblo, el verano… Las despedidas no son fáciles. Hay quien se aferra a abrazos de 8 misisipis. Otros sacan álbumes. Cut out the lights (Playground Music, 2018) es el Misisipi de Satellite Stories tras cinco discos y diez años sobre el escenario. El álbum nos traslada al indie de 2012. Un trabajo mucho más íntimo que, lejos de lo mainstream, los finlandeses quieren que los fans disfruten. Con él, The final story farewell tour, con fecha en Barcelona para el 20 de octubre en Razzmatazz. Me quedo Carried away por cómo rompe con la realidad. El rollazo de Sunglasses. Y el ritmo de Wild win, la mítica para finalizar un concierto, o una carrera.

Por María del Río.

Los mejores discos de septiembre. RAPSUSKLEI – Insano juicio

RAPSUSKLEI – Insano juicio (Eterno Miusik, 2018)

Rapsusklei y su insano juicio

Después de contemplar una portada y cerciorarnos que no estamos ante Natos y Waor, escuchamos el EP, Insano juicio (Eterno Miusik, 2018). Segunda ronda para reafirmar que tampoco estamos ante el rapero Shariff. Con una buena base, mucho flow y una lírica especial ya sí que sí: Rapsusklei. Sigue sin lanzarse con algo más largo y apuesta por nueve temas con dos interludios. Escuchamos mucho rap en Acapella, melancolía en Drama y alguna pincelada alegre, salvándonos así del rollo cortavenas, esta vez. Colaboraciones, muchas colaboraciones inéditas con las que nunca había cantado Don Diego como con El Niño de la Hipoteca. Y, también un tema, Desatando cabos con única y exclusivamente beatbox. Se masca un buen directo, sólo queda esperar.

Por Jessica Cobos.

Los mejores discos de septiembre. BLACK UHURU – As The World Turns

BLACK UHURU – As the world turns (autoeditado, 2018)

Pura Jamaica

Coronados en rojo, amarillo y verde, los reyes del reggae regresan a nuestros oídos con As the world turns (autoeditado, 2018), un álbum con un sonido más compacto y actual que todos aquellos que componen su discografía. Entre vientos, teclados y síncopas, Black Uhuru nos dan la bienvenida a su propio universo, entrando en un espectro de la vida donde todo fluye sin prisas, pero a ritmo constante. La producción de Mike Gener y Derrick Simpson le ha dado al álbum un toque pop y meloso. Temas como Stand alone se han transformado en baladas aptas para todo tipo de melómanos. El trabajo en los foros aportan una cuarta dimensión al disco, condimentándolo con sabor y elegancia jamaicana.

Imprescindible War crime, un corte de esencia única que hace de As the world turns un trabajo completo y redondo en el que perderse.

Por Blanca Olivella.

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Barcelona Acció Musical (BAM Festival) y Mercè Música, en imágenes

Indie, rock, pop, experimental, folklore, punk, jazz, electrónica, dance… multitud de estilos han arrasado en el Barcelona Acció Musical (BAM) 2018, el festival de la Mercè. Entre el 21 y el 24 de septiembre, más de 40 conciertos han intensificado las noches de la fiesta mayor barcelonesa, parte o no de la programación del festival de música, a los que han asistido más de 346.000 personas con ganas de escuchar a su grupo favorito o de desmadrarse un poco (o mucho). Con más de 20 años de trayectoria, el BAM se ha convertido en un referente cultural de talentos emergentes de Cataluña y de todo el mundo. Artistas y grupos procedentes de 13 países diferentes han protagonizado la presente edición.

La Rambla del Raval, la plaza Joan Coromines, la plaza dels Àngels o la Antigua Fábrica Damm han albergado algunos de los escenarios principales de esta Mercè, que ha cerrado con un balance de 1,3 millones de asistentes. Además, en motivo del 75 aniversario de la emblemática Sala Apolo, la Avenida Paral·lel ha incorporado un nuevo escenario por el que han pasado grupos como The Mani-las, el trío madrileño de rock y punk rock formado por Mariana, Maika y Olaia.

El 21 de septiembre dieron el escopetazo de salida artistas como los londinenses Korokoko y su ritmo afrobeat, y también de la capital inglesa actuó Maisha, sexteto de afrojazz espiritual. El grupo barcelonés Balago presentó su sexto trabajo de dance y música electrónica, El demà (Foehn Records, 2018), y la cantante y productora egipcia Nadah El Shazy también hizo lo propio con su nuevo trabajo. Igual que la francesa Erotic Market, que aprovechó la primera noche para presentar su nuevo álbum de R&B futurista: Queendoms (Mutant Ninja, 2018).

El segundo día de festival fue turno para los norteamericanos Akua Noru con su hip hop orgánico, del mismo estilo y asentado en Nueva York también acudió el dueto femenino Oshun, y del cantante de pop Bruno Pernadas. Los estadounidenses Mercury Rev aprovecharon la ocasión para celebrar los 20 años de su obra magna, Deserter’s song (V2 Records Benelux, 1998), en un homenaje acústico.

Los ingleses Warmduscher y su postpunk sacudieron la noche del 23 de septiembre, junto con la cantautora pop de Puerto de Santa María Marina Gallardo y la francesa Cléa Vincent con su pop con influencias de synth e incluso de ritmos tropicales. Side Chick, trio liderado por la cantante Maïa Vidal – autora de Our place, la canción para el espot de Estrella Damm del verano de 2015 – también animó la penúltima noche del festival.

La última actuación era de las más esperadas: Se trata del concierto de La Bien Querida, de la aclamada compositora Ana Fernández-Villaverde. El lunes también se pudo asistir al debut de La Plata. Estos jóvenes valencianos que abrazan el rock-pop traían un primer álbum bajo el brazo: Desorden (Sonido Muchacho, 2018).

El BAM (así como la paralela Mercè Musica) de 2018 finalizó dejando a parte de la ciudad – y de aquellos de otras localidades que no se lo quisieron perder – trasnochada, afónica, resacosa, cansada y al mismo tiempo relajada después del caos y de la fiesta.

Y a nosotros nos deja buen sabor de boca, por la calidad de los artistas, por las nuevas apuestas y por el afán de la organización por conseguir una paridad real en su oferta de conciertos.

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‘Yo fui a EGB’ anuncia nuevas fechas, entre ellas, Barcelona en febrero

Yo fui a EGB

Nunca la vuelta al cole había alegrado tanto a los alumnos de EGB. Antaño observaban con tristeza cómo mamá volvía a guardar el balón de Nivea, el parasol, la neverita y otros utensilios de verano. El deber llamaba: a los niños de los ochenta les tocaba desenfundar sus rotuladores Carioca y sus estuches Pelikan en septiembre. Pero este año es diferente porque el show Yo fui a EGB vendrá a Barcelona, Bilbao, Valencia, Zaragoza y, de nuevo, Madrid.

Las fechas de la gira son las siguientes:

  • 15 / diciembre / 2018 · Zaragoza (Pabellón Príncipe Felipe)
  • 26 / enero / 2019 · Madrid (WiZink Center)
  • 9 / febrero / 2019 · Barcelona (Palau Sant Jordi)
  • 23 / marzo / 2019 · Bilbao (Pabellón Bilbao Arena)
  • 11 / mayo / 2019 · Valencia (Auditorio Marina Sur)

A continuación la información:

Tras el éxito de la primera convocatoria del pasado mes de enero en el palacio de Deportes de Madrid (16.500 maduritos, nada menos), hoy se han anunciado nuevas fechas que llevarán a Yo fui a EGB a las principales ciudades de nuestra geografía, entre las cuales se encuentra Barcelona.

La presentación de ese primer show en Madrid ha corrido a cargo de Carlos Latre – actor, humorista y maestro de ceremonias de todas las galas -, de Jorge Díaz y Javier Ikaz – creadores de esta comunidad que ha ido evolucionando hasta convertirse en el macro evento que es hoy -, de Toni Peret, Jose Mª Castells y Quique Tejada – el dream team de la música dance y los creadores de míticas sagas de discos como Max mixquina total, Lo + duroBolero mix, entre muchos otros.

Durante la misma, se han presentado los artistas confirmados hasta el momento en cada ciudad. Ya sabemos que contaremos con las actuaciones de grandes estrellas internacionales como Samantha Fox, Spagna, Desireless, Katrina & The Waves, Pino D’Angio o Ricchi e Poveri.

Y, por supuesto, nacionales: Ana Torroja cantando sus grandes éxitos y los de Mecano, Javier de Los Pecos, Nacha Pop, La Unión, Obk, Ole Ole 2.0 con Vicky Larraz, Seguridad Social, Danza Invisible, Azul y Negro, La Frontera, La Guardia, Miguel Costas de Siniestro Total, Tennessee, Los Toreros Muertos, The Refrescos, Viceversa y muchos más.

Todo ello combinado con unos fantásticos shows que evocarán los personajes y películas más míticos de esta época como Dirty dancingGrease, Michael Jackson o Queen.

¿Cómo surgió la gira de Yo fui a EGB?

El fenómeno Yo fui a EGB comenzó como una página de Facebook creada en 2010 por Jorge Díaz y Javier Ikaz, que se convirtió en tiempo récord en una comunidad donde toda una generación encontró el lugar ideal para compartir sus recuerdos y arrancar unas sonrisas.

Sus autores vieron la necesidad de crear un blog en 2012 cuyo éxito desembocó en la publicación en 2013 del primero de los cuatro libros y una agenda de la saga Yo fui a EGB de los que han vendido más de medio millón de ejemplares, además de un juego y un disco.

Pero es en 2018 cuando por primera vez se organiza una gran quedada para verse las caras y disfrutar juntos de un macro evento que llenó el WiZink Center de Madrid y nos hizo bailar, reír y devolvernos la magia de los años vividos. Es tal el éxito de esta quedada que en este curso queremos repetir y es por eso que Yo fui a EGB sale de gira.

Yo fui a EGB
Ana Torroja
Yo fui a EGB
Yo fui a EGB en WiZink Center de Madrid

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Què veure al Festival BAM i Mercè Música 2018

Festival BAM

Arriba el Festival BAM i Mercè Música, una de les cites musicals més importants de la ciutat amb 135 bandes provinents de 19 països que ho avalen.

Un dels punts més destacables d’aquesta edició ha sigut l’esforç de l’organitzacio, amb Marc Campillo al capdevant de la programació del BAM, per incloure de manera quasi paritària formacions amb presència de dones dalt dels diferents escenaris. També ho és l’homenatge al Paral·lel que comptarà amb un nou escenari a càrrec de la Sala Apolo que conmemora el seu 75è aniversari. I per últim, amb Lisboa com a ciutat convidada a les Festes de La Mercè 2018 comptarem per una banda amb La nit de fados de Mercè Música, i per altre, la segona edició del Portugal alive dissabte 22 a la Pl. Joan Coromines dins del marc del Festival BAM.

Amb tot, aquí us deixem amb una llista de les nostres recomanacions.

Mercury Rev

Era el 1998 i, després d’uns inicis turbulents, amb canvis a la formació i un èxit que no acabava d’arribar i que amenaçava la seva supervivència, els nord-americans Mercury Rev publicaven la seva obra magna, Deserter’s Songs, un àlbum bellíssim a mig camí entre el pop orquestral i el dream pop grandiós, bastit sobre melodies tan senzilles com cançons de bressol, que va capgirar la seva fortuna i que aquest 2018 compleix 20 anys. Com que es tracta d’un disc icònic, en l’era de la retro mania i la nostàlgia hem tingut oportunitats més recents de sentir-lo en viu en tota la seva plenitud. Així que, per celebrar-ne l’aniversari, el grup proposa recuperar-lo ara en un format més íntim i acústic, amb el xiuxiueig i el rascat amb què va néixer.

Mercury Rev
Diumenge 23, Pl. dels Àngels 21:45h.

Nathy Peluso

Nathy Peluso, una argentina establerta a Madrid, va tancar el 2017 proclamada una de les sensacions de la nova onada del hip-hop espanyol, gràcies a l’EP Esmeralda, amb el seu rap de tall clàssic vestit amb una producció més contemporània, pròxima al trap. Però poc ens imaginàvem aleshores, quan admiraven el seu “Corashe” —un rap espaterrant descarnat amb accent argentí que és pur poder, un cop de puny a la boca de l’estómac dels covards que no s’atreveixen a estimar—, que el 2018 la veneraríem com La sandunguera, nom del seu àlbum de debut, autocoronada reina del soul-jazz llatí, teatral, ploranera, temperamental, pur sabor, com Lauryn Hill menjant pizza, com Chavela Vargas reencarnada en millennial o Princess Nokia disfressada de Carmen Miranda. Ella no vol fer música urbana: vol fer música de qualitat.

Nathy Peluso
Diumenge 23, Escenari Apolo 1:00h.

Masego

Va néixer a Jamaica, com el seu pare, però és als Estats Units, d’on és la seva mare, on va créixer aquest artista de nom sud-africà (Masego vol dir ‘benedicció’ en tswana). També podríem dir que va néixer a YouTube, que és on Micah Davis, el seu nom real, es va estrenar com a músic penjant vídeos –va arribar a penjar 10.000 hores– en què afegia saxo i teclats a beats de música urbana i house futuristes pispats de SoundCloud i recreats amb caixa de ritmes. Sembla que al principi ho va fer per impressionar una noia, però va acabar cridant l’atenció de productors com Kaytranada, Sounwave i Jazzy Jeff. El seu àlbum de debut, Loose thoughts (2016), l’EP The pink polo (2016) i el parell de singles que va publicar el 2017 sumen desenes de milions d’escoltes. Ell es refereix a la seva música com trap house jazz.

Masego
Dissabte 22, Pl. dels Àngels 23:15h.

Ferran Palau

Fa anys que Ferran Palau acumula mèrits per ser considerat una de les veus més importants del pop d’autor de casa nostra: primer, compartint el lideratge, la com- posició i la veu d’Anímic amb Louise Sansom; però, des del 2012, quan va publicar L’aigua del rierol, també al capdavant d’un projecte personal cada vegada més sòlid, com han demostrat Santa Ferida (2015) i, sobretot, Blanc (2018). Sempre amb la complicitat del productor Jordi Matas (Seward), mà dreta i membre de la banda que l’acompanya en viu i que completen Joan Pons i Dani Comas, d’El Petit de Cal Eril, Palau ha vestit les seves lletres metafísiques –tan hàbils a l’hora de fer diana en la seva inconcreció– amb un so contemporani que l’apropa a l’avantguarda del pop. Tot i res.

Ferran Palau
Diumenge 23, Pl. Joan Coromines 21:00h.

Balago

És difícil pensar en un títol millor per a un disc de Balago que el que han triat per al seu sisè àlbum, que arriba 17 anys després del de debut, Erm (2001), i cinc després de Darder (2013), el seu celebrat darrer llançament fins a la data. El demà (2018) resumeix perfectament l’esperit del projecte de David Crespo, un nom que remet al caràcter sempre avantguardista, però sense estridències, d’una proposta d’electrònica ambiental a mig camí entre la programació electrònica i l’obsessió analògica. El demà que auguren les textures boiroses de Balago no ens fa esperar el futur amb gaire il·lusió: més desesperat que melancòlic, més angoixant que contemplatiu. Però sí que promet un directe emocionant que a estones ens recordarà Brian Eno, Harold Budd i Arvo Pärt, i també (uh-oh) John Carpenter, Angelo Badalamenti, Burial i Forest Swords.

Balago
Divendres 21, Pl. Joan Coromines 21:00h.

Pongo

Estalvieu-vos la broma, perquè a Pongo sí que sabríeu on posar-la: la tindreu allà on ella vulgui desplegar el seu híbrid de kuduro amb EDM, bass music, dancehall i pop melòdic, una renovació del gènere en clau d’R&B contemporani. Nascuda a Angola i crescuda a Lisboa, on la seva família es va exiliar fugint de la violència del seu país, va ser a la capital portuguesa on va entrar en contacte amb l’escena del kuduro, el ritme angolès que ha conquerit el clubbing europeu, gràcies sobretot als portuguesos Buraka Som Sistema. Va ser aquesta banda qui va descobrir Pongo i se la va emportar de gira per festivals de tot el món. Però ara és hora que ella i les seves cançons, que compon mesclant les seves arrels africanes amb música urbana i sensibilitat pop, emprenguin el vol.

PONGO
Diumenge 23, Rambla del Raval 1:00h.

Batuk

Batuk mostra com el house pot servir per connectar la diàspora africana a través de la cultura del ritme. Són el productor i raper sud-africà Spoek Mathambo i la cantant i performer sud-africana d’origen moçambiquès Carla Fonseca, àlies Manteiga. El pro- jecte va néixer com una manera de connectar l’afrohouse amb la música de tradició angolesa, fent servir el ritme com a fil conductor entre la música de ball de Sud-àfrica, Moçambic, el Brasil, Portugal, Uganda, el Congo… Però la voluntat panafricana que recollia Musica da Terra (2016), l’LP de debut de Batuk, ha mutat en un homenatge a la música amb què van créixer a la seva Sud-àfrica natal a Kasi royalty (2018): kasi és, en afrikaans, l’argot per referir-se als guetos als quals es va traslladar la població no blanca durant l’apartheid. El resultat és una mescla ballable d’electrònica, ritmes urbans i R&B contemporani.

Batuk
Divendres 21, Rambla del Raval 1:00h.

Ammar 808

El 808 del seu nom fa referència al Roland TR-808, la icònica caixa de ritmes que va revolucionar la música electrònica als vuitanta i amb la qual AMMAR 808 exploren les freqüències més baixes. Beats ferotges i agressius i tres veus magribines —tres cantants d’Algèria, Tunísia i el Marroc— arrodoneixen aquesta proposta de ritmes panmagrebins que dóna una volta de rosca tant a l’electro chaabi com al rock del desert. Maghreb united (2018), el seu àlbum de debut, és una reinvenció radical i electrònica de la música nord-africana, que busca unir folklore, mitologia i futurisme i que combina el so distorsionat del guembri (similar a la guitarra), la gasba (una flauta) i la zokra (un sac de gemecs) al servei de temes que sorgeixen de les profunditats de la tradició musical del Magreb, tan rica i tan diversa, però alhora amb tants punts en comú.

AMMAR 808
Dissabte 22, Rambla del Raval 1:00h.

Warmduscher

Són una colla de friquis, sense que això vulgui ser una desqualificació sinó una descripció objectiva. I, si no, doneu un cop d’ull al delirant videoclip de The sweet smell of Florida –una mena d’híbrid entre David Lynch i Little Britain que comença quan tres noies són convençudes per assistir a la pitjor de les barbacoes– i després en parlem. Tot i la iconografia ianqui que despleguen (camises amb barres i estrelles, barrets de cowboy), Warmduscher no són de Florida ni de cap dels dominis de l’Oncle Sam: són britànics i entre les seves files hi ha membres de The Fat White Family, amb els quals comparteixen (a banda de personal) vocació pel rock experimental i un sentit de l’humor excèntric de gust dubtós.

Warmduscher
Diumenge 23, Pl. Joan Coromines 24:00h.

Side Chick

Maïa Vidal es va donar a conèixer al gran públic quan va compondre la cançó per a l’espot d’Estrella Damm de l’estiu del 2015, però aquesta nord-americana ja feia temps que es feia sentir a l’escena subterrània de Barcelona, amb el seu folk-pop acústic lluminós, des que el 2011 va publicar God Is My Bike, l’estrena del projecte que porta el seu nom i cognom. Ara, però, torna a les seves arrels més contundents –el punk del seu primer grup, les versions de Rancid que feia com a Your Kid Sister–, amb el trio elèctric de guitarra, baix, bateria i sintetitzador, d’inspiració glam rock Side Chick. El grup, sorgit a Barcelona entre matches a Tinder –o això afirma el trio–, ens permet descobrir una cara que fins ara no coneixíem de Vidal, més sorollosa i descarada.

Side Chick
Diumenge 23, Antiga Fàbrica Estrella Damm 21:15h.

La Plata

Tenen poc més de 20 anys, però aquest quintet valencià evoca el pop sintètic fosc d’aquella “nova onada” dels anys vuitanta, punt de partida, precisament, de la moguda valenciana que posaria el litoral mediterrani al mapa de l’avantguarda pop i la cultura de club internacional, abans de les paelles als pàrquings i tots els altres clixés de la ruta del bakalao. Al voltant de les cançons de Diego Escriche, els de La Plata agafen aquell bagatge, el pugen de revolucions i l’esquincen amb guitarres intenses no gaire allunyades de les de Triángulo de Amor Bizarro, amb qui coincideixen en el productor Carlos Hernández, que ha treballat amb ells en l’EP Un atasco (2017) i l’LP de debut, Desorden (2018). Teenage angst de vint anys amb una de les sensacions del pop independent peninsular de la temporada.

Autosave-File
Dilluns 24, Antiga Fàbrica Estrella Damm 19:00h.

Seun Kuti & Egypt 80

Fill d’un mite de la música africana, des que tenia nou anys el jove Seun Kuti de- manava al seu pare poder cantar amb ell i ho va aconseguir poc abans que Fela Kuti morís de manera prematura l’any 1997. Poc s’ho pensava, que li tocaria omplir el buit que havia deixat el seu pare a la formació que liderava, Egypt 80. Ho va fer mentre es mantenia fidel a les consignes socials i polítiques d’un artista compromès que havia barrejat sons ioruba amb el jazz i el funk. Seun Kuti ha continuat aprofundint en les tradicions musicals africanes i les ha portat als temps actuals per explicar, en els seus discs, les lluites que viu el continent. I ho fa amb la formació del seu pare, produint treballs com Black Times, editat aquest 2018.

Seun Kuti
Divendres 21, Moll de la Fusta 1:30h.

Flamingo Tours

Una cara i una veu que sovint hem vist en territoris jazzístics ara lidera un projecte que té tant de rock com de blues, amb una mica de soul i unes notes de rhythm’n’blues. Us parlem de Myriam Swanson, que ha estat la veu dels Mambo Jambo en les conegudes Taboo Burlesque Nights de la Sala Apolo i que ara té banda pròpia, en el projecte musical més personal de tots els que passeja pels clubs barcelonins. Fa poc ha publicat nou disc, Lucha Libre, una excursió als deserts de Nou Mèxic amb parada en un ring de lluita lliure.

Flamingo Tours
Dissabte 22, Pg. Lluís Companys 00:30h.

La Bien Querida

La Bien Querida, una de les millors compositores de cançons sorgides a la Península en aquest mil·lenni, porta l’herència de la cançó lleugera romàntica ibèrica al seu terreny de pop sintètic emparentat amb el dels vuitanta. Ningú no canta tan bé al desamor com Ana Fernández-Villaverde: ho va demostrar al fosquíssim Premeditación, nocturnidad y alevosía (2015) –bé, li fa la competència el seu amic J, de Los Planetas, un altre músic que beu tant del rock independent com de la música d’arrel espanyola–. Però amb Fuego (2017) ens ha recordat que això no és incompatible amb pujar la temperatura.

La Bien Querida
Dilluns 24, Antiga Fàbrica Estrella Damm 17:45h.

Love of Lesbian

El passat 2017, Santi Balmes i els seus músics van celebrar els vint anys que fa que són dalt d’un escenari i, vista la quantitat d’escenaris des d’on els reclamen, també ho han continuat fent aquest estiu. La Mercè serà una molt bona oportunitat per escoltar la formació repassant una discografia plena de cançons brillants, lletres de qualitat literària i una voluntat clara d’explorar territoris nous sempre que poden. Cita imprescindible amb una banda indie que, a força de reinventar-se constantment i d’escapar al hit més fàcil, s’han convertit en una de les més estimades d’aquesta escena musical.

Love of Lesbian
Dissabte 22, Platja del Bogatell 23:30h.

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Nos metemos en la mente de Ezra Furman con este relato musical

En la mente de Ezra Furman | ilustración © Andreea Dragomir

Escucho mi propia voz detrás de la puerta mientras apuro mi vaso en el balcón de casa de Coleman. Agradezco que dentro todos estén demasiado borrachos para reconocer mis aullidos después del primer estribillo de Never home again.

No quiero que nadie se acerque y me grité al oído algo como ‘¿cuánto ha pasado desde la primera vez que te oímos tocarla en el Maude’s?’. Sería el tipo de pregunta que llevaría a otras preguntas. Cualquier posible respuesta ya suena en mi cabeza como acordes graves sobre mi voz aguda. Lo típico de cuando te cuesta reconocer que estás perdiendo. ‘Quizá, aunque ella quiere quedarse’. ‘Tengo alguna cosa nueva pero es complicado sacar otro disco’. ‘No, ahora mismo no sé lo que voy a hacer en los próximos meses’.

Pienso en mi plan para las próximas horas. Puedo quedarme aquí viendo apagarse las luces en las ventanas de mis antiguos vecinos mientras espero a que la nostalgia clave sus dientes en mi pecho. O puedo marcharme y caminar hasta el nuevo Granary confiando en que los poetas de turno solo hablen de política y redes sociales. Sé que esta no será una de esas noches en las que acabaré confesándome ante una cara desconocida y a cada segundo más familiar. La vista de la ciudad desde este barrio donde nunca crecimos, con ese aire irreal que tienen las cosas que ya no nos pertenecen, me hace sentir a salvo, lejos de todo lo que normalmente me mantiene despierto. Dentro, sin embargo, me cuesta creer que esta fue alguna vez mi casa.

Cole ha cambiado los sofás varias veces y parece que he agotado una de mis vidas desde la última noche que dormí aquí. No conozco mucho a sus nuevos amigos aunque todos parecen estar al corriente de todo. Algunos me miran como queriendo dejar claro que saben quién soy y que no me gustaría escuchar su opinión sobre mi último EP. Poco antes de llegar alguien me ha interceptado para preguntarme qué se sentía al telonear a Tillman. Le he contestado sin mirarle mientras avanzaba a través del salón en busca de algún rostro conocido. Quizá solo de alguien que me ofreciera un vaso sin juzgar mi voz astillada y mis ojos cansados. Fue un honor darle tiempo a que le bajara el subidón con el que había llegado. Ha sonado como lo más honesto que podría decir esta noche.

Sobre esta hora Annie estará llegando a casa, exhausta de pedalear desde Greystone después de cenar algo rápido en la oficina. Hace tiempo que no me importa verla solo por las mañanas y que ya no vayamos a las mismas fiestas. Pero no me atrevo a reconocérselo. No quiero que sepa lo mucho que aborrezco la vuelta a casa después de las últimas giras. Casi tanto como que ella aborrece encontrarme por las tardes en el sofá, absorto en el zumbido de los cascos, y tener que fingir que confía que lo que hago me dará dinero un día de estos. A veces el único milagro que puedes esperar es una huida temporal, como cuando antiguo amigo te escribe para decirte que cumple 31 en la otra punta de la ciudad.

Cole me ha dado las gracias por venir. Por un momento ha sonado fuera de esa nube de sarcasmo en la que vive desde que lo hicieron fijo en Buzzfeed. Una chica con muchos tatuajes y aspecto de estudiante de primer año de fotografía bailaba alrededor de él como si quisiera hacerle creer que era parte de un sueño. Supongo que llevarán una semana saliendo. Eso si no se vieron anoche por primera vez en alguna inauguración u otro de esos eventos donde todo el mundo es amigo de todo el mundo pero nadie conoce a nadie. Apenas hay luz en el piso y el aire está tan cargado como en los bares cerca del campus donde íbamos cuando ya éramos demasiado mayores para pasar por universitarios. Viendo su expresión adormecida mirando bailar a la chica me he preguntado si todavía conozco a Cole.

Pensaba en marcharme cuando he recordado que Riley estaría aquí. Hace poco que Cole contó lo de su traslado. Nombró una ciudad en el hemisferio sur, puede que en Nueva Zelanda. Me vino a la cabeza un paisaje con playas escondidas y carreteras desiertas, el lugar ideal donde perderte para siempre. Intenté contar las veces que había pensado en llamarla cada vez que volvía a la ciudad después de un tiempo girando. De pronto sentí que ya no podía echarla de menos. La he encontrado en la cocina descorchando una botella, con esa expresión inquieta de quien no sabe por qué necesita un trago. Al verla he intentado integrar su imagen con el ruido aleatorio que llegaba desde el salón y el balanceo lento pero constante del alcohol en mi cabeza. Quería pensar en ella como en alguien con quien puedes hablar una noche sin pensar si os habéis visto antes o si esperas verle a la mañana siguiente. ¿Cómo estás?, le dije en un intento cobarde de actuar como si hubiéramos hablado algo desde los últimos años.

Riley me ha mirado abriendo mucho los ojos, como exagerando su asombro para desenmascarar mi engaño. No ha sido necesario fingir que todavía éramos amigos.   Bien. Ha dicho, acercándose para llenar mi vaso. Y preocupada por Cole. ¿Crees que piensa envejecer así?

Supongo que ahora mismo puede permitirse no envejecer nunca, contesté. Y se me ocurrió que quizá era eso lo que celebrábamos esta noche, la inmunidad de Cole y sus amigos a la crisis de los treinta.

Ella parecía estar pensando lo mismo. ¿Y tú, qué es lo que piensas hacer?, preguntó. Sonó con cierto tono inquisitivo, como recién acabado el instituto, cuando cualquier respuesta parecía posible pero ninguna demasiado importante. He intentado imaginar lo que contestaría con diecisiete años. Pero Riley tiene una de esas caras que exigen la verdad. Y esta noche me ha hecho reconocerla en voz alta: Escapar de aquí. Quizá en un rato. Quizá nunca vuelva.

Me ha sonreído cansada mientras yo la seguía hacia el balcón. Nunca has hecho otra cosa desde que te conozco.

Vacío mi vaso de golpe. Esta noche la verdad es como una mancha de vino horrible que se extiende desde tu pecho y trepa tu cara y te hace sentir miedo de mirar a otra persona porque sabes que es posible que vayas a mentirle. Y entre tanto la otra persona actuará como te creyera cuando le dices cosas como ‘te echaré de menos’. Ella me cuenta sobre su trabajo en Auckland. Intento escucharla pero no dejo de recordarla todas las veces en este mismo sitio, bebiendo y fumando hasta muy tarde y quejándose de que nunca encontrará su hogar. Quiero invocar el dolor de aquellas noches en las que podía sentir miedo al ver mi vida alejarse; como cuando te quedas inmovilizado, contemplando en silencio cómo la mujer más guapa que jamás has visto camina por la calle, distanciándose de ti, sin valor, por supuesto, para hacer nada al respecto.

Una y otra vez me fuerzo a recordarla, como si quisiera entrar en trance. Ella vuelve a llenar mi vaso unas cuantas veces más. Está feliz hablando de sus próximas navidades en la playa. Me obliga a mentirle sobre la posibilidad de conseguir un contrato tan bueno que me lleve a tocar al otro lado del mundo. Tengo la sensación de que hemos pactado no decir nada acerca de lo que hemos hecho en los últimos años. Quiero despedirme con un abrazo tembloroso pero fuerte, dejar un mensaje en su cuerpo que la haga regresar tarde o temprano. Pero la idea de no volver a verla no me asusta. O no tanto como descubrir que conocerla no me ha dejado marca. Sigo buscando esa marca cuando ya se ha ido.

Al cabo de un rato escucho mi aullido desde dentro de la casa. Me sorprende que Cole todavía me guarde en sus listas de reproducción. No me imaginaba Never home again sonando precisamente aquí y ahora. No es una de las mejores que he escrito, pero no me cuesta reconocerme en ese estado, con esas ganas de hacer algo drástico si no me dejan irme.

Y de pronto he dejado que mi voz me invada. Estoy aullando por dentro con esa mezcla única de angustia, rabia y decisión que se destila en un concierto de punk. Escucho mis palpitaciones como si mi corazón estuviera conectado a un amplificador. Mi apatía se desprende como una costra antes de que la herida se haya curado. Esta noche no me escucho como un fantasma postadolescente reprochándome lo grande que podía haber sido, sino como el mismo fugitivo que sigo siendo. Y todo porque sé que volveré a hacerlo. Volveré a escaparme, quizá en un rato. Quizá regrese de vez en cuando. Termino el vaso justo cuando la canción acaba. Ese último rastro de Riley que termina de quemarme en el pecho es como lo más parecido a regresar a casa.

Imagen de portada © Andreea Dragomir

A continuación la canción que ha inspirado este relato:

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Isabel Marqués

Veintitantos. Intento continuo de crítico cultural. Me mudé a Londres porque eso es lo que haces cuando tienes un título en filología, una obsesión por el estilo urbano y ganas de pasar hambre a cambio de buenos conciertos de cuando en cuando.

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Andreea Dragomir

Hice mi primer curso de dibujo cuando tenía cinco años. Ahí comenzó mi camino. Años después me doy cuenta de que no podría haber sido más bonito. Soy diseñadora gráfica y tengo un bebé, la marca Meraki Design, que ilustra tradiciones.

Los mejores discos de julio-agosto

BLOOD ORANGE – Negro swan

¿Ya es septiembre? La vuelta a la rutina a veces, casi siempre, a ver, siempre, puede ser como una bofetada en la cara. Tanto que quizá ahora mismo te estés preguntando si realmente has ido de vacaciones o lo has soñado todo. Pero hay algo positivo en todo esto: Puedes seguir soñando gracias a nosotros. Como todos los meses te traemos una selección de los mejores discos nacionales e internacionales. Dale al play y déjate llevar.

Si esta lista no es suficiente puedes consultar las de enerofebreromarzo, abril, mayo y junio

INTERPOL – Marauder

INTERPOL – Marauder (Matador Records, 2018)

Interpol ha sacado disco. No, no la poli, la banda

Interpol tiene algo que siempre me mola, independientemente de lo que hagan, es uno de los pocos elegidos que se salva del ‘cuando empezaron eran mejores’. Quizás es por el rollete Joy division-Sonic Youth que se gastan. Quizás sea ese ‘me suenan a algo, pero no sé a qué porque me suenan ellos mismos’. O quizás solo sea yo enamorada de otro grupo. Sea por lo que sea, Marauder (Matador Records, 2018) me suena a gloria. Trece temas que incluyen dos interludios épicos de poco más de un minuto y abren la puerta a diferentes capas del disco. No sé como lo sentiréis vosotros, pero me encanta cuando siento que los artistas han pensado el por qué del orden de las canciones y tíos, la décima pista del disco se llama Number 10, ¿coincidencia?, no lo creo. Así que nada de escuchad esto o lo otro, dale a play y déjate llevar.

Por Carlota Purple.

ANIMAL COLLECTIVE – Tangerine Reef

ANIMAL COLLECTIVE – Tangerine reef (Domino Recording, 2018)

Corales de colores

Un coral verde y un fondo negro. Sus múltiples tentáculos oscilan acariciados por un mar y una canción. Pero a mí me parece que se escucha el ruido que emiten las burbujas. Y luego está la voz de Avey Tare que comienza a sonar, pero como si estuviera en un segundo plano. Él ha compuesto junto con Geologist y Deakin el segundo álbum audiovisual de Animal Collective: Tangerine reef (Domino Recording, 2018). En su décimo trabajo la imagen y la melodía cobran protagonismo en un conjunto experimental y psicodélico que invita a la reflexión: a través de imágenes entrelazadas de corales en movimiento, de distinta forma y color, narra la devastación del planeta por el cambio climático, representada a través de los corales, especie vulnerable a las variaciones de temperatura pero, a la vez, sustento de muchos ecosistemas marinos.

Por Anna Martín.

THE JAYHAWKS – Back Roads and Abandoned Motels

THE JAYHAWKS – Black roads and abandoned motels (Legacy / Sony Music, 2018)

Ese viejo sonido del verano que se acaba

Adentrarse en los mundos de The Jayhawks es viajar a la última noche de aquellos veranos que todavía lo eran, que significaban algo, que no eran esa conjunción asfixiante entre calor, vacío y prisas en la que se convierten a partir de cierta edad. Como cantaban en uno de sus grandes éxitos, su música debe guardarse para los días de lluvia, para recordar entonces cómo flotaba en el aire aquella sensación de libertad, en ese instante en que la tarde se desploma y la brisa te acaricia y te preguntas si no será eso de lo que la gente habla cuando se refiere a esa cosa extraña de ser feliz. Black roads and abandoned motels es un álbum que certifica cosas: la primera, que el regreso de The Jayhawks, adelantado por Mockingbird time en 2011 y reivindicado por Paging mr. Proust en 2016, es algo más que un acontecimiento eventual. La segunda, que su sonido sigue allí, anclado en aquella época en la que los veranos todavía morían, porque aún no habían dejado de existir.

Per Adrián Viéitez.

DEATH CAB FOR CUTIE – Thank You For Today

DEATH CAB FOR CUTIE – Thank you for today (WEA, 2018)

Evolución disimulada

Un gran placer de ser millennial es poder nombrar a Death Cab for Cutie como grupo trascendental en mi adolescencia. Igual por eso no puedo despreciar ninguno de sus álbumes. Siempre acompaña el factor de que su evolución es notoria pero no demasiado exagerada. Canciones del nuevo disco como Autumn love recuerdan todavía a la época de Codes and keys (WEA, 2011). Ben Gibbard mantiene letras melancólicas y melodías encantadoras a pesar de la marcha de Chris Walla, y la eléctrica presencia de Rich Costey como productor se nota mucho en temas como I dreamt we spoke againThank you for today (WEA, 2018) es un disco fuerte, puede que el mejor de DCFC en estos años.

Por Nadia Dubikin.

ALICE IN CHAINS – Rainier fog

ALICE IN CHAINS – Rainier fog (BMG, 2018)

Un café, un paraguas y un doctor macizo

Empecemos por la teoría, que sé que es lo que os interesa para fardar de entendidos en el botellón: Rainier fog (BMG, 2018), el sexto álbum de estudio de Alice in Chains, le debe su nombre bucólico a Seattle, ciudad famosa por su lluvia, por el Starbucks y por el Seattle Grace Hospital, centro en el que ocurren los amoríos de Anatomía de Grey. Metal mezclado con grunge mezclado con algo que te obliga a escuchar sus diez temas en bucle. Puede que porque hace cinco años de su último disco o porque son los j**idos Alice in Chains no soy capaz de encontrar pegas. Desde la ilustración de la carátula a sus singles de presentación The one you know y So far under pasando por cada uno de los otros ocho temas. Me parece un trabajo redondo.

Porque… ya sabéis… los discos… son redondos… je.

Por Carlota Purple.

THE KOOKS – Let’s go sunshine

THE KOOKS – Let’s go sunshine (Lonely Cat, 2018)

Volver, pero sin Pe

No hay mejor sensación que descubrir un grupo nuevo. En el bar de moda de tu ciudad y alguna birra de más. Y mientras piensas en hacerte presidenta de su club de fans, escribes a tu amiga ‘tía, escucha esto’. Recuerdo cuando descubrí a The Kooks. Por aquel entonces tenían dos LP. Y los fandoms en Twitter de las boybands efervescentes, dejaban atrás los zumbidos del Messenger. Qué hype. Bien. A lo importante: Los de Brighton han sacado su quinto álbum de estudio: Let’s go sunshine (Lonely Cat, 2018). Un trabajo que vuelve a sus inicios. Con temas como Picture frame, escrito durante su debut con Inside in / inside out (Virgin Records, 06). En su línea indie, compuesto de catorce temas precedidos por una intro de 21 minutos. Me quedo con los punteos en All the time y con el cambio de mood de Pamela.

Por María del Río.

THE CORAL – Move Through The Dawn

THE CORAL – Move through the dawn (Ignition Records, 2018)

Eco ochentero

Lo ecléctico regresa, una vez más, gracias al nuevo trabajo de The Coral, Move through the dawn (Ignition Records, 2018), que llega dos años después de publicar su último álbum de estudio: Distance inbetween (Ignition Records, 2016). Ecléctico porque la banda inglesa es experta en mezclar, suave y sin brusquedad, maravillosos sonidos e incluso décadas, devolviéndonos con este disco a aquellos maravillosos finales de los setenta y principios de los ochenta. Lo hace serenamente y fácil al oído, incorporando desde pianos a vientos, o pasando por baladas acústicas. La adrenalina en cortes como Sweet release junto a los temas más bailables y pegadizos como Strangers in the hollow o Outside my window forman un vórtice al pasado. Pero sin perder de vista en ningún momento 2018.

Por Blanca Olivella.

LORI MEYERS – 20 años, 21 canciones

LORI MEYERS – 20 años, 21 canciones (Universal, 2018)

Veintiún temas para celebrar dos décadas

Tendemos a recopilar el pasado para ver de dónde viene uno y adónde va. Algo así ha hecho Lori Meyers para soplar sus 20 primeras velas. En este tiempo los de Granada han variado su forma pasando de cuarteto a trío y han sonado a indie rock y a funk, pasando por las reminiscencias sixties españolas. Pero en 20 años, 21 canciones (Universal, 2018), lejos de ser un doble disco de grandes éxitos al uso, la banda ha dejado que 21 amigos escojan su canción favorita para ofrecer una humilde síntesis personal de estas dos décadas. De ahí que falten nostálgicos himnos como Luciérnagas y mariposas o Mujer esponja. Lo único reseñable es la cara B del disco, que contiene prematuras maquetas, alguna versión –como la de Esperando nada, de Antonio Vega– y hasta cuatro temas inéditos –del que sobresale Mangosta.– Un disco para aquellos seguidores que no perdieron en el camino tras las fluctuaciones de estilo. Quizás también para poner en órbita a aquellos fans que los acaban de descubrir. Si los recopilatorios son para rememorar viejas glorias, este álbum sirve sólo para evidenciar que Lori Meyers están cogiendo impulso para seguir sonando 20 años más.

Por Inés Calero.

MILES KANE – Coup De Grace

MILES KANE – Coup de grace (Virgin, 2018)

Yo solo quería ser uno de los Arctic Monkeys

La frase que abre el último disco de los Arctic Monkeys resulta reveladora por el contexto al que devuelve al grupo. ‘Yo solo quería ser uno de los Strokes’, canta Alex Turner en Star treatment. Algo similar debe ocurrirle a Miles Kane, antiguo líder de The Rascals y, desde hace ya una década, compañero de viaje de Turner al frente de The Last Shadow Puppets. En el que es su tercer disco en solitario, Kane reivindica las líneas comunes que traza con el vocalista de los AM, convirtiéndose una vez más en la otra cara de esa misma moneda, aunque preservando algo de ese aroma rockero que Alex Turner ha desechado por completo para Tranquility base hotel & casino (Domino Records, 2018). Coup de grace (Virgin, 2018) te salta al cuello con Too little too late y Cry on my guitar, para después sumergirse en ese territorio rockabilly que Miles Kane explora con la comodidad suficiente como para engendrar canciones de la contundencia del tema que da título al disco. Él solo quería ser uno de los Arctic Monkeys. Al final ha resultado ser un gran artista.

Per Adrián Viéitez.

GABRIELLE – Under my skin

GABRIELLE – Under my skin (BMG, 2018)

Vibra positiva i nostàlgica

Gabrielle ha tret el seu primer treball després d’onze anys. La cantant anglesa, que va trobar la fama amb la cançó Dreams a 1993, ha tornat amb Under my skin (BMG, 2018): un repertori de dotze cançons que juguen entre el passat i el present en un mix d’estils com el soul-pop, el blues, l’urban i el R&B. Under my skin és un àlbum que emana positivitat en cadascuna de les seves peces, com Young and crazy i el seu ‘turn your dark nights into sunshine’. L’artista també parla d’amor, d’aprendre a ser fort a partir dels errors i d’allunyar-se quan toca, amb un deix de nostàlgia. Amb aquest treball i al retorn de Gabrielle, The Guardian diu: “Sembla com si mai no hagués marxat”. Recomanades cançons com Show me, Breath, Take a minute i Signs.

Per Anna Martín.

BLOOD ORANGE – Negro swan

BLOOD ORANGE – Negro swan (Domino Records, 2018)

Huyendo de la opresión

¿Sabes esa sensación de alivio pleno que tienes quitándote el sujetador al llegar a casa después de una dura jornada laboral? Pues Blood Orange solía ser ese instante. Pero con su nuevo disco – Negro swan (Domino Records, 2018) – Dev Hynes, compositor bailarín cantante y no sé cuántas cosas más británico, se ha convertido directamente en la sensación de ir sin sujetador por la calle. Y es verano. Y tu camiseta es minúscula. Y los pezones se te transparentan un poquito. Para los hombres cisgénero que no estén familiarizados con esto de tener tetas diré que escuchando este álbum sientes lo mismo que sentirías si te soltaras de las cadenas de Houdini. La presión desaparece y puedes respirar al fin. Te relajas, pero a la vez te quedas con la guardia alta, pensando ‘no me volverán a joder otra vez’. Porque sabes que no todas las opresiones pueden desaparecer desatando un broche o abriendo un candado.

Por Paula Pérez.

THE INTERNET – Have mind

THE INTERNET – Hive mind (Columbia Records, 2018)

Para haters de lo actual

El cuarto álbum de The Internet me hace muy feliz. Un grupo bebé, de siete años, adaptando el R&B de siempre a instrumentos electrónicos. Hive mind (Columbia Records, 2018) son guitarras groovies y ritmos noventeros (que a estas alturas igual lo podemos llamar hasta vintage), sexo, frescura, jazz, diversión y muchos bajos. Me encanta ver lo que los nuevos pueden cambiar de las cosas de toda la vida. Es algo similar a Rosalía trapeando flamenco. Perfecto para enseñar a los típicos haters de todo lo actual, que se engañan cuando dicen que todo está perdido. Sigue habiendo talento, cultura y respeto por lo bueno. En mi cerebro destacan Beat goes on Look what u started como representación de todo esto. The Internet consigue demostrarnos con cada álbum de lo que son capaces y nos dibujan a dónde pueden llegar.

Por Nadia Dubikin.

MARK LANEGAN (& DUKE GARWOOD) – With Animals

MARK LANEGAN (FT. DUKE GARWOOD) – With animals (Heavenly, 2018)

Largas son las sombras

Una de las cosas más difíciles de lograr cuando uno se sumerge en la concepción de un álbum es la de matizar su atmósfera, la de enmarcar el tono que se busca conseguir. With animals (Heavenly, 2018) último trabajo de Mark Lanegan (el segundo en colaboración con el multiinstrumentalista Duke Garwood tras Black pudding), basa toda su potencia discursiva en esa búsqueda. Cabe decir que lo logra con creces. Desde la misma portada del disco, Lanegan y Garwood son capaces de construir un universo sombrío, cavernoso, en el que los sonidos retumban y se escabullen asustados. La melancolía habitual de las composiciones del músico norteamericano se mezcla con los minuciosos acabados de producción de Duke Garwood para crear un artefacto musical que transporta rápido al que escucha a sus oscuras profundidades, desde las cuales se escuchan súplicas (Save me, dice Lanegan en su primera canción). A este universo gótico es a donde la deriva del tiempo ha arrastrado al antiguo líder de los Screaming Trees, uno de esos autores que, pese a las circunstancias, siempre se esfuerza en romper con lo previo, en crear. Y nosotros aquí lo recibimos

Por Adrián Viéitez.

GILBERTO GIL

GILBERTO GIL – OK OK OK (Geléia Geral, 2018)

Ritual de renovación

Resulta preocupante que artistas casi octogenarios como Gilberto Gil, sigan siendo los autores de los discos más destacados del año, OK OK OK (Geléia Real, 2018), lo es. A los relevistas aún se les espera. El de Bahía, ha grabado quince temas inéditos después de ocho años sin hacerlo. El resultado es fresco, ecléctico, renovador. Gil se ha recuperado de sus dolencias mostrando agradecimiento a doctores, compositores y nietos a través de una música que sólo un catedrático cómo él podía crear. Deja resbalar la voz en las bellísimas Lia e Deia y Jacintho, recupera el espíritu bossa con Quatro pedacinhos, menea la cintura a base de funk en Na real y remata el disco gritando ¡rastaman! al finalizar el genuino reggae Pela internet 2 (actualización de un tema de 1996).

Gilberto Gil lo ha vuelto a conseguir sin despeinarse, otros gastan codos para entregar un churro tras otro disfrazados de obras trascendentes. Una nueva joya en la corona

Por Barracuda.

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Say it Loud, el festival de música i cultura negra de Barcelona

COELY, SAY IT LOUD, BARCELONA

El Say it Loud vol acostar propostes internacionals i nacionals de hip hop, reggae, jazz, soul i afrobeat i posar així al centre la cultura i la comunitat que l’envolta. És el festival d’economia social realitzat en equipaments públics i impulsat per la cooperativa Que Soni.

En aquesta edició tindrem el luxe de comptar amb el directe d’Ezra Collective (UK), en la que serà la seva primera actuació a l’estat espanyol i que actualment és una de les bandes de referència del nou jazz i a qui Gilles Peterson va catalogar el seu treball ‘Juan Pablo: The Philisopher’ com a millor disc de jazz del 2017; amb Sister Nancy (Jamaica), una de les icones més significatives del gènere jamaicà que actuarà en format de sound system. El festival clourà el 31 d’octubre amb Blitz The Ambassador (Ghana) qui ha acostat el hip hop i l’afrobeat col·laborant amb artistes com Seun Kuti o Emicida i amb Coely (Bèlgica), la jove MC que portarà tota la seva banda i que està sent una de les noves descobertes musicals de l’any.

Una altra de les activitats destacades serà la jornada Ciutat, Cultura i Comunitat que tindrà lloc el 20 d’octubre a la Farinera del Clot i serà gratuïta. Comptarà amb les actuacions de Big Menu, Compota de Manana, Lady Avocado, Alibabrass i l’espectacle infantil Els secrets de Mr. Stromboli.

A banda de les actuacions musicals, en aquesta edició també cal destacar l’estrena del documental Beltza Naiz. Comptarem amb la presència dels seus protagonistes per a la presentació als Cinemes Girona, Fermín Muguruza i Amaia Jackson. Un documental que narra tot el procés de creació del projecte Black is Beltza, del que recentment s’ha estrenat la pel·lícula d’animació i que anteriorment havia estat un còmic i una exposició.

Del 18 al 31 d’octubre tindrà lloc a diversos espais de la ciutat una nova edició del Say it Loud, el festival de música i cultura negra de Barcelona. Enguany celebra la seva onzena edició i a banda d’actuacions musicals, que són el gran gruix de la programació, també hi haurà projeccions de cinema, espectacles per a infants i activitats al voltant del món dels llibres, entre d’altres.

Les principals bandes confirmades són: Ezra Collective, Coely, Sister Nancy i Blitz The Ambassador. En les properes setmanes anunciarem la resta de la programació del Say it Loud 2018.

EZRA COLLECTIVE, SAY IT LOUD, BARCELONA

EZRA COLLECTIVE (UK)
Divendres 19 octubre, 22h (La Farinera del Clot)

Un dels grups de referència dins la nova escena jazzística al Regne Unit, Ezra Collective mescla l’afrobeat, el reggae, el jazz i el hip hop amb el seu toc distintiu londinenc. Producte de la riquesa cultural i musical característica de la capital anglesa, representen aquesta diversitat amb un estil refinat i un talent destacable.

Ezra Collective va irrompre a l’escena el maig del 2012 quan van sortir victoriosos al Yamaha Jazz Experience Competition, impressionant a experts i públic amb el seu mestratge musical. Aquest èxit els va portar al prestigiós London Jazz Festival i des de llavors han tocat a una gran quantitat de clubs de Londres i més enllà, inclòs al prestigiós Royal Albert Hall.

Una de les seves actuacions en viu al Boiler Room va cridar l’atenció als amants de la música a nivell internacional i els va consolidar com una de les noves i joves bandes més potents de l’escena del jazz mundial. L’any 2017, el prestigiós i famós crític Gilles Peterson va catalogar el seu treball ‘Juan Pablo: The Philosopher’ com a millor disc de jazz del 2017.

BLITZ THE AMBASSADOR, SAY IT LOUD, BARCELONA

BLITZ THE AMBASSADOR (GHANA)
Dimecres 31 octubre, 21h (Fabra i Coats)

Amuel Bazawule, conegut com Blitz The Ambassador, va néixer i créixer a Accra, Ghana, a ritme d’afrobeat, jazz i motown. Des de ben petit la música va formar part de la seva vida, tocant el djembé en grups locals de percussió i dansa. Però quan el seu germà gran li va descobrir el clàssic àlbum de Public Enemy ‘It Takes A Nation of Millions to Hold Us Back’ va marcar un punt d’inflexió en la seva vida i començà a escriure algunes lletres pròpies.

El 2001 es trasllada a EEUU a estudiar a la Universitat de Kent i publica algunes mixtapes sense gaire repercussió. Un cop es muda a Nova York, la meca del hip hop, decideix perseguir el seu somni de convertir-se en un artista de rap i publica els seus primers àlbums sense l’ajuda d’una discogràfica important, fins que crea el seu propi segell Embassy MVMT.

Blitz The Ambassador porta el hip hop a un altre nivell, connectant els seus dos mons: el rap nord-americà i les tradicions musicals africanes. Crea així noves sonoritats plenes de líriques polítiques i conscients. Fins ara ha publicat quatre àlbums d’estudi: Stereotype (2009), Native Sun (2011), Afropolitan Dreams (2014), i Diasporadical (2016) i ha portat el seu potent directe als festivals més importants del món.

També destaca per la seva faceta de cineasta, amb la realització de diversos curts com ‘Native Sun’ o ‘Diasporadical Trilogia’, premiats al BAM New Voices in Black Cinema i és a punt d’estrenar el llargmetratge ‘The Burial of Kojo’.

COELY, SAY IT LOUD, BARCELONA

COELY (BÈLGICA)
Dimecres 31 octubre, 21h (Fabra i Coats)

Coely va començar la seva carrera amb només 17 anys després que algú l’escoltés cantar a un centre juvenil d’Amberes, Bèlgica. Encara anava a l’escola quan va signar un contracte amb la discogràfica independent Beatville. El seu primer tema ‘Ain’t Chasing Pavements’, publicat el 2012, va rebre una bona difusió a les emissores de ràdio nacionals, cridant l’atenció de diversos mitjans fins a llançar el seu primer EP ‘”RAAH The Soulful Yeah” l’any 2013. Els singles ‘All I Do’ i ‘My Tomorrow’ la van portar als principals escenaris del seu país acompanyada de Dj Ephonk i el raper DVTCH NORRIS.

Impossible encasellar Coely en un sol gènere i així ho ha demostrat en el seu primer àlbum de debut ‘Different Waters (2017) amb temes tan potents com ‘Don’t Care’, ‘No Way’ o ‘Celebrate’. Una barreja de hip hop fresc, R & B, potents rimes, soul elegant, notes electròniques, una tona d’actitud i el talent per combinar-ho tot en un enèrgic directe amb banda que farà ballar tothom.

Autores de este artículo

r.e.a.l. según r.e.a.l.

R.E.A.L

A veces lo mejor es pararse en seco y escuchar. Por eso de vez en cuando pedimos a lxs músicxs que se expresen y que cuenten su historia por ellxs mismxs. Sin guión, sin preguntas. Simplemente les damos espacio y ellxs hablan. Comenzamos este ciclo con The Crab Apples. Ahora es el turno de r.e.a.l., el dúo de música electrónica que la escena necesita(ba).

R.E.A.L real dúo electrónica

r.e.a.l. lo formamos Sara e Isa. Nos conocimos hace tiempo porque íbamos en la misma clase en la universidad. Empezamos un proyecto juntas, Ombligo Studio, principalmente dedicado a la ilustración y al diseño gráfico, dentro del cual además autoeditábamos un fanzine.

Ambas teníamos ganas de hacer música, así que cuando todavía vivíamos en Galicia decidimos crear un grupo de música con otra amiga llamado DRAMA. Por trabajo nos mudamos a Madrid y el grupo se disolvió. No queríamos dejar la música. Entonces nos planteamos la idea de crear algo nuevo; y así fue cómo nació r.e.a.l.

Lo que estamos intentando hacer ahora es un poco diferente. Es un proyecto de música electrónica con bases tech house y minimal pero con melodías vocales pop accesibles. Nuestras influencias van desde el rollo noventero de las Destiny’s Child a artistas más contemporáneos como Yaeji, Jessy Lanza o James Blake.

Además, alrededor de la parte musical intentamos crear un concepto, darle una dimensión visual que nos caracterice. Queremos que cuando alguien piense en r.e.a.l tenga una imagen definida, que intuya de qué va el rollo solo con ver una foto, y que cuando nos escuche pueda relacionarlo con ella.

Al final con la música la intención es transmitir, crear una respuesta, y creemos que eso se intensifica si se acompaña de estímulos visuales.  En esta línea nos encanta colaborar con otros artistas de distintos ámbitos como Mar Suárez, que hizo las fotografías de presentación de grupo y nuestro primer videoclip: No. Lo rodamos en Lisboa, basándonos en la arquitectura de Tomas Taveira.

Hemos presentado el proyecto en mayo con tres temas y un videoclip. Este año esperamos poder publicar por fin nuestro primer LP con todas las canciones que tenemos y girar todo lo que podamos.

R.E.A.L real dúo electrónica
r.e.a.l.
R.E.A.L real dúo electrónica
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R.E.A.L real dúo electrónica
r.e.a.l.
R.E.A.L real dúo electrónica
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