Los mejores discos de diciembre

11/01/202231/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Mejores discos de diciembre 2021, ANGELE

Pensábamos que en 2021 íbamos a dejar atrás todo lo malo de 2020, pero desgraciadamente no ha sido así. Hemos visto cómo la música en directo volvía progresivamente a la normalidad, pero han seguido habiendo muchos altibajos y cancelaciones de conciertos. Afortunadamente, nos hemos podido refugiar en los discos de nuestros artistas favoritos, que se han producido de forma frenética. Es por eso que entre los deseos de año nuevo se encuentra el poder seguir emocionándonos con los mejores álbumes.

Despedimos el 2021 con las reseñas de los mejores discos de diciembre. También puedes revivir el año leyendo nuestras opiniones de los álbumes de meses anteriores, como septiembre, octubre o noviembre. En esta lista te vas a encontrar con el nuevo disco colaborativo de Leiva, las canciones que por fin han salido a la luz de Bad Gyal y la potencia vocal de Alicia Keys, entre muchas novedades más. ¡Arrancamos!

LEIVA – Cuando Te Muerdes el Labio (Sony Music Entertainment España, 2021)

El epílogo del amor

Cuando Te Muerdes el Labio es un disco colaborativo escrito por y para las mujeres. Se podría decir que casi todas las canciones hablan de desamor y transcurren por diferentes géneros como el pop alternativo, el funk, el neo soul y el folk. Este último resulta inseparable de sus raíces latinoamericanas y anglosajonas con influencias de exponentes de la talla de Julieta Venegas, Natalia Lafourcade, los Eagles, Cat Stevens o John Mayer. En el caso de Flecha, la pieza con Elsa y Elmar acoge elementos funky inspirados en el sonido de Sly and the Family Stone, banda norteamericana – pionera del soul psicodélico – que triunfó en los años 70. La letra gira en torno a un “amor que muerde y mata”, mientras que Premio de Consolación recurre al soul que recuerda al de You Know I’m No Good (Amy Winehouse). El mensaje detrás del tema que comparte con Natalia Lacunza es oscuro y dañino, por lo cual se asemeja al título de la colaboración con Silvana Estrada, Peligrosamente Dark, en la que ambos acaban recitando lo que viene a ser el epílogo del amor: “Porque siempre hay uno que quiere / y otro que se deja querer”.

Por Raquel Ashby

BAD GYAL – Sound System: The Final Released (Universal Music Latino/ Interscope, 2021)

Llarga vida a la música de la Bad Gyal

Ja començàvem a pensar que no passaria, que mai podríem escoltar les cançons inèdites del Sound System, un tour que ha arribat a la seva fi. Ens fa mal que s’hagi acabat, però el regal de comiat que ens ha fet la Bad Gyal és insuperable. Potser té a veure amb la insistència dels seus fans, que l’han perseguit dia i nit a través de les xarxes socials per pregonar el llançament de les 3 cançons que encara no es trobaven a les plataformes i que, per tant, només les podíem gaudir als concerts i a algun vídeo cutre de YouTube. Les “unreleased” (ara released) que configuren aquest EP són: Nueva York, Su Payita i Slim Thick i cap d’elles deixa un segon per agafar aire. Són cançons diferents entre si, però les tres estan unides per un aire desenfrenat i agressiu. L’experiència t’eleva durant tota l’escolta sense deixar que decaiguis o que puguis gaudir d’un ritme de reaggeton més tranquil i això resulta ser un autèntic tresor pels seguidors de la música de la cantautora. Les reproduccions que té Nueva York la coronen com la clara guanyadora del EP, però la cançó que sona en repeat al meu Spotify és Su Payita, a la qual la cantautora ha inclòs una tornada que no em puc treure del cap. La Bad Gyal et pot agradar més o menys, però s’ha de reconèixer que el fet que parli tan obertament de la seva sexualitat, tema que fins fa poc només podien tractar artistes masculins, és un avanç molt gran que permet començar a obrir la porta a aquelles dones que senten la necessitat d’expressar el mateix amb les seves lletres. A més, també és l’encarregada de fer que ens sentim com unes reines mentre vivim la vida més quotidiana. Per moltes atres raons, llarga vida a la música de la Bad Gyal.

Por Paula González.

ANGÈLE – Nonante-Cinq (Angèle VL Records, 2021)

El aura de un ángel

Angèle fue la cantante de habla francesa más escuchada en 2019, gracias a su álbum debut Brol. Nacida en una familia de artistas, supo crear sus propias letras, sonidos y modelar una imagen que la convirtió en una estrella internacional. Después de frenéticas giras y un éxito desbordante, llega su segundo álbum autoproducido, Nonante-Cinq que, pasado por el filtro del confinamiento, nos ofrece una perspectiva más madura de la artista. El sello de Angèle es inconfundible: una melosa voz en francés, letras directas y personales y estribillos pegadizos como ninguno otro. Los doce temas del disco son diferentes, magnéticos y especiales a su manera. Si bien, algunos como Bruxelles je t’aime o Démons son más pop y comerciales, encontramos también rap y electrónica. De todos, Taxi es probablemente mi favorito, en el que oímos a una Angèle melancólica que traspasa la piel con la emoción.

Por Júlia Palacín.

ALEJANDRO SANZ – Sanz (Universal Music Spain, 2021)

La maestría

Sanz es un álbum compendio de lo que representa la carrera de uno de los artistas españoles más consagrados y pionero de su generación en cruzar el charco. Eso le brindó la oportunidad de cantar junto a estrellas monumentales como Alicia Keys o Destiny’s Child. El disco es símbolo de versatilidad y exploración, en tanto que contiene un rap (Bio) o una melodía hablada, si se prefiere, en la que el artista agradece los 30 años que lleva dedicándose a su sueño. También lo complementa con la onda de pop internacional y las palmas flamencas que resuenan en Iba. Yo No Quiero Suerte logra transportarte a las baladas de sus inicios tales como Amiga Mía, y en la colaboración con Paco de Lucía, al cual homenajea, se distingue una fusión de flamenco, música africana y rumba cubana. Esta es identificable a la perfección en Ketama.
En definitiva, Alejandro Sanz demuestra de nuevo su maestría al traspasar los límites del flamenco tradicional y condimentarlo con efectos ambientales, con el góspel y con un pop que, a ratos, puede hacerte viajar al de Mecano o al suyo tan característico que asociamos a la era de El alma al aire y Quisiera ser.

Por Raquel Ashby

EJ MARAIS – Dream Café (Columbia / Legacy, 2019)

A place where you can stay if you want

Les introduccions dels àlbums són importants i EJ Marais n’és conscient. Si ens reben amb un “This is the Dream Cafe, a place where you can stay if you want” és evident que ens vindrà de gust quedar-nos a escoltar tot el que l’artista ens ha de dir. Un cop persuadits, ens relaxem i entrem en un món construït per molts factors: R&B, pop, lletres en anglès, en castellà i missatges potents. A Years ens parla del ritme accelerat de la indústria musical i a Tu tema en bucle sentim el moment de tenir una cançó enganxada al cap 24/7 –extrapolable a una persona que ens obsessiona–. Shine reflexiona sobre l’èxit i la competitivitat, mentre que Words profunditza en el poder de les paraules, sobre com el llenguatge pot distorsionar la realitat i com a vegades preferim ometre la sinceritat a l’hora de comunicar-nos, per tal d’evitar situacions incòmodes. Però aquest EP no s’amaga, afronta qüestions vitals de cara sense dramatitzar. Dream Café convida a passejar per un lloc tranquil amb els auriculars mentre escoltes les paraules d’un artista sincer que s’atura a reflexionar.

Por Paula González.

ALICIA KEYS – Keys (RCA Records, 2021)

Las llaves del cielo

Keys, el octavo álbum de Alicia Keys, es un set de llaves que abre universos maravillosos, algunos de ellos ya explorados antes por la artista y otros de nuevos. Quién alcanzó el estrellato combinando el piano clásico con el hip-hop y el R&B de Nueva York y nos conquistó con hits como No One, Girl on Fire, If I Ain’t Got You, nos ofrece ahora un repertorio de “Originals” en el que sigue expandiendo y reafirmando su esencia. Pero, lejos de quedarse en lo que ya funciona, este disco nos sorprende con una segunda cara de versiones “Unlocked”, que han sido sampleadas por el premiado productor Mike Will. Estas pistas, siendo más rítmicas y agitadas, nos acercan a sonoridades más dance. Aunque todos los fans de Keys probablemente preferimos las originales, sabemos que su generosa voz no tiene límites y que, a estas alturas, puede cantar lo que quiera. Ya se ha ganado las llaves del cielo.

Por Júlia Palacín.

SAMANTHA HUDSON – Liquidación Total (Subterfuge Records, 2021)

Mamarracheo y más mamarracheo

Liquidación Total es el nuevo álbum de Samantha Hudson, la encargada de habernos enganchado a canciones como Burguesa Arruinada o Por España, que sirvieron de aperitivo para empezar a digerir toda la avalancha que supone Liquidación Total. Si algo sobresale en este disco es el humor y eso se percibe desde el inicio con tan solo ojear el título de singles como Arturo Valls o Dulce y Bautizada –ya sabíamos que Samantha Hudson no nos iba a llegar con un pop clásico o baladas tranquilas–. Lo que no podíamos prever es la versión de Aburrida de Estar Tan Salida de L Kan que, a pesar de parecerse en exceso a la original, la voz de Samantha le da su esencia. PUTOCHINOMARICÓN forma parte de los artistas que colaboran en Liquidación Total. Es el encargado de añadir su toque característico a canciones como Dulce y Bautizada y Disco Jet Lag. Es muy difícil definir el sonido del álbum, ya que se nutre del reaggetón, el pasodoble o la electrónica, pero lo que sí que podemos confirmar es que suena a Samantha Hudson y esto es una de las mejores cosas que se le pueden decir a un artista. Aunque reconozca que me encanta el mamarracheo del disco, las 11 canciones me han llegado a empalagar. Quizá prefiero escuchar a la artista en playlists donde se van alternando los diferentes sonidos.

Por Paula González.

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Redacció Qualsevol Nit

Qualsevol Nit és la revista de Barcelona que viu la música. Volem que passis una bona estona gràcies a les cançons, artistes i concerts que et proposem. Per això parlem de tots els estils en diferents formats (entrevistes, playlist, columnes, etc) i convidem als nostres subscriptors/es a viure aquestes experiències. Qualsevol nit pot ser especial, qualsevol nit pot sortir el sol.

Las mejores canciones de 2021

16/11/202523/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

C.Tangana, que ha aparecido en todas nuestras otras listas, se cuela también en la de mejores canciones de 2021, con Los tontos, en la que canta junto a Kiko Veneno. Rigoberta Bandini no podía faltar en esta lista, con su éxito Perra, que se ha convertido en todo un canto a la liberación femenina, dejándonos frases dignas de poner en mayúsculas en las pancartas: “No quiero llevar nunca el bozal” o “Nadie me puede prohibir ladrar”. Por su parte, Guineu, quien definió perfectamente el año 2020 con su Putu any, ha abrazado este 2021 desde el relativismo. De su disco Forats negres, en que indaga en sus bucles psicológicos más profundos, destacamos el tema No va ser.

A todos nos ha tocado cambiar planes y estar más abiertos a la improvisación. Tal y como canta El Petit de Cal Eril, “milions d’històries s’han perdut, com les estrelles que han caigut”. Viaje cancelados y muchos “y si?” que quedarán eternamente sin respuesta. Al mismo tiempo, la situación de este año nos ha dado la oportunidad de estar más cerca de nuestros seres queridos y de encontrarnos con nuestros sentimientos. Con artistas como la poderosa Queralt Lahoz hemos vivido un retorno a la Pureza, la sinceridad y las raíces familiares; en Tu boca dice: “Te quiero cantar lo que no le escribí a nadie”.

En esta playlist tampoco hemos descuidado los grandes éxitos internacionales que nos han acompañado este año. Y es que el 2021 no podría entenderse sin escuchar temas como Butter, de la premiada banda de K-pop BTS. Tampoco podríamos pasar al año siguiente sin antes mencionar a Arlo Parks, la joven artista inglesa que nos ha dejado temas de R&B como Eugene. Pero esto no es todo. Aprovechando que se acercan fechas navideñas y de celebración, nos gustaría remarcar también mensajes como el del tema Santé, donde se homenajea a la clase trabajadora, en una especie de brindis por las personas que no tienen la ocasión de celebrar. Su compositor, el famoso belga Stromae ha vuelto con este temazo en francés tras su ‘burnout’, mostrándonos una vez más que las remontadas son posibles. Por último, y aprovechando el lema del sonado Don’t judge me de FKA twigs, queríamos lanzar el siguiente mensaje: no nos juzguemos; cuidémonos. ¡Y que no falte el amor en este 2022!

Ahora sí, os dejamos con el mosaico más emocionante del año, la playlist donde encontraréis los 100 temas más relevantes del año.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de 2021

16/11/202522/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Este año los discos nos han llegado progresivamente, sencillo a sencillo. La velocidad de consumo propia del streaming ha hecho que los artistas hayan antepuesto el formato individual y hayan preferido ofrecer diferentes avances antes de precipitar de golpe el trabajo de todo un disco. De las canciones que han triunfado este año, ya hablaremos, pero aquí nos centramos en lo conceptual. Y es que el disco sigue siendo para nosotros la máxima expresión del arte musical. A continuación os presentamos lo que para nosotros han sido los 40 mejores discos de 2021.

Aunque cada vez haya más álbumes en que las canciones funcionan todas por sí solas, sigue gustándonos eso de descubrir el significado global. Por eso, veréis que en este top hemos premiado los discos conceptuales, como es el caso de Introvert de Little Simz. Ante la sobreabundancia de lanzamientos, hemos visto a unos artistas más que nunca dispuestos a colaborar y enriquecerse con sus compañeros de sector. Los discos colaborativos son bien recibidos en este ranking y, por eso, Joia de Ferran Palau, An Evening With Silk Sonic de Bruno Mars y Anderson .Paak, o El Madrileño de C. Tangana ocupan una buena posición en nuestra selección.

También hemos destacado los trabajos de Tarta Relena y de Maria Arnal i Marcel Bagés, sin pasar por alto el retorno de grandes artistas internacionales como Billie Eilish o el nacimiento de nuevas estrellas como es el caso del sonado Sour de Olivia Rodrigo. En este ranking, por último, hemos premiado a la permanente evolución de Tyler, The Creator. ¡No os damos más pistas, a leer!

Y si os ha sabido a poco nuestra lista de los mejores discos de 2021 y queréis recordar años anteriores, podéis explorar nuestras listas del 2020, 2019 y 2018.

40.

CABIRIA – La ciudad de las dos lunas (El Volcán Música, 2021)

La naturaleza de La ciudad de las dos lunas es la de un trabajo en marcha, el resultado de un proceso de investigación continuo en la instrumentación, de malabarismos con el sintetizador –lo que ahora es Abrigo de sol fue antes una suerte de improvisación en el Instagram de la artista–. Las canciones de Cabiria tienen lugar en un mundo extraño, de colores encendidos, en el que las personas bailan y flotan y desaparecen por los pasadizos.

39.

TEENAGE FANCLUB – Endless Arcade (Merge Records, 2021)

Un disco que recupera los sonidos lúdicos de la juventud de Teenage Fanclub, las guitarras amontonadas y esa escritura que los coloca en un plano mucho más cercano a lo que pudiesen hacer The Magnetic Fields que de sus compañeros de movimiento –Oasis, Blur–. Endless Arcade llega para decir: sí, hemos cambiado, pero eso no implica que no sigamos siendo, de algún modo extraño, los mismos músicos de siempre.

38.

GUINEU – Forats negres (GORA RECORDS!, 2021)

Així com l’exitós single Putu Any evocava la ràbia, la tristesa i la buidor que ens va deixar a tots el confinament i l’any de la pandèmia, el disc Forats Negres explica vuit bucles en els quals Aida Giménez (Guineu) ha quedat atrapada com en un forat negre, una regió de l’espai de la que res pot escapar. Tot i classificar-se com a indie pop en català, amb melodies “cuqui” i tendència “trash”, aquest disc denota un to més rocker, potent i captivador, que t’empeny a saltar i a ballar.

37.

VVV [TRIPPIN’YOU] – Turboviolencia (Helsinkipro x Conjuro, 2021)

VVV [TRIPPIN’YOU] suena como un punto pivotal para esa escena revival del post-punk ochentero que se viene gestando en Valencia y Madrid de aquí a un tiempo; un hito que marca algo en el horizonte, un disco de los que van a ser recordados. Los 30 apretados minutos de Turboviolencia son una cosa apabullante, una clara evolución sonora con respecto a Escama que convierte en algo tangible el ‘neo-bakala’, la etiqueta con la que se han dado a conocer en la prensa musical.

36.

KIKO VENENO – Hambre (Kiko Veneno, 2021)

A diferència de velles glòries de la generació de Kiko Veneno, que s’han refugiat ja de per vida al folkclore i en un mateix patró, Veneno torna a ser el més valent de la classe i sense perdre el seu segell fa un disc que sona actual i segur. A Hambre s’apropa a estils actuals com el trap o la música electrònica, deixant en un segon pla el pop amb tocs flamencs que ha conreat en tants discos anteriors.

35.

LOS HERMANOS CUBERO – Errantes telúricos (Primavera Labels, 2021)

Los Hermanos Cubero han tirado la casa por la ventana editando dos trabajos conjuntos. En Errantes telúricos han colaborado artistas como Christina Rosenvinge, Ara Malikian o Nacho Vegas (en total diez), adaptándose a la sin par mezcla entre bluegrass y música tradicional castellana del dúo arriacense. Proyecto Toribio es un álbum exclusivamente instrumental (dedicado al cancionero de Toribio del Olmo) para el que también se han buscado cómplices, aunque no tan populares.

34.

ROGER MAS – Totes les flors (Satélite K, 2021)

Totes les flors és un disc que celebra els vint-i-cinc anys de carrera musical d’en Roger Mas. En una mena d’estructura circular, tant l’inici com el tancament recorren a la idea del miracle amb una sentència de Lluís XIV, readaptada de la següent forma: “El cantautor et toca (el dolor), la cançó et guareix”.

33.

SHARON VAN ETTEN – epic Ten (Ba Da Bing!, 2021)

Van Etten ha recuperado Epic, el que fuese su segundo disco, diez años después de su lanzamiento original. En la cara A presenta una regrabación de las siete canciones que componen el disco, dando cuenta del proceso de maduración de su faceta como cantante, pero también del empaque que ha ganado como productora desde entonces. La cara B es un espacio abierto a la conversación en el que cada una de las canciones se reformula como dueto con un artista o banda diferente: Peace Signs se agita hacia el punk junto a los IDLES y Love More encuentra formas nuevas de la mano de ese art pop concretísimo que practica Fiona Apple.

32.

TONY BENNETT & LADY GAGA – Love For Sale (Deluxe) (Columbia Records, 2021)

Love For Sale rinde homenaje a Cole Porter, uno de los compositores estadounidenses más importantes que nos ha brindado la música y, en concreto, el jazz. Todas las canciones reinterpretadas por Lady Gaga y Tony Bennett nos transportan a ese Hollywood glamuroso de Frank Sinatra y Marilyn Monroe de los años 40. El álbum es también una celebración del amor de la mano de los clásicos Do I Love You, I’ve Got You Under My Skin y Let’s Do It.

31.

LANA DEL REY – Blue Banisters (Interscope / Polydor, 2021)

En Blue Banisters nos encontramos con una Lana del Rey capaz de adentrarse –quizá más que nunca– en las aguas del country-americano; por otro, en cortes como Dealer –en el que colabora con Miles Kane–, consigue hibridar de manera notablemente genuina su estilo etéreo con los códigos de un indie-rock algo más sucio. Norman Fucking Rockwell! (2019) supo tocar a un tiempo varias teclas adecuadas, y desde entonces Lana del Rey ha vuelto un poco a lo que había ocupado su carrera previa: la búsqueda.

30.

MARIA HEIN – Continent i Contingut (Hidden Track Records, 2021)

A la veu de Maria Hein no li cal una producció carregada, ja que a través d’una instrumental minimalista és capaç de conduir-nos per un paisatge càlid i tendre amb pinzellades melancòliques. Continent i contingut és un petit tresor íntim i angelical en el qual submergir-te cada vegada que tinguis ganes d’escoltar cançons tendres i enyoroses, que molts cops sonen a record d’un estiu passat.

29.

SUFJAN STEVENS & ANGELO DE AUGUSTINE – A Beginner’s Mind (Asthmatic Kitty, 2021)

A Beginner’s Mind supone el regreso de Sufjan Stevens al estilo que más elogios le ha generado en su carrera, el folk, tras media década llena de singles, colaboraciones y curiosos desvíos. Esta especie de vuelta a sus raíces tras el elegíaco Carrie and Lowell (2015) se da acompañada de su protegido, el también cantautor Angelo De Augustine, con quien eligió un curioso proceso creativo a la hora de crear el repertorio de este álbum: visionar juntos una película sobre la que a partir de las sensaciones que deja iniciar la chispa de una canción

28.

DERBY MOTORETA BURRITO KACHIMBA – Hilo Negro (Primavera Labels / Universal Records, 2021)

La banda sevillana que bautizó en 2019 su cóctel de referencias y estilos como kinkidelia es ahora un colectivo mucho más maduro, capaz de pasear con orgullo y seguridad esta nueva etiqueta, dispuestos a convertirla en nueva marca cultural y referente “made in Andalucía”. Hilo Negro refleja una nueva etapa más inspirada de un grupo que, ahora ya sí, podemos calificar como reyes absolutos de la psicodelia kinki.

27.

LIL NAS X – Montero (Columbia, 2021)

En Montero se nota el esfuerzo puesto para sobrepasar cualquier etiqueta impuesta y para reclamar un merecido puesto en el mainstream; es un ‘victory lap’ al mismo tiempo que un ejercicio de introspección no tan común en discos de este calibre pero, por encima de todo, es un disco de pop (casi más que de hip-hop) incontestable, sin canciones menores.

26.

ALTIN GÜN – Yol (Glitterbeat Records, 2021)

Las fronteras culturales se desdibujan al escuchar a Altin Gün, una banda neerlandesa que reinterpreta el folclore turco y el rock anatolio. Su disco Yol conjuga a la perfección este folclore con la electrónica y, gracias a la experimentación, consigue crear un sonido cósmico y retro, a la par que brillante y romántico.

25.

HELADO NEGRO – Far In (4AD, 2021)

Far In es un álbum profuso, atrevido, que comienza en la orilla del synth-pop con la fastuosa Wake Up Tomorrow, colaboración de la banda con Kacy Hill, para sacudirse a continuación en repetidas ocasiones en busca de lugares nuevos, de cambios de ritmo en la instrumentación, momentos para el éxtasis y otros espacios llenos de niebla. Nos encontramos con una banda en plenitud creativa, llena de curiosidad y con la imaginación en pleno florecer.

24.

QUERALT LAHOZ – Pureza (Say It Loud, 2021)

Este incendio ya se veía de lejos. Ella misma nos lo dijo, Pureza lleva “el sello del poderío y la reafirmación de mi ser con esa fuerza inmensa que siento que llevo dentro”. Lahoz tiene la copla tatuada en los párpados y la historia de las mujeres de su familia granadina clavada en el pecho. Sus raíces también se amarran fuerte al terreno del hip hop. Es por eso que puede escupir verdades y disparar rimas con autonomía y poderío, pero también cantar melodías capaces de tocar fibras que rememoran pasados de luchas y nostalgias.

23.

FAYE WEBSTER – I Know I’m Funny Haha (Secretly Canadian, 2021)

La postadolescente Faye Webster contribuyó a construir una nueva oleada de jóvenes solistas que, desde un matizado bedroom pop, apelaban a las dinámicas propias de la sensibilidad de la generación Z. En su segundo trabajo de estudio, I Know I’m Funny Haha, Webster teje una red de referencias de corto alcance que diseñan un universo que es suyo y también es nuestro, un pequeño rincón de canciones de amor suavemente irónicas, levemente nostálgicas, con el tapiz del extrañamiento propio de una juventud para la que todavía resulta complicado empezar a emanciparse de su propia condición.

22.

ARLO PARKS – Collapsed in Sunbeams (Transgressive, 2021)

A pesar de que Arlo Parks lleve un par de años en la órbita del R&B internacional, parece importante no perder de vista que esta artista inglesa apenas viene de cumplir los veinte años el pasado mes de septiembre. El tema Caroline encarna todo aquello que Arlo Parks venía prometiendo y Bluish se encarga de certificarlo y extenderlo hacia el futuro –que es amplísimo, amplísimo en su caso; lo ocupa prácticamente todo–.

21.

EL PETIT DE CAL ERIL – N.S.C.A.L.H. (Bankrobber, 2021)

20.

ARAB STRAP – As Days Get Dark (Rock Action, 2021)

Más de quince años han tenido que pasar para que el dúo escocés Arab Strap vuelva con música nueva. As Days Get Dark llega y lo hace comprendiendo todo lo que ha sucedido en la escena indie-rock anglosajona desde que Arab Strap se disolvió. El disco se mueve entre la herencia grungera suavizada, latente en temas como Here Comes Comus!, y una nueva tendencia hacia lo que podríamos considerar un art rock cercano a bandas como The National.

19.

COURTNEY BARNETT – Things Take Time, Take Time (Marathon Artists, 2021)

Things Take Time, Take Time es va concebre durant la pandèmia i l’aïllament va coincidir amb la ruptura de l’artista amb la seva parella i, alhora, companya dalt dels escenaris, Jen Cloher. El disc s’enriqueix amb múltiples gèneres com ara el country, la psicodèlia, el folk i l’indie rock. La música contemplativa retrata el dol i el procés de desprendre’s emocionalment d’algú a qui has estimat, però que ja no ho fas de la mateixa manera.

18.

JOANA SERRAT – Hardcore from the heart (Great Canyon Records, 2021)

Confeccionado en Texas y acompañada de reputados solistas: Joey McClellan, Aaron McClellan, McKenzie Smith y Jesse Chandler, Hardcore from the heart se revela como una obra estilísticamente audaz y de una honestidad literaria sorprendente. Para resaltar unos textos explícitos, rastreadores de nuestra verdad interna, Joana Serrat se aleja de la fórmula ‘americana’ pura, adentrándose en el pop ensoñador (Neil Halstead) y el shoegazing (Slowdive).

17.

**BLACK COUNTRY, NEW ROAD – For the First Time (Ninja Tune, 2021)**

La Black Country, New Road es la más reciente banda de la emergente escena post-punk londinense en publicar su debut, tras nombres como Black Midi, Shame o Sorry. El septeto consiguió acaparar la atención de prensa y foros musicales a nivel internacional con apenas unos cuantos bolos y dos canciones grabadas, Athen’s, France y Sunglasses, composiciones de rock angustioso y disonante con gran influencia del ‘underground’ noventero USA. Lo que realmente hace especial al grupo y a este For the First Time es como juegan con estas y otras influencias para crear algo que no sea un mero homenaje complaciente a épocas pasadas sino algo contemporáneo.

16.

BILLIE EILISH – Happier Than Ever (Darkroom / Interscope Records, 2021)

Aunque el último lanzamiento de Billie Eilish sugiere que no es Happier Than Ever, demuestra que su música ahora es ‘Better Than Ever’. El nuevo disco de la artista de solo diecinueve años es su mejor trabajo hasta la fecha, el más honesto y el más poderoso de todos lo que hemos escuchado de la artista. Las letras detallan su doloroso ascenso al estrellato, de una manera realmente conmovedora, y la música que las acompaña se aleja del bedroom/nightmarish pop y se acerca a un sonido más puro, dejando sus emociones completamente descubiertas.

15.

**BRUNO MARS, ANDERSON PAAK, SILK SONIC – An Evening With Silk Sonic (Aftermath Entertainment / Atlantic Recording Corporation, 2021)**

14.

ALIZZZ – Tiene que haber algo más (Warner Music, 2021)

Fa uns mesos que el nom d’Alizzz, el productor d’una gran part de la discografia de C. Tangana, només era conegut per una petita part. No obstant això, ja fa un any que l’artista va decidir emprendre el seu propi camí en solitari per llençar cançons com Todo me sabe a poco o Ya no siento nada. Sota el pseudònim d’Alizzz, Cristian Quirante ha decidit sortit del backstage per posicionar-se al capdavant de l’escena indie nacional.

13.

THE WEATHER STATION – Ignorance (Fat Possum Records, 2021)

El cinquè àlbum de la banda liderada per Tamara Lindeman és tota una lliçó quant al canvi climàtic respecta. Entre les deu cançons destaca Subdivisions, una peça que es va construint de mica en mica fins a explotar, amb una lletra que emociona. Un bon resum d’un disc que ens ensenya la bellesa de la tristesa.

12.

BLACK MIDI – Cavalcade (Rough Trade, 2021)

Cavalcade, el segundo álbum del conjunto de rock indescriptible Black Midi, parece de todo menos eso, tan solo su segundo álbum. No sólo por el puro dominio técnico que estos tres chavales de veintipocos despliegan en estos ocho nuevos temas, sino por el increíble salto adelante que estos suponen con respecto a su debut Schlagenheim (Rough Trade, 2019). Cavalcade es un monumento gigantesco del que nuestros ojos apenas pueden hacer sentido, y black midi sus orgullosos arquitectos.

11.

TARTA RELENA – Fiat Lux (La Castanya / The Indian Runners, 2021)

Aunque el verdadero poder de Tarta Relena se acentúa en directo, nadie debería desdeñar su labor en estudio. Fiat Lux (epíteto de resonancias bíblicas), es una osada producción de Oscar Garrobé y Juan Luis Batalla; un álbum atemporal y evocador de personajes femeninos trascendentes en la antigüedad como la Virgen María, Safo de Lesbos, la visionaria sacerdotisa medieval Hildegarda de Bingen o mujeres de la tribu paixtu de Afganistan. Esta luz resplandeciente, es ante todo, un experimento sensorial fascinante.

10.

LOW – Hey What (Sub Pop, 2021)

Hey What aparece como un álbum de medida experimentación, un disco en el que la base electrónica juega ya un papel predominante, pero es posible rastrear las herencias musicales que han ido construyendo al grupo a lo largo de las décadas. Un envés del impresionismo: en una primera escucha, se anuncia como una masa sonora implacable, marcada por la distorsión. Pero después uno se acerca, se acerca, y las pinceladas se desvelan.

9.

FERRAN PALAU – Joia (Hidden Track Records, 2021)

Aquest àlbum ha sorgit de manera gairebé espontània, durant les sessions de gravació en les quals el músic del Collbató exercia de productor per a artistes com Anna Andreu, Iris Deco, Carlota Flâneur o Maria Hein, juntament amb en Jordi Matas. En aquest sentit, el videoclip del disc, realitzat pel col·lectiu Òrbita, presenta la família formada pels integrants del segell Hidden Track Records com una mena de secta musical. A Joia, Ferran Palau recupera vells referents relacionats al cinema de terror dels anys 80, com ja passava parcialment a Kevin i d’una manera molt més evident a Parc.

8.

ZAHARA – PUTA (G.O.Z.Z. Records, 2021)

PUTA en mayúsculas, ya es potente de por sí. El primer single que salió a la luz fue Merichane, mote que le pusieron a Zahara cuando tenía doce años. No sabía que esto era un insulto hasta que se enteró de que así era como llamaban a la puta del pueblo. Zahara volvió a ponerle voz al grito desgarrador de muchas mujeres.

7.

LITTLE SIMZ – Sometimes I Might Be Introvert (AGE 101, 2021)

Little Simz tiene el don de contar historias. Su quinto álbum no solo viene cargado de mensajes potentes y socialmente comprometidos, sino que es, en su conjunto, un gran trabajo conceptual. Mediante catorce temas y cinco interludios, la artista crea toda una experiencia sonora, en la que mezcla la magia de la música clásica con el poder del rap. Ante este discazo, solo podemos decir una cosa: Érase una vez, una rapera introvertida que nació para hacer historia.

6.

THE WAR ON DRUGS – I Don’t Live Here Anymore (Atlantic, 2021)

Pocs grups han protagonitzat una trajectòria més evolutiva i sòlida en els últims quinze anys que The War on Drugs. A I Don’t Live Here Anymore, la banda estadounidenca aposta pel continuisme i torna a posar-se la capa de trobador modern, clarament inspirada en grans noms de la cançó nordamericana com Bob Dylan, Tom Petty o Bruce Springsteen. Els de Filadèlfia continuen la seva interminable recerca de l’amor.

5.

OLIVIA RODRIGO – SOUR (Geffen, 2021)

Sour es el primer álbum de estudio de esta joven artista que apenas acaba de cumplir la mayoría de edad pero que ha sabido capturar en una colección breve, concisa e impactante de canciones elementos propios del electropop de Billie Eilish, el musical de Broadway filtrado por la mirada televisiva de Glee o la propia High School Musical y el espíritu tardoadolescente de los primeros trabajos de Taylor Swift. Olivia Rodrigo es directa, implacable y difícilmente confundible: sus canciones de desamor adolescente pueden no capturar líricamente a un público adulto, pero es complicado eludir lo genuino que se esconde tras ellas.

4.

SEN SENRA – Corazón cromado (Sonido Muchacho / Universal Music Spain, 2021)

Sen Senra nos vuelve a conmover con un LP melancólico que gira en torno al amor y al desamor. O, en otras palabras, a la idealización y al hechizo de cuando despega una historia sentimental, a lo que se le une, después de una ruptura, el miedo de abrir de nuevo el corazón ya magullado. Sus influencias artísticas se encuentran en un punto R&B alternativo que se hace notar y se las lleva a su terreno. Al fin y al cabo, el artista gallego lanza una propuesta arriesgada en la que incorpora elementos folkóricos y en la cual alude a un romántico, él mismo, que para resguardar su corazón, tal vez se tenga que aferrar a él y pensar, de veras, si valdría la pena hacer lo contrario.

3.

MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS – CLAMOR (Fina Estampa, 2021)

Cuatro años después del lanzamiento de 45 cerebros y 1 corazón (Fina Estampa, 2017), Maria Arnal i Marcel Bagés lanzan su segundo LP, CLAMOR. Un álbum que habla sobre la fragilidad del ser hacia sí mismo y hacia un mundo al que cada vez volvemos más vulnerable. Un trabajo compuesto de once temas, nuevos sonidos a los que han bautizado como “pop mutante” y colaboraciones a la altura como en Jaque con Kronos Quartet.

2.

C. TANGANA – El Madrileño (Sony Music, 2021)

C Tangana –aka Pucho, Puchito, Antón– lanza el ya proclamado como mejor debut español en Spotify: El madrileño. Cumpliendo, además, con las ambiciosas expectativas del consolidado trapero hacia un registro menos mainstream. Debates aparte sobre la masculinidad tóxica –con la que no se siente identificado según ha declarado– y letra más o menos cuestionable; el álbum deviene obra de arte.

1.

TYLER, THE CREATOR – CALL ME IF YOU GET LOST (Columbia Records, 2021)

Tyler nos presenta a su nuevo ‘alter ego’, Tyler Baudelaire, a través del cual compone, produce e interpreta algunas de las canciones más personales de su trayectoria. El nuevo trabajo del californiano, que versa sobre una relación amorosa imposible, presenta trazos de las diferentes almas de su carrera: desde el rap más duro y caótico, hasta la mezcla de pop y funk en la inmensa, pasando por el neo-soul con pellizcos jazz. CALL ME IF YOU GET LOST continúa alejándolo del concepto rapero y lo confirma una vez más como un artista total.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores videoclips de 2021

16/11/202521/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

¿Qué hubiera sido de nosotros si durante este año tampoco hubiéramos podido disfrutar de videoclips? El 2021 nos ha devuelto de forma progresiva la música en directo, pero gracias a muchas piezas audiovisuales hemos podido dotar de vida las canciones de nuestros artistas favoritos. Se nota que muchos han querido concentrar sus esfuerzos en la creación de verdaderas obras de arte. De hecho, hemos observado cómo algunos de ellos han tomado las riendas de la dirección de sus propios videoclips: C. Tangana con Ateo, Billie Eilish con Happier Than Ever o Bruno Mars con Smoking Out The Window, son algunos ejemplos.

El curro de los artistas ha sido tal que nos hemos llegado a encontrar con cortos como el de Little Simz, titulado I Love You, I Hate You. Su trabajo, amor y dedicación por mundo del audiovisual, con piezas como Woman feat. Cleo Sol o Point And Kill feat. Obongjayar, ha hecho que la coronemos con el primer puesto. El segundo, lo ocupa Zahara con su videoclip Merichane. La canción fue el primer avance de su disco PUTA y está claro que la artista se encargó de crear un proyecto potente para mantenernos a todos expectantes. Con el tercer lugar barremos para casa –y no porque no se lo merezcan–. Joan Galo ha dirigido el videoclip de la canción Fiera de Mí de Maria Arnal y Marcel Bagés y ha construido imágenes preciosas difícilmente olvidables.

Mención de honor para los directores Carles Pons Altimira y Artur Tort, que con dos piezas cada uno en la lista, han sido los encargados de elevar a otro nivel el talento de proximidad. Capítulo aparte merecen las producciones hechas en 3D, que han protagonizado una buena parte de los mejores videoclips de 2021: Tamborero de Bomba Estéreo, Prada/Rakata de Arca y Montero de Lil Nas X, nos han transportado a escenarios de ensueño. Otros videoclips que no podían faltar en esta recopilación han sido Hope de Arlo Parks, Linda de Rosalía y Tokischa y Good 4 u de Olivia Rodrigo. Sin más preámbulos, te dejamos disfrutar de este ranking de 40 videoclips. Dale al play.

40. Santa Salut – Oasis

Dir: Andrew Thomas Huang

39. Carlota Flâneur – See you again

Dir: Carles Pons Altimira

38. Megan Thee Stallion – Thot Shit

Dir: Aube Perrie

37. Núria Graham – At Last

Dir: Artur Tort

36. Iris Deco – Flames

Dir: Albert Capó

35. Lorde – Solar Power

Dir: Joel Kefali, Ella Yelich-O’Connor

34. Lauren Ruth Ward – Singing In The Shower

Dir: Ali Roberto

33. Pau Vallvé – Tot el que brilla

Dir: Loida Garcia

32. Kase O, SFDK – Ringui dingui

Dir: Víctor Hugo Espejo

31. Rigoberta Bandini – Perra

Dir: Irene Moray, Elena Martin

30. Natalia Lacunza – Nuestro Nombre

Dir: Jean Lafleur

29. Billie Eilish – Happier Than Ever

Dir: Billie Eilish

28. The Weeknd – Save Your Tears

Dir: Cliqua

27. Camila Cabello – Don’t Go Yet

Dir: Philippa Price, Pilar Zeta

26. Manel – L’amant malalta

Dir: Víctor Carrey

25. Bad Gyal – Judas

Dir: Belledenuit

24. Self Esteem – I Do This All Time

Dir: Rebecca Lucy Taylor

23. Lana del Rey – Chemtrails Over The Country Club

Dir: Steve Lacy

22. Bomba Estéreo – Tamborero

Dir: Simón Mejía, Santiago Castaño

21. Samantha Hudson – Por España

Dir: Fran Granada

20. Jorge Drexler, C. Tangana – Tocarte

Dir: Joana Colomar

19. Olivia Rodrigo – good 4 u

Dir: Petra Collins

18. Radiohead – If You Say The World

Dir: Kasper Häggström

17. Rosalía – La Fama ft. The Weekend

Dir: Julien Christian Luts aka Director X

16. b1n0, Ferran Palau – BUM BUM

Dir: Anna Cornudella, Frank Lucas

15. Alizzz – Ya no siento nada

Dir: Mariano Schoendorff

14. Bad Bunny, Rosalía – La Noche de Anoche

Dir: Stillz

13. El Petit de Cal Eril – Cauen les estrelles

Dir: Artur Tort

12. Amyl and The Sniffers – Guided By Angels

Dir: John Angus Stewart

11. Bruno Mars, Anderson .Paak, Silk Sonic – Smokin Out The Window

Dir: Bruno Mars and John Esparza

10. Arlo Parks – Hope

Dir: Molly Burdett

9. Tokischa, Rosalía – Linda

Dir: Raymi Paulus

8. FKA twigs, Headie One, Fred again… – Don’t Judge Me

Dir: Emmanuel Adjei, FKA twigs

7. Arca – Prada/Rakata

Dir: Frederik Heyman and Arca

6. Ferran Palau – Joia

Dir: Carles Pons Altimira

5. C. Tangana, Nathy Peluso – Ateo

Dir: Antón Álvarez

4. Lil Nas X – Montero

Dir: Tanu Muino, Lil Nas X

3. Maria Arnal i Marcel Bagés – Fiera de Mí

Dir: Joan Galo

2. Zahara – Merichane

Dir: Guillermo Guerrero

1. Little Simz – Introvert

Dir: Salomon Ligthelm

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores conciertos de 2021

16/11/202520/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Este ha sido un año de remontada, de recuperar todo aquello que —hasta la llegada de la pandemia— nunca pensamos que podría faltarnos: la música en vivo. No nos engañemos, antes ya valorábamos el poder de un buen concierto, pero es cierto que las circunstancias han hecho que apreciemos todavía más el poder bailar sin distancias. Haciendo la lista de los mejores conciertos de 2021, hemos visto más que nunca a unos artistas conectados con el mundo y la realidad, reivindicando el poder del ahora y de lo esencial de la vida. Nos vienen a la mente dos momentos concretos: Queralt Lahoz, dando las gracias a las mujeres que la han criado en el Cruïlla y Joana Serrat, recordándonos la importancia de invertir el tiempo en cosas valiosas.

También fue el año en el que por fin hemos visto el traslado de grandes discos sobre el escenario, como fue el caso de Clamor de Maria Arnal i Marcel Bagés en el Festival Vida. Mención especial al décimo aniversario del álbum Jazz Magnetism, de Kase.0, pues reintrepretó en el Cruïlla sus temas en versión jazzística y fue crema. También hemos recuperado progresivamente el show y la fiesta con actuaciones como las de Bad Gyal, Samantha Hudson y Ojete Calor, entre otros. Además, hemos presenciado propuestas valientes y atrevidas como la de Rigoberta Bandini o de Zahara con Puta.

Más mujeres que han arrasado: en esta lista se repite el nombre de las Tarta Relena, ya que recibieron el sobresaliente en sus diferentes registros, ya fuera haciendo unos coros de escándalo a Maria Arnal o, en el Sónar, añadiéndole a la ecuación la AI de Holly Herndon. Esta última no fue la única internacional, también nos han devuelto el sentimiento de comunidad e intercambio global la sudafricana Alice Phoebe Lou, la británica R.A.E. o la maliana Fatoumata Diawara. Finalmente en el número 1, spoiler, está la voluminosa y sugerente, perra sorprendente… la fantastic Nathy Peluso. ¿Quién si no?

Ahora sí, cerremos el año recordando los mejores conciertos de Barcelona según la redacción de Qualsevol Nit y agradeciendo el esfuerzo artístico y económico que han hecho todos los artistas, promotores, festivales y agencias para ofrecernos un poquito de vida en este caos.

Lee todas nuestras crónicas

25. BONITX, La Nau 20.05.21 por Elles Music

Por ser una propuesta que conjuga música, estética y mensaje.

24. FUERZA NUEVA, Teatre Coliseum 14.05.21 por Piñata Music

Porque nos hace tilín su ejercicio de resignificación simbólica.
[crónica]

23. AIALA, La Nau 17.04.12 por Curtcircuit

Porque el talento joven nos encanta. [crónica]

22. ALICE PHOEBE LOU – La [2] de Apolo 2.11.21 por Primavera Sound

Porque echábamos de menos escuchar una propuesta internacional, que además huye de lo convencional. [crónica]

21. TRIÁNGULO DE AMOR BIZARRO – Teatre Coliseum 30.04.21 por Primavera Sound

Porque fue un despliegue espectacular de toda su ruidosa carrera que (casi) se sintió como un concierto de los de antes. [crónica]

20. FATOUMATA DIAWARA – Teatre Grec 5.07.21 por Festival GREC

Porque en un GREC inspirado por la madre África, ella fue la joya más brillante. [crónica]

19. FERRAN PALAU –

Masia d’en Cabanyes 02.07.21 por VIDA Festival

Porque siempre nos transporta a un lugar mágico, apacible y lleno de cariño.
[crónica]

18. QUERALT LAHOZ – Disseny Hub 11.06.21 por Cruïlla XXS

Porque nos emoció al decirnos que gracias a las mujeres (a su madre, a su abuela…) estaba allí. [crónica]

17. LOS HERMANOS CUBERO – Teatre Coliseum 1.05.21 por Primavera Sound

Porque fue una puesta de largo de todo el cancionero cuberiano con invitados de lujo. [crónica]

16. SEWARD – La Deskomunal 10.06.21 por Sala Cat

Porque disfrutamos de un directo inclasificable en un espacio cooperativista. [crónica]

15. JOANA SERRAT & THE GREAT CANYONERS – Teatre Zorrilla 20.03.21 por Blues & Ritmes

Porque nos hizo pensar, con razón, que malgastamos inútilmente el tiempo en futilidades. [crónica]

14. EL PETIT DE CAL ERIL – Sala Apolo 2.12.21 por Bankrobber

Porque gracias a ellos la vida es más fácil.

13. RIGOBERTA BANDINI – Parc del Fòrum 22.07.21 por Primavera Sound

Porque fue el concierto donde el fenómeno del año demostró que su éxito no es circunstancial, sino absoluto. [crónica]

12. SAMANTHA HUDSON –

Moll de la Fusta 25.09.21 por BAM

Porque nos encantó su fiesta queer en la que estaba cantando y bailando “con todo su coño”.
[crónica]

11. R.A.E. – Fabra i Coats 29.10.21 por Say It Loud

Porque es la coolest y nadie puede decir lo contrario. [crónica]

10. NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO – Castell de Montjuic 14.08.21 por Sala BCN

Porque estuvieron imbatibles y contundentes, refrescando una calurosa noche de agosto. [crónica]

9. HOLLY HERNDON ft. MARIA ARNAL, TARTA RELENA and MATTHIEW DRYHURST – CCCB 28.10.21 por Sónar

Porque nos dejó sin palabras su pryecto de AI junto a Maria Arnal y las Tarta Relena. [crónica]

8. OJETE CALOR – Estadi Olímpic Lluís Companys 5.06.21 por Cruïlla XXS

Porque fue LA fiesta. [crónica]

7. TARTA RELENA – BARTS 7.07.21 por Festival GREC

Porque su puesta en escena, sus voces y armonías nos cautivaron. [crónica]

6. ZAHARA – Jardins de Pedralbes 18.06.21 por Concert Studio

Porque su presentación de PUTA fue una pedazo fiesta reivindicativa que recordaremos siempre.

5. RODRIGO CUEVAS – Palau de la Música 20.03.21 por Festival Tradicionàrius

Porque tiene una propuesta muy potente donde aúna tradición y modernidad. [crónica]

4. MARIA ARNAL I MARCEL BAGÉS –

Masia d’en Cabanyes 02.07.21 por VIDA Festival

Porque uno de los mejores discos del año tambíen lo fue en directo. [crónica]

3. KASE.O – Parc del Fòrum 8.07.21 por Festival Cruïlla

Porque en Jazz Magnetism tuvimos una ocasión única de revivir la experiencia Kase.O. [crónica]

2. BAD GYAL – Parc del Fòrum 9.09.21 por Primavera Sound

Porque con su nuevo show (bailarinas, escenografía…) no tiene nada que envidiar a las grandes divas. [crónica]

1. NATHY PELUSO – Masia d’en Cabanyes 2.07.21 por VIDA Festival

Porque es la number 1 en todo, energética y colosal, un milagro que bajó del cielo. [crónica]

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Redacció Qualsevol Nit

10 llibres musicals ideals per regalar aquest Nadal

09/12/202109/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Amb el Nadal la població es divideix, alguns es converteixen en el Grinch i d’altres es flipen adornant i comprant regals… Però ja siguis d’un team o de l’altre, et portem una bona recopilació de llibres per a amenitzar o complementar les festivitats. Perquè a qui no li ve de gust llegir un bon llibre amb una beguda calenta i una manta? Et proposem lectures variades però unides per una mateixa temàtica: la música. Així que si no tens ni idea de què regalar o et vols donar un capritx, prepara’t per a apuntar perquè hi ha calité. Els 10 millors llibres musicals del moment són:

Cómo componer una canción – Jeff Tweedy (CONTRA Editorial, 2021)

Llança’t a la composició sense miraments

Jeff Tweedy, líder de la banda de rock alternatiu anomenada Wilco, recull en aquest llibre unes àgils directrius per a començar d’una vegada per totes a compondre cançons. En cinc parts, el músic ens guia perquè siguem capaços de recuperar la creativitat que teníem de nens i despertem aquest geni musical. A través d’una recopilació de consells, recomanacions i exercicis senzills, Tweedy ens dóna l’última empenta que necessitem per a llançar-nos a compondre. El líder de Wilco, defuig de les instruccions categòriques i les fórmules màgiques. En el fons, sap per experiència pròpia que el que farà realment al mestre serà la pràctica i no un llibre.

Dios Salve a los Sex Pistols – Fred & Judy Vermorel (CONTRA Editorial, 2021)

Sex Pistols, la revolució del punk

L’edició de Dios Salve a los Sex Pistols que tens entre les mans, traduïda per Ibon Errazkin, és de novembre de 2021, però la seva publicació original per part de Fred & Judy Vermorel es remunta a l’any 1978. Comptat i debatut, el llibre traça la trajectòria dels Sex Pistols i els descriu com un dels grups pioners del punk britànic, en la mesura que van obrir portes a altres joves antisistema que desitjaven apostar per un estil musical encara verge. Allò que els feia distingibles era que en els seus inicis es colaven en universitats per a tocar en directe. God Save the Queen (1977) va ser un dels seus èxits en llista de vendes, encara que cadenes com la BBC van prohibir la seva emissió.

Guía musical de Londres – Patricia Godes (Anaya Touring, 2021)

Viatge a l’epicentre de la música

Guia musical de Londres és el llibre ideal per a aquelles persones que, cansades del turisme tradicional, somien amb maneres alternatives de viatjar. Si tens curiositat per conèixer Londres a través de la seva història musical i els seus artistes, aquesta podria ser la teva aposta. L’autora del llibre, Patricia Godes, ha estat una de les dones pioneres de la crítica musical i sap molt sobre la història d’aquesta ciutat tan musical. La periodista recupera històries i cançons mítiques d’artistes i grups britànics (Rolling Stones, David Bowie, Pink Floyd…) amb una única fi: reviure la ciutat a través de la seva música.

The Beatles: Get Back – Peter Jackson (Libros Cúpula, 2021)

Mai ens cansariem d’ells

Fans dels Beatles –el 90% d’aquesta sala–, esteu de sort. Libros Cúpula ha publicat un llibre de 240 pàgines enquadernat en tapa dura que presenta un episodi exclusiu de la història de la banda. The Beatles: Get Back es centra en l’etapa de composició de l’àlbum Let it Be i narra les converses transcrites de les més de 120 hores de gravació a l’estudi, per tant, es tracta d’un relat narrat pels propis Beatles. Però la cosa no queda aquí. El llibre també conté centenars d’imatges inèdites i un pròleg escrit per Peter Jackson, el director d’El Senyor dels Anells que ha aparcat el gènere fantàstic per dirgir el documental de la banda. Les paraules d’aquest llibre ens acosten a les converses sinceres i íntimes dels quatre integrants.

Bajaré de la luna en tirolina – Santi Balmes (Planeta, 2021)

Un artista polifacètic

Santi Balmes no només és compositor i cantant, també és escriptor de bestseller infantils com Yo mataré monstruos por ti o llibres de relats com La doble vida de las hadas. Aquest cop torna amb una novel·la que explora el despertar de l’adolescència, l’amor i la sexualitat. A través de Bajaré de la luna en tirolina el lector s’endinsa en la vida de Déibid Weirdo per explorar el seu món fantasiós i peculiar, cada cop més atapeït de nous reptes i emocions desconegudes. Aquesta novel·la, tendre i amb pinzellades iròniques, et farà connectar amb la singularitat de l’adolescència i la profunditat de les emocions que aquesta comporta.

Festivales: Guía de un melómano sobre los festivales que debes conocer – Oliver Keens (Anaya Touring, 2021)

Essència i testimoni festivaler

Aquest llibre resulta el regal perfecte per a aquelles persones que prefereixen textos concisos i esquemàtics i troben el gaudi en els testimoniatges visuals. Aquesta guia sobre festivals recopila i presenta amb una habilitat magistral les cinquanta trobades musicals del món que hauries de conèixer: el Coachella, Woodstock, Tomorrowland, Primavera Sound… El volum, que no escatima en pàgines, destaca per la seva acurada maquetació i estètica. Les seves fotografies, a més, sent de grans dimensions i d’excel·lent qualitat, capten a la perfecció l’essència de cada festival. No t’ho pensis més, aquest llibre és el típic que sempre ve de gust consultar. El guardaràs i re-llegiràs amb molt d’afecte, estic segura.

Flechazos y Rehazos – Steve Van Zandt (Libros del Kultrum, 2021)

No només l’acompanyant de Bruce Sprinsgteen

L’editorial Libros del Kultrum ha publicat Flechazos y Rechazos, un llibre que recull les memòries de Steve Van Zandt: músic, autor, productor, actor i locutor. El recorregut per la trajectòria artística i vital de l’artista inclou els seus orígens musicals, la participació al grup E Street Band de Bruce Sprinsgteen i les aparicions actorals a sèries com Los Soprano. El seu amor per la música es veu reflectit en molts punts vitals, així com la fundació d’un pla d’estudis per reintroduir l’ensenyança musical a totes les escoles del seu país. Amb aquest recull l’artista es desvincula de la figura de Bruce Sprinsgteen per reivindicar la seva figura.

Historias del Rock: Leyendas, cuentos y mitos alucinantes – El Pirata (Oberon, 2021)

El rock relatado por un pirata

Historias del Rock, un llibre original en tota regla escrit pel Pirata. L’autor ens ofereix un recorregut per la trajectòria i la història de les llegendes del rock que totes i tots tenim en el nostre imaginari i memòria col·lectiva. A través d’una narració amena i faceciosa, el lector és capaç de teletransportar-se a l’època d’Elvis Presley, David Bowie o Pink Floyd, autèntiques llegendes de la música amb les quals el panorama actual no seria el mateix ni per remei. En efecte, una obra que hauria de ser obligatòria a les escoles, en les quals sovint els falta un aprenentatge en el camp de la cultura.

Catarres X: Secrets i confessions d’una dècada salvatge – Jordi Basté (Halley Books, 2021)

Memòries guardades com un tresor

Darrere de quatre discos, un EP, un disc d’or i centenars de concerts s’hi amaguen 10 anys d’anècdotes i confessions d’Els Catarres. Jordi Basté s’endinsa en el recorregut dels tres integrants per oferir al lector l’oportunitat de contemplar la trajectòria de la banda a través de la seva mirada. El llibre repassa de principi a fi les curiositats del grup; des de com l’Èric i el Joan van intentar convèncer a la Roser d’unir-se al grup a través de mails originals, fins a la irrupció del pop festiu en català a les ràdios comercials. A més, recull documents sonors i gràfics que mai havien vist la llum. Les decepcions amb la indústria musical, l’exercici d’autoestima d’en Joan amb la creació del hit Jenifer, la continuïtat de la banda pendent d’un fil a causa de l’amor… Catarres X: Secrets i confessions d’una dècada salvatge és un llibre íntim que permet conèixer la història d’un dels grups referents de la música pop en català.

Guía del Madrid de la movida – Jesús Ordovás y Patricia Godes (Anaya Touring, 2021)

Mou-te i commou-te amb Madrid

El periodista Jesús Ordovás i la mateixa Patrícia Godes, amb experiència en això de les guies alternatives, ens ofereixen l’oportunitat de conèixer una ciutat que ens queda a prop, en una època de ressorgir cultural. És a dir, ens proposen un recorregut per tots els barris de Madrid a través d’importants personalitats que van viure en primera persona la moguda madrilenya. En cada capítol, un protagonista diferent ens revela els secrets del seu barri i els espais preferits de la seva generació. La ruta d’Almodóvar o la d’Alaska us agradaran especialment, pel seu to narratiu, a cavall entre l’humor i la melancolia.

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Redacció Qualsevol Nit

Kamikaze Helmets: Atrévete a descubrir la cultura kamikaze

15/07/202202/12/2021 per Redacció Qualsevol Nit

A veces lo mejor es pararse en seco y escuchar. Por eso de vez en cuando pedimos a lxs músicxs que se expresen y que cuenten su historia por ellxs mismxs. Sin guion, sin preguntas. Simplemente, les damos espacio y ellxs hablan. Hoy es Gabri Casanovas, de la formación rock sin guitarras Kamikaze Helmets, quien nos presenta su nuevo proyecto junto a Kike Parra. Todos a cubierto porque su debut es explosivo.

Siempre he tocado con bandas de diferentes estilos, rock, soul, funk, jazz-soul instrumental, desde que me dedico a la música, llevaba varios años con este proyecto en la cabeza, pero el cuerpo me pedía algo más cañero. Kike y yo coincidimos tocando con Aurora and The Betrayers, después, hemos compartido múltiples formaciones y jams sessions en Madrid. Cuando le vi tocar y cantar por primera vez no di crédito con la destreza y la onda que lo hace, era la pieza perfecta para lo que tenía pensado, dos personas, pero sonar como una banda completa. ¿Y esto cómo se consigue? Kike, es un batería impresionante y a su vez un cantante increíble, así que esas dos funciones están cubiertas con creces. Por mi parte, llevo muchos años tocando el órgano Hammond, la mayoría de las bandas con este instrumento no tienen bajista, ese rol lo hace el organista, lo que me ha llevado a desarrollar la destreza de hacer dos funciones a la vez, el bajo y parte armónica/solista. En este caso, en vez de tocar el órgano, toco un Moog para las partes de bajo y un Whammy Clavinet de los 70s modificado con pedales de todo tipo. Todo esto con la instrumentación adecuada nos ha llevado a hacer una banda de rock sin guitarras con un sonido potente y peculiar.

Nuestras influencias van desde el hard rock setentero a la música electrónica pasando por el jazz, soul, blues, funk, llevamos escuchando diferentes estilos desde que tenemos uso de razón, este bagaje lo hemos plasmado en nuestro primer disco, que sin lugar a dudas es rock, pero tiene pinceladas de otros estilos.

La grabación la llevamos a cabo en los estudios Funkameba, con Santi Martín a los mandos, un experto en grabación analógica, todo ello ha sido grabado en cinta electromagnética lo que le da un color y una textura más redonda que la grabación digital. Lo podéis comprobar en nuestro primer disco homónimo Kamikaze Helmets lo tenéis disponible en todas las plataformas digitales y en formato físico tanto CD como Vinilo. Son diez cortes donde hablamos de la vida, los amigos, lo absurdo e incluso de la cultura Kamikaze.

Os invitamos a que si pasamos por vuestra ciudad vengáis a nuestro conciertos, no quedaréis indiferentes, podréis experimentar un viaje que tiene pasajes de rock potente y abrumador, otros de psicodelia inspiradora y mezclado todo con toques de funk y soul salvaje.

Imagen de portada © Paula Santacruz

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de noviembre

15/07/202218/11/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Sabemos que vas a necesitar una buena dosis de discos para soportar el frío de estos días. Es por eso que te traemos los mejores discos de noviembre, como Fotosíntesi de La Fúmiga, para no parar de bailar, o lo último de Damon Albaran, para abrazar la tristeza del invierno. También te vas a encontrar con las valoraciones de los últimos trabajos de Bruno Mars y Anderson Paak, Curtis Harding, Maria Rodés y La Estrella de David, ABBA y b1n0. La variedad de esta recopilación te va a permitir acompañar con música todos tus momentos.

Recuerda que cada mes recopilamos las últimas novedades musicales, así que si quieres estar al día de todas ellas, no te puedes perder nuestras listas de los mejores discos del mes. ¡Arrancamos!

IDLES – CRAWLER (Partisan, 2021)

Gritando tras millas y millas

La fulgurante trayectoria de Idles en el panorama rock/punk estos últimos cuatro años ha sido algo digno de admirar, incluso para los que no nos acababa de seducir su propuesta, un ruidoso post-punk basado en la repetición, el ataque de bajos y el estribillo vociferado a modo de eslogan, presentado en Brutalism (2017), perfeccionado en Joy as an Act of Resistance (2018) y llevado casi a la extenuación en su anterior álbum Ultra Mono (2020). Esto hace a CRAWLER el disco que obliga al grupo a probar cosas nuevas, si bien con un pie aún puesto en el sonido anterior; el clásico álbum de transición. Los cambios no tardan en hacerse notar; ya solo el primer tema, MTT 420 RR, una introducción de paso lento y con el sinte como instrumento principal, se sitúa en las antípodas del asalto sónico con el que empezaba Ultra Mono. El disco esconde algunas otras sorpresas, como la industrial y medio rapeada Car Crash o The Beachland Ballroom, una introducción al soul muy al estilo de sus contemporáneos Iceage en la que el cantante Joe Talbot se permite modular su registro habitual. La otra cara, la de su sonido clásico, se mantiene efectiva aunque algo menos interesante, resultando la mezcla de estas dos en un álbum con varios picos y valles, un trabajo loable pero algo desequilibrado en su concepción.

Por Miguel Lomana.

RUFUS T. FIREFLY – El largo mañana (Lago Naranja, 2021)

Tomorrow comes today

Han pasado 3 años ya desde que se produjera –en cuanto a nueva música se refiere, ya que nunca han parado de girar– un silencio prácticamente total por parte de la banda de psicodelia madrileña Rufus T. Firefly, que con Magnolia (2017) y Loto (2018), discos hermanos, abrían y cerraban un ciclo de reconocimiento unánime que hasta entonces les había esquivado. Ahora, con este El largo mañana, la intención de cambiar de página parece patente ya solo desde la portada, gruesos trazos de blanco y negro frente a la masa de color de sus dos anteriores; desde luego ofrece una comparación apropiada para la parte musical, que aquí se torna mucho más serena y reposada. Los rasgos que han hecho al grupo una referencia en el rock español, es decir, los riffs de Víctor Cabezuelo, la expresiva batería de Julia Martín-Maestro y la apuesta por el sintetizador como parte integral de su música, siguen aquí presentes, pero domados y, en cortes como Polvo de diamantes, con miras al rock psicodélico más tradicional.

Por Miguel Lomana.

VVV [TRIPPIN’YOU] – Turboviolencia (Helsinkipro, Flexidiscos, Conjuro, 2021)

Depresión post-‘makina’

Aunque tal vez sea pronto y el paso del tiempo será el único juez en este asunto, el tercer disco de Adrían, Elinor y Salvi, es decir VVV (o Trippin’you, que para eso tienen dos nombres) suena como un punto pivotal para esa escena revival del post-punk ochentero que se viene gestando en Valencia y Madrid de aquí a un tiempo; un hito que marca algo en el horizonte, un disco de los que van a ser recordados, vamos. Y no es para menos: los 30 apretados minutos de Turboviolencia son una cosa apabullante, una clara evolución sonora con respecto a Escama que convierte en algo tangible el ‘neo-bakala’, la etiqueta con la que se han dado a conocer en la prensa musical. VVV suponen el reverso de la euforia asociada a esta música, la resaca química, el pesimismo y el agujero negro que llega la mañana siguiente, y lo representan como ningún otro grupo, mostrando que la distancia entre la oscuridad del coldwave y el trance del drum n bass y el ‘makineo’ son menores de lo que aparentan.

Por Miguel Lomana.

COURTNEY BARNETT – Things Take Time, Take Time (Marathon Artists, 2021)

Time is money and money is no man’s friend

Courtney Barnett té una ànima de poetissa. És d’aquelles cantautores que escriu sense embuts i pren distància emocional per compondre inspirant-se en les seves experiències vitals. Things Take Time, Take Time es va concebre durant la pandèmia i l’aïllament va coincidir amb la ruptura de l’artista amb la seva parella i, alhora, companya dalt dels escenaris, Jen Cloher. El disc s’enriqueix amb múltiples gèneres com ara el country, la psicodèlia, el folk i l’indie rock. La música contemplativa retrata el dol i el procés de desprendre’s emocionalment d’algú a qui has estimat, però que ja no ho fas de la mateixa manera. Barnett no es pot estar de jugar amb el temps, sobretot a Rae Street quan recita: “Time is money and money is no man’s friend”. A If I Don’t Hear From You Tonight, de fet, a través de la idea que les estrelles tard o d’hora moren, la cantautora dona a entendre que les relacions amoroses no són eternes i això, encara que costi, s’ha d’acceptar. En definitiva, amb pinzellades de Bob Dylan i dels Beatles, entre altres, Courtney Barnett és capaç d’introduir els i les oients al seu univers de sanació personal i d’inici d’una nova etapa comptant sempre amb ella mateixa i amb la seva solitud escollida.

Per Raquel Ashby

DAMON ALBARN – The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows (Transgressive, 2021)

Ejercicios de meditación

Para un artista tan sumamente inquieto como Damon Albarn, a quien desde 2010 le ha dado tiempo a sacar cinco discos con Gorillaz (desmantelando y reactivando el proyecto entre medias) y a resucitar tras una década de inactividad primero a Blur con The Magic Whip (2015) y después a The Good, The Bad and the Queen –amén de hacer labores de compositor para otros artistas como Kali Uchis o Vince Staples– la noción de separar su música en otro compartimento más, esta vez bajo su propio nombre, puede sonar algo absurda. Sin embargo, la mira con la que parte Damon Albarn para sus discos en solitario, primero Everyday Robots y ahora el que nos ocupa, es lo suficientemente particular para garantizar esa distinción. The Nearer the Fountain, More Pure the Stream Flows, es una obra reposada y melancólica, con trazas del estilo habitual de Albarn pero mucho más enfocado en la textura y el ambiente. Junto con canciones que podrían formar parte del repertorio más suave de Gorillaz como Royal Morning Blue o Darkness to Light, se pueden encontrar interludios que se asoman hacia la música drone o a la instrumentación jazz que componen, tal vez, las partes más interesantes de este disco.

Por Miguel Lomana.

BRUNO MARS, ANDERSON PAAK, SILK SONIC – An Evening With Silk Sonic (Aftermath / Atlantic Recording, 2021)

An Evening With Silk Sonic: un homenaje a la música Motown

Cuando escuchas el álbum de Silk Sonic, el dúo integrado por Bruno Mars y Anderson Paak, te da la sensación de que estás entre el público en los años 60. O como si retransmitiesen su concierto y toda la familia, impaciente, estuviera enganchada al televisor esperando a que empezara. Leave The Door Open es una canción genuina y tierna, que recuerda a la energía de I’ll Be There (Jackson 5), dirigida a una mujer a la que admiran e invitan a cruzar el arco de la puerta cuando ella desee. Fly As Me, en cambio, tiene un componente macarra (“Merezco estar con alguien tan guay como yo”) aliñado con el funk de Kool & The Gang y la influencia de Rick James en su descontrol controlado de la voz. After Last Night correspondería a un R&B más actual y popero como el de Babyface, el cual contrasta con el soul a bajo tempo, así como el de tipo enérgico a lo James Brown. Se nota que es una obra para rendir homenaje a la música Motown. Sin la emergencia de artistas como Marvin Gaye, Luther Vandross o Stevie Wonder, entre otros muchos, que formaron parte de ella seguramente no gozaríamos de muchos de los temas de cantantes que aún a día de hoy se inspiran en esta corriente para encontrar y comunicar su propio arte.

Por Raquel Ashby.

CURTIS HARDING – If words were flowers (Curtis Harding, Anti, Pias, 2021)

Un ram de flors sempre triomfa

If words were flowers és un elegant ram de flors que, lluny de seduir noves audiències i conquestes, està dedicat a seguir enamorant i cuidant les persones que ja gaudeixen del cor del soul. Curtis Harding és un cantant i compositor estatunidenc que va sorgir arran del renaixement del soul de la dècada dels 2000. Després de consolidar-se en el gènere amb Soul power i Face your fear, ens presenta un nou treball on explora l’amor contemporani des del soul tradicional.

A excepció de l’experimental tema So Low, el disc es manté fidel a la senzillesa i la bellesa instrumentals. I és que per què canviar allò que funciona? L’elegància d’un aromàtic ram de flors mai passarà de moda. Així ho demostren els temes més escoltats del disc, Hopeful i I won’t let you down, en què sentim harmonies corals de gòspel. La seductora veu de Harding t’abraça l’ànima i és terapèutica. Les seves paraules, lluny de ser cursis, són carícies de vellut. El disc, en definitiva, ens mostra amb l’exemple com cuidar, en vida, els nostres éssers estimats. Regalem-los flors ara, abans que sigui massa tard.

Per Júlia Palacín.

JOAN AS POLICE WOMAN, TONY ALLEN, DAVE OKUMU – The Solution Is Restless (PIAS Recordings, 2021)

Un popurrí entre dos (o más) aguas

The Solution is Restless es un disco ambiental y poco ortodoxo en cuanto al sonido y al ceñimiento a la estructura convencional de una canción. La parte instrumental sobresale por su capacidad de marcar el funk con el bajo –así como por su habilidad de saber integrar múltiples instrumentos de los cuales emana una distinta naturaleza artístic – y de mezclarlo con elementos experimentales. En The Barbarian, la primera pieza y además la más larga del álbum, se funde una voz hipnotizante con el piano que a ratos va in crescendo. Hacia el final se puede escuchar música oriental y, de fondo, percusión. Esta combinación harmónica encaja a la perfección y destaca por su emoción melódica. Las notas graves del piano, así como el órgano, aportan a Take Me To Your Leader un sonido góspel como si nos hubieran teletransportado a una iglesia estadounidense. Al fin y al cabo, este LP es admirable, en tanto que se atreve a tomar riesgos y a decir la suya en los cánones musicales establecidos. Es muestra de ello el fragmento que protagoniza el teclado en el tema The Love Has Got Me, el cual diferencia la primera parte de la segunda. Me quedo, asimismo, con la complicidad y la pequeña comunidad que crearon estos músicos al compartir y grabar su arte. Por suerte, siempre lo podrán volver a escuchar, y nosotros también.

Por Raquel Ashby.

ADELE – 30 (Melted Stone, Columbia Records, 2021)

Èxit rere èxit

El nom d’Adele és sinònim de reputació i vendes massives. De fet, cada cop que anuncia nou disc, el públic entra en estat de shock i accepta de manera impacient una espera massa prolongada en el temps. El poder de l’artista és tan gran que pot fer que una plataforma com Spotify canviï la seva manera de fer. No obstant, el treball i la valentia de la cantautora són els encarregats de seguir coronant-la com una de les artistes més importants del panorama musical. Parlar de la prodigiosa veu de l’Adele és massa propi del 2011, així que ens estalviarem aquest moment, ja que ha demostrat la seva capacitat vocal disc rere disc. A 30 ens trobem amb una Adele oberta en canal que ens convida a explorar a les seves angoixes, relacionades amb el divorci, la maternitat o el sentiment de fracàs personal. Easy On Me és de les primeres cançons del disc i resulta enganyosa perquè recorda a les cançons dels discos anteriors. Quan avances descobreixes la riquesa musical del disc, protagonitzada per un soul-funk present a cançons com All Night Parking i un estil clàssic en format de balada a Strangers By Nature o Love Is A Game. La fluïdesa que presenta a l’hora de desplaçar-se pels diferents gèneres és digna d’admirar. Cal fer una especial menció a My Little Love, que ofereix un moment íntim i familiar a través d’una nota de veu real entre el seu fill i ella. Només ens queda donar les gràcies a la valentia d’artistes com l’Adele.

Per Paula González.

TAYLOR SWIFT – Red (Taylor’s Version) (Republic Records, 2021)

Las facetas de Taylor Swift en 30 canciones

Red (Taylor’s Version) recopila canciones de sus anteriores discos y no deja de ser un tributo a sus experiencias vitales y a su longeva carrera musical. Cabe decir que esta empezó con el exitoso Fearless, un primer álbum con una madurez artística sorprendente por lo joven que era la cantante en aquel momento y que destacó por integrar baladas y temas enérgicos enmarcados en la música country.
Temas como I Knew You Were Trouble, 22 o We Are Never Ever Getting Back Together recuerdan a la transición al pop que marcó un punto de inflexión en su trayectoria, lo cual conllevó aplausos y críticas por parte de algún que otro purista. Sin embargo, Red, Treacherous, All To Well y I Almost Do, entre muchas otras, nos hacen recordar el bagaje original de Swift, característico por letras entrañables y, a su vez, desgarradoras. Mientras que Red y Treacherous aluden a un amor apasionado, pero inestable e imprudente – algo que, como ella misma recita, inevitablemente, le atrae –, All To Well y I Almost Do culminan en Better Man, porque lo que se pregunta la autora es qué frutos habría dado ese amor si hubiera estado con un hombre que la valorase no solamente cuando ya la ha perdido. Lo que pone en evidencia este álbum es la estampa personal que ha hecho distinguible el arte versátil de Taylor Swift y su don no solo como intérprete, sino también por su faceta de compositora.

Por Raquel Ashby

SOLEÁ MORENTE – Aurora y Enrique (Elefant Records, 2021)

Silbidos infantiles para invocar otros veranos

La familia Morente ha sido fundamental para imbricar el flamenco, o al menos la raíz del cante, con los múltiples géneros musicales que han copado el ámbito de lo ‘popular’ a lo largo de los últimos 30 años. El camino elegido por Soleá, la hija mediana de Enrique Morente y Aurora Carbonell, fue el de emanciparse pronto del corte eminentemente folclórico de su hermana mayor Estrella para acercarse al terreno de cierto indie-pop al que, sin embargo, nunca ha cedido por completo su territorio. La familia Morente es, valga el pretexto, la protagonista del cuarto disco de estudio de Soleá, titulado bajo la sombra de sus padres y en el que Estrella Morente también participa, prestando su voz a esa delicadeza synth-pop-flamenco de nombre El pañuelo de Estrella. Este Aurora y Enrique sigue con evidencia la estela que marcó a comienzos del pasado año Lo que te falta: Soleá Morente se siente cómoda recogiendo, observando lo que sucede en el panorama musical contemporáneo -las espléndidas colaboraciones con Triángulo de Amor Bizarro y Marcelo Criminal son las más pulcras evidencias- y trayéndolo todo de vuelta a su casa, a la palmada clásica del flamenco que, como su padre Enrique ya se encargó de enfatizar en el icónico Omega -que viene de cumplir 25 años-, no son incompatibles con las indagaciones instrumentales del rock ni los paisajes sonoros de la música electrónica. Todo eso está en Aurora y Enrique, que sin embargo no deja de ser un disco de abrumadora sencillez: las diminutas dimensiones de las imágenes propuestas, el cuidado de una producción que se encarga de que ningún sonido se quede en un background borroso y la fluidez con la que los géneros musicales dialogan a lo largo de sus once cortes convierten al último trabajo de Soleá Morente en un fiel reflejo de su quehacer artístico, con la generosidad y la curiosidad por delante y todo este mundo acuático, poblado de secretos y de criaturas fascinantes, navegando por detrás.

Por Adrián Viéitez

MARÍA RODÉS & LA ESTRELLA DE DAVID – Contigo (Elefant Records, 2021)

Para bailar el country hacen falta dos caderas

David Rodríguez –La Estrella de David, para lo que nos concierne- y María Rodés se han juntado para hacer un disco: menuda polvareda. Del pop melancólico del primero y el folk-pop suave de la segunda ha nacido una suerte de álbum de corte country que no pierde ni la amargura cómica de David -perfectamente reflejada en la canción que cierra el asunto, titulada Nos vamos a divorciar– ni la exactitud lírica de María -que habita con fuerza varias de las canciones que nos ocupan, pero quizá lo haga en Eres más que en ninguna otra-. Este disco nos prueba, en primer lugar, que el diálogo siempre añade algo a la ecuación; bien sea por la imposibilidad del solipsismo o el joie de vivre de componer a la vera del otro, este Contigo se siente en primer lugar divertido, fascinado por su propia manera de moverse. La serenidad de María Rodés apaga los restos de autoindulgencia propios de la escritura-por-exceso de La Estrella de David; la afilada mirada sobre la cotidianidad de David resuelve los espacios más blandos de las composiciones de María. El disco se sabe singular: se llora y se baila, en un espectáculo autoirónico esparcido de ternura, un rodeo invadido de guitarras y particularmente nocturno, una danza de dos, una danza contigo.

Por Adrián Viéitez.

VETUSTA MORLA – Cable a Tierra (Pequeño Salto Mortal, 2021)

Letras bien afiladas

“Dime si es verdad que las canciones hieren y esta la tendré bien afilada”. Así de amenazante se muestra una de las letras del nuevo disco de Vetusta Morla, Cable a Tierra. La banda española de indie rock se sirve de la música de raíz, de los estilos folclóricos y de la poesía para estremecernos con los peligros del amor. La propuesta arranca con fuerza, con el sencillo Puñalada trapera, en que la guitarra y la pandereta nos anuncia la traición que está por venir. Corazón de lava, aún más alarmante, nos advierte del daño y del dolor emocional, mediante un tétrico canto al piano. La tensión insostenible del disco parece ceder un poco hacia el final, con temas como el aclamado Finisterre. Así, aunque el disco asocie el amor con el peligro y la vulnerabilidad, termina aceptando, a mi entender, el riesgo que implica querer. Cable a Tierra me ha parecido una propuesta musicalmente hablando muy diferente y recomendable. Con letras magistrales, como la del tema Palabra es lo único que tengo, y sonidos musicales folclóricos, como muestran los violines de cuerdas rotas en La Virgen de la humanidad, se ha convertido en uno de mis preferidos del mes.

Por Júlia Palacín.

COLECTIVO DA SILVA – Casa Vargas (Subterfuge Records, 2021)

Una oda a l’amor

Casa Vargas és, sens dubte, una oda a l’amor. El disc pren el vol amb el tema Invítame a tu casa, el qual sembla descriure el moment d’atracció inicial amb algú que sol anar acompanyat per la incertesa. Una cançó més aviat de pop sintetitzat i alternatiu, marcada per la presència de la guitarra elèctrica de fons, que juga amb la fantasia de menjar-se a petons la noia que els agrada. Tú Me Pones Nervioso té una Motown vibe, sobretot pels trets del baix, i seria la sensació que complementaria la primera fase d’una relació amorosa. A Nos Vemos Luego es produeix un inesperat gir de guió en el qual predomina un ritme caribeny. Que Dios Bendiga el Reguetón segueix la mateixa línia i, curiosament, el tros en què comencen a entonar “Yo soy tu gatito” recorda al so que s’associa amb Grease. ¿Conoces a Mi Mamá? arriba a la meitat de l’àlbum per parlar sobre l’enamorament, i la tornada s’aproxima al que coneixem com a pop espanyol, però sense tirar tant cap al gènere indie. Amb After viatgem a l’època dels 80 de la música disco, de la qual grups francesos com Daft Punk han agafat el relleu. Motivos, amb una sonoritat i una melodia propera al bolero, marca la fi de l’obra, però no la de la relació mentre reafirmen: “Yo concluyo que mi motivo mejor eres tú”.

Per Raquel Ashby.

IZAL – Hogar (Hook Ediciones Musicales, 2021)

El cobijo al que regresar

Hogar empieza a sonar a las 7:44 Am, gracias a los rincones y a los cantos que brinda la naturaleza. El disco, a mi parecer, rinde homenaje al amor en todas sus formas: al familiar, al de pareja, al propio y al de amistad.
Meiuqer – réquiem al revés –, se enriquece de la energía ambiental del anterior y adquiere un sonido que tiende a asociarse con la música de la Iglesia. Esta cualidad es mezclada con un tipo de country que recuerda a los Mumford & Sons. Fotografías es de los temas más emotivos, en tanto que logra ir in crescendo, a la vez que trata sobre el paso del tiempo y sobre el amor incondicional hacia ” todas y todos los que hicieron que valiera la pena saltar a esta piscina sin saber si estaba llena “. He Vuelto también se trata de una canción nostálgica, ya que describe cómo echan de menos a alguien a quien amaban, a pesar de estar viviendo el sueño de sus vidas. En efecto, este álbum tiene un aura sonora que bebe del rock alternativo y el folk con el que también han experimentado bandas como The Fray, The Killers, Kodaline o Keane. Las letras transitan por la introspección, el desamor, el dolor y la felicidad. Esto crea una armonía ideal para mantener una conversación con quien sea que las esté escuchando en su hogar, un lugar al que de vez en cuando es necesario regresar.

Por Raquel Ashby

ABBA – Voyage (Capitol, 2021)

Soy la niña que se fue al espacio hace tanto tiempo

La historia de ABBA fue corta y fulgurante: ganaron Eurovisión, lanzaron un puñado de álbumes a lo largo de los 70 y se convirtieron, desde la Suecia insospechada, en uno de los cornerstones de la música disco-pop que inauguraba una nueva actitud estética: la propia de los años ochenta, del sintetizador y las luces titilantes. Más insospechado que su origen, sin embargo, ha sido el regreso de este cuarteto tras nada menos que cuarenta años sin producir música nueva. El resultado es diabólico: Voyage se acopla con tanta naturalidad al hilo musical de ABBA como a las tendencias musicales contemporáneas, dejándonos en el abismo de un dilema irresoluble: o bien estamos en 1981, o bien los reyes del pop sueco hicieron música para el futuro. En Don’t Shut Me Down, uno de los dos singles adelantados al lanzamiento del disco, adivinamos la nostalgia suave y esperanzada propia de los grandes éxitos del grupo, en esa intersección tan delicada entre la melancolía y las ganas de bailar. Alrededor de ese eje lleno de fabulaciones líricas se construye Voyage, una miríada de canciones que apuntan hacia el pasado con la misma fijeza con que se disparan al futuro abrazadas al folclore, lo narrativo, la experimentación formal y la consolidación de un sello que ha encontrado la hebra a través de la cual escurrirse desde los setenta hasta hoy. También de las estrellas se cuenta que el brillo al que asistimos no es más que un reflejo emitido millones de años atrás.

Por Adrián Viéitez.

ALIZZZ- Tiene que haber algo más (Warner Music, 2021)

Sortir del backstage

Fa uns mesos que el nom d’Alizzz, el productor d’una gran part de la discografia de CTangana, només era conegut per una petita part. No obstant això, ja fa un any que l’artista va decidir emprendre el seu propi camí en solitari per llençar cançons com Todo me sabe a poco o Ya no siento nada. Durant aquests mesos també ha col·laborat amb artistes com Amaia a El Encuentro i, recentment, amb CTangana a Ya no vales, que tracta la data de caducitat de les dones a la indústria cultural. Aquestes cançons van servir per assaborir el seu talent i començar a forjar seguidors de la seva pròpia música, però ara hem pogut gaudir de 5 cançons inèdites amb col·laboracions completament inesperades, com la de la Rigoberta Bandini. L’univers narratiu de la cantautora es veu reflectit a Amanecer, una cançó que ens trasllada al ‘mañaneo’ definitiu per descriure’ns la fi d’una festa. Sota el pseudònim d’Alizzz, Cristian Quirante ha decidit sortit del backstage per posicionar-se al capdavant de l’escena indie nacional.

Per Paula González.

B1N0- bi (Hidden Track Records, 2021)

Nous horitzons musicals

b1n0 torna amb bi, un EP que ens permet viatjar per 5 cançons coherents amb un so molt característic. Seria injust parlar d’electrònica i prou. Els samples, els beats i els sintetitzadors s’encarreguen de configurar un so que s’allunya del purisme electrònic que caracteritzava el seu últim disc b1n0. També és innegable que bi es nodreix de diferents referents musicals, però el resultat sonor és un híbrid únic i peculiar que costa encasellar o reconèixer de forma clara en altres artistes. A més, l’àlbum compta amb 4 col·laboracions locals de categoria. El seu darrer disc ja era una advertència sobre el bon gust de la banda a l’hora d’escollir artistes col·laboradors i vam poder gaudir d’una Núria Graham passada pel filtre de l’electrònica -fusió que no us podeu perdre-. En aquest cas trobem cançons amb artistes com en Ferran Palau (BUM BUM) o la Meritxell Nedderman (N0). Ara bé, trobo molt necessari destacar la curiosa fusió de b1n0 amb Tarta Relena, una col·laboració que et trencarà el cap i et transportarà a una espècie d’aquelarre electrònic. A bi trobarà risc i emoció combinat amb un gust per l’experimentació i la cerca de nous horitzons musicals.

Per Paula González.

DELAPORTE – Abril (Mad Moon Vision, 2021)

Un cóctel que revifa la set

Després de molt temps de discoteques tancades, tornem a sentir vibrar les cançons al club. L’excel·lent duo de música electrònica, Delaporte, sap que la tornada no ha estat fàcil i sota del nom d’Abril —un mes de canvi per la banda—ens regala quatre temes electrònics i tres remixes que ens acosten els sons més club. El disc de Delaporte és un cóctel agredolç que passa ràpidament per l’esòfag, una beguda que condensa a la perfecció les intenses sensacions que es poden acumular al llarg d’una nit de festa al club: Desnudarnos otra vez aporta la dosi de sexe i èxtasi a l’experiència. Droga dura i Narciso, amb un so propi del house dels noranta, ens parla de persones i actituds tòxiques i egoistes de les quals hem de fugir. Kryptonita, al seu torn, representa l’ajuda dels amics, que ens fan sortir de la foscor i tornar a brillar. Sentir les noves produccions de Delaporte és sempre per a mi emocionant. L’electrònica del grup em va captivar fa anys i em va guanyar amb les seves col·laboracions a TITANAS—. He de dir, però, que aquest saborós cóctel de cançons (Abril) m’ha deixat amb set de més.

Per Júlia Palacín.

MARÍA ESCARMIENTO – Diplomática (Primavera Labels, 2o21)

Perrea sin sentirte mal

Desde que empezó a componer su música lo tuvo claro, así que quiso trabajar en un sonido fresco y urbano. Con su anterior y primer EP Sintiéndolo Mucho ya nos demostró el camino que iba a emprender y a través de canciones como La Bomba nos advirtió del talento que poseía para hacer perrear a todas sus oyentes. Las canciones del nuevo álbum de Maria Escarmiento siguen la línea de sus anteriores composiciones -lo cual agradecemos-. Se trata de un sonido oscuro con beat de reaggeton, es decir, con canciones como Las Veces Que Estoy Sin Ti parece que la artista pretende hacernos bailar y llorar a la vez. Algunos de sus temas anteriores, como Castigo, ya nos transmitían esa melancolía amarga que volvemos a encontrar en las canciones del nuevo EP, así que Maria Escarmiento ha vuelto con Diplomática para reafirmar su estilo. En cambio Borracha, el single del disco, es un canto al disfrute del presente, para saborear el momento y recordar que “los remordimientos no sirven de nada… ya veremos mañana”. Si tienes ganas de disfrutar de buen reggaeton sin sentirte mal por según qué letras, Maria Escarmiento es tu artista. El amor tóxico, la seducción inicial o la añoranza tienen cabida en un EP sincero que seguro que se queda corto para muchas. Está claro que, paradójicamente, las canciones de la artista brindan luz al género.

Por Paula González.

RAN RAN RAN – Clàssics populars (Bankrobber, 2021)

Tant se val el que diran-ran-ran

Clàssics populars és un disc per parar-se a respirar, enmig de l’estrès de la rutina. Es tracta d’una música cuita a foc lent i amb molta tendresa. L’agradable veu d’en Ferran Baucells, que se situa en el registre parlat i posa l’accent sobre cada paraula, ens permet assaborir el missatge amb calma, amb oracions simples, però directes (“tant se val el que diran-ran-ran”) les cançons del grup uneixen de manera similar a la música de cau, d’esplai o de colònies. Ran Ran Ran ens ofereix temes com Fulles, en els que sentim un deliciós puntejat de guitarra, uns exquisits violins i uns encertats cors femenins, cortesia de Martina Borrut. D’entre els dotze temes del disc, Leviatan i Idiots savants són potser els meus preferits, pel toc de realisme màgic que incorporen sobre els afers quotidians. També m’han agradat especialment Cendra i Pioners, per la seva èpica motivacional i el seu so de pop domèstic. Per acabar, en un disc que parla de la quotidianitat, no podríem deixar de mencionar el tema Viure, que ens fa valorar les petites coses i la Cançó d’ultratomba, sobre el moment en què arriba la mort.

Per Júlia Palacín.

LA FÚMIGA – Fotosíntesi (Halley Records – 2021)

Tindrem més hores de llum

Començar el dia escoltant el nou disc de La Fúmiga és dir sí a la vida. El recent àlbum de la multiformació valenciana, Fotosíntesi, està compost de deu cançons lluminoses i optimistes. Amb una poderosa secció de vents, entre la que sentim trompetes, trombons, saxo i bombardí, el grup aconsegueix donar un caire festiu a tot el que sona. Temes com Comèdia dramàtica ens acosten la sonoritat pròpia de les bandes balcàniques i de les brass bands del centre d’Europa.
Fotosíntesi és energia, llum i vida. És també una celebració de les arrels valencianes. Els dotze integrants de la formació, que es van fer amics a la banda municipal d’Alzira, col·laboren en aquesta ocasió amb la catalana Suu i amb projectes valencians com Zoo, Samantha, Esther i Jonatan Penalba. Amb aquest últim, fan el tema més tranquil del disc, Llavors, en què vetllen per la integració de les persones a la seva terra, que ha estat històricament enfrontada i dividida.

Per Júlia Palacín.

LA SENTINA – Brutalismes (La Sentina- Associació Cultural Indian Runners, 2021)

La brutalitat de l’existència

La Sentina torna per presentar Brutalismes, el quart disc del duo format per l’Albert Girons i l’Ildefons Alonso (El Petit de Cal Eril). En aquest àlbum íntim trobem preguntes, reflexions i sentiments que acompanyen a l’Albert en aquest viatge vital. Les lletres s’encarreguen de deixar constància d’algunes vivències, a més de l’aprenentatge que aquestes ens proporcionen. S’ha de ser valent per parlar de l’amor -o més aviat, del desamor- i a cançons com Raig trobem la veritat més pura sobre la brutalitat dels impactes, provocats pels acomiadaments. L’enyorança es presenta com una conseqüència inherent de l’existència i sentim parlar del sentiment de solitud amb tranquil·litat. Brutalismes planta cara a la vida per convertir els moments reflexius en poesia.

Per Paula González.

LA CORDA FLUIXA – Mirant Endins (Guspiria Records, 2021)

Viatge introspectiu

Mirant Endins arriba a l’època més oportuna de l’any. Durant l’hivern a tots ens agrada ser seduïts per música trista i melancòlica, però una bona dosi d’optimisme sempre s’agraeix. El grup de La Cerdanya La Corda Fluixa ens presenta un disc de 8 cançons plenes de llum i, a vegades, amb un punt de melancolia a temes com Ayúdame. I és que, com el seu nom indica, Mirant Endins és un viatge d’introspecció personal que ens endinsa en els sentiments col·lectius, així com la nostàlgia d’un amor passat, la pau que sents quan et trobes rodejat de la teva gent o aquella necessitat de viure el present. El pop-folk va acompanyat de lletres en castellà i català que també s’encarreguen de parlar sobre l’acceptació dels errors, un punt molt important per a La Corda Fluixa, ja que ens recorden la importància de saber entendre allò que ens fa aprendre i créixer mentre som respectuosos amb nosaltres mateixos. Aquest disc és, sens dubte, un recordatori constant de la màgia de viure.

Per Paula González.

CONVERGE / CHELSEA WOLFE – Bloodmoon: I (Epitaph, 2021)

Demoledora parafernalia gótica

Surgida a partir de una serie de conciertos en 2016, Bloodmoon: I supone la primera muestra en estudio (y a juzgar por ese I en el título, no la última) del supergrupo formado en torno a dos figuras totémicas de lo que podríamos denominar “lo oscurillo”: Converge, tal vez la banda de metal extremo más esencial de este siglo y Chelsea Wolfe, cantautora que ha explorado más que ninguna lo que es el rock gótico contemporáneo. Acompañados también en este proyecto por Ben Chisholm (mano derecha de Wolfe) y Stephen Brodsky (habitual de la escena hardcore de la que Converge provienen), Bloodmoon encuentra un natural equilibrio entre los dos estilos que aquí convergen, algo nuevo para los artistas involucrados que no suena a una versión diluida de su música, generalmente el mayor pecado de este tipo de colaboraciones. Lo mejor: el inicio marcado por Blood Moon y Viscera of Men y el ocasional trallazo metalcore como Tongues Playing Dead. Lo peor: la teatralidad ‘goth’ del álbum, especialmente en las letras, se le puede atragantar a más de uno que no venga preparado.

Por Miguel Lomana.

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Redacció Qualsevol Nit

Sónar CCCB i AI and Music S+T+ARTS : Els concerts més sonats

04/11/202125/10/2021 per Redacció Qualsevol Nit

AI and Music S+T+ARTS

El festival d’intel·ligència artificial AI and Music reunirà experts, científics, professionals i artistes de tot el món per debatre, explorar i demostrar les possibilitats que ofereix la intel·ligència artificial aplicada a la creació musical.

Sónar, la Universitat Politècnica de Catalunya (UPC) i betevé han treballat plegats per portar un total de 21 shows a Barcelona. Es tracta d’una proposta innovadora, inscrita dins el programa S+T+ARTS (ciència, tecnologia i arts) de la Comissió Europea.

Dimecres 27

Marco Mezquida ‘Piano + AI’ : El virtuós pianista Marco Mezquida presentarà un instrument d’intel·ligència artificial, cocreat amb científics i enginyers de la UPC, que reconeix les tècniques del músic i respon a temps real amb diferents paisatges sonors de síntesi.

Dijous 28

AWWZ b2b AI DJ: El públic serà convidat a col·laborar directament amb una intel·ligència artificial, que traduirà l’estat d’ànim dels assitents en suggeriments musicals. El projecte, fruit de la col·laboració entre la dj Awwz i un equip d’investigació de la UPC, reflexionarà sobre la capacitat dels dj de llegir el gust de l’audiència i apuntarà les claus del futur de la professió.
Mouse On Mars: El duo alemany, format per Jan St. Werner i Andi Tomas, presentarà un programari capaç de transformar la parla en instrument musical. Sentirem la nova proposta del grup que fa més de 25 anys que és al capdavant de la música electrònica experimental.
Holly Herndon, Maria Arnal i Tarta Relena: L’artista Holly Herndon ja va sorprendre a l’edició del Sónar 2019 amb el seu ‘AI Baby’. Aquest any, acompanyada del seu còmplice habitual, Mattew Drhurst, presentarà Holly+, un avatar digital que permet que altres persones cantin amb la seva veu. Les vocalistes convidades a fer-ho seran Maria Arnal i Tarta Relena. Sense dute és una de les col·laboracions més esperades del festival!
Hamili Industries & Kiani del Valle: El prestigiós estudi de disseny barceloní, Hamili Industries, s’uneix a la coreògrafa Kiani del Valle i a experts d’intel·ligència artificial de la UPC per crear un show audiovisual que expandirà els límits del cos humà cap a nous territoris: ‘Engendered Otherness, a symbiotic AI dance ensemble’.

Sónar CCCB

El Sónar CCCB s’inaugurarà amb un experiment de neurociència, presentat per l’Ajuntament de l’Hospitalet i l’Institut de Recerca Biomèdica de Bellvitge (IDIBELL), en què s’estudiarà la curiositat humana. Els assistents del cicle seran avaluats i les sales de concerts es convertiran en laboratoris.

L’edició continuarà amb un total de 40 shows i DJ sets. Inclourà conferències, workshops i finalitzarà, diumenge 31 d’octubre, amb la marató de documentals sobre electrònica, coorganitzats amb el festival In-Edit.

Divendres 29

Verde Prato : L’artista basca destaca pel seu àlbum en llengua basca Kondaira eder hura (Aquesta bonica història), on remodela les cançons i històries folk tradicionals i les transforma en postpop contemporani.
Tirzah: La compositora de Londres, amb les seves característiques produccions lo-fi, s’ha consolidat com una veu singular al Regne Unit. Al Sónar, portarà el seu nou LP Colourgrade.
Rakky Ripper: La granadina Raquel García, introductora de l’hyper-pop a Espanya, presentarà un show creat per l’ocasió, on mostrarà la seva visió patentada del pop electrònic maximalista.

Dissabte 30

Maria Herlop: La pianista, cantant i compositora catalana sobresurt pel seu estil fusió entre el classicisme i l’avantguarda. Us agradarà saber que fa servir un idioma inventat en les lletres de les seves cançons.
Il Quadro di Troisi: El duo italià ens portarà un synth-pop idíl·lic i evocatiu, inspirat en les comèdies surrealistes del director Massimo Troisi.
Koreless: L’artista i productor gal·lès Lewis Roberts ja va deixar bocabadat el públic del Sónar 2016 amb l’espectacle AV “The Well”. A veure amb què ens sorprèn aquest any.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de octubre

15/07/202223/10/2021 per Redacció Qualsevol Nit

¡Este octubre viene cargado de novedades! Tantas, que hemos decidido estrenar nuevo formato para poder abarcarlas. A partir de ahora, actualizaremos la lista de forma semanal, con los nuevos lanzamientos más destacados. ¡Así, no se nos escapará ninguno!

Este mes publicamos las reseñas y valoraciones de los trabajos de Tarta Relena, Marialluïsa, Marina Hein, Germà Aire, Santiago Motorizado, Cristina Len, Kokko Jean & The tonics, Roba Estesa, Las Dianas, Moon Vision o Madee. También podéis leer sobre los álbumes de artistas internacionales como The War On Drugs, Elton John, Lana del Rey, Nicki Nicole, Helado Negro, Kevin Morby, Toni Bennet & Lady Gaga y James Blake.

Si queréis más, podéis echar la vista atrás y leer las listas de novedades de los meses anteriores: enero, febrero, marzo, abril, mayo, junio, julio-agosto, septiembre y octubre de 2021.

TARTA RELENA – Fiat Lux (La Castanya / The Indian Runners, 2021)

La mujer como referente

Aunque el verdadero poder de Tarta Relena se acentúa en directo, nadie debería desdeñar su labor en estudio. En el laboratorio, Marta y Helena, preparan, con especial esmero, lo que después veremos en el escenario. En ese sentido, resulta imprescindible conjugar su última producción titulada Fiat Lux con la visita a uno de los conciertos de la gira que están realizando. Fiat Lux (epíteto de resonancias bíblicas), es una osada producción de Oscar Garrobé y Juan Luis Batalla que, si bien, no consolida la carrera de las eternas compañeras de viaje (con tan pocos quilómetros recorridos es inverosímil), pone un punto y seguido, de elevación, a su trayectoria. Álbum atemporal y evocador de personajes femeninos trascendentes en la antigüedad como la Virgen María, Safo de Lesbos, la visionaria sacerdotisa medieval Hildegarda de Bingen o mujeres de la tribu paixtu de Afganistan, esta luz resplandeciente, es ante todo, un experimento sensorial fascinante. La atrevida sonoridad de la que hablábamos, se refleja en experiencias tipo El suïcidi i el cant (acongojante inicio), Stabat mater o Me yelassan (desenlace del advenimiento). Si buscan las Tarta Relena casi desnudas de tecnología, las hallarán en Tu ase t’urpa, Esta montanya d’enfrente, Imperaytriz de la ciutat joyosa o Nunc aperuit nobis, cuatro ejemplos de esa aura espiritual que las engrandece. Fiat Lux es, obviando posibles y tramposos premios, uno de los trabajos con más juicio que aparecerán en este 2021. Sobrecogedor.

Por Barracuda.

THE WAR ON DRUGS – I Don’t Live Here Anymore (Atlantic, 2021)

Continuïtat notable

Pocs grups han protagonitzat una trajectòria més evolutiva i sòlida en els últims 15 anys que The War on Drugs. La banda dirigida pel plenipotenciari Adam Granduciel ha passat del desert psicodèlic del Wagonwheel Blues (Secretly Canadian, 2008) i l’Slave ambient (SC, 2011), a l’èpica opressiva de Lost in a dream (SC, 2014) i la claredat reflexiva de A Deeper Understanding (SC, 2017). A I Don’t Live Here Anymore, la banda estadounidenca aposta pel continuisme i torna a posar-se la capa de trobador modern, clarament inspirada en grans noms de la cançó nordamericana com Bob Dylan, Bruce Springsteen o Tom Petty. Els de Filadèlfia continuen la seva interminable recerca de l’amor, perquè no dir-ho també, la felicitat. En aquest viatge destaquen la sossegada balada Living Proof, l’expansiva Harmonia’s Dream i la visceral I don’t wanna wait. Tot va in crescendo fins a la lluminosa I don’t live here anymore, cançó que dóna nom al disc i que desprèn flaire de rock d’estadi. A partir d’aquí, el disc cau en una certa autocomplaença, amb Granduciel esprement fins a la redundància exitoses fórmules del passat.

Per Pere Millan.

JAMES BLAKE – Friends That Break Your Heart (Polydor Records, 2021)

Luces nuevas para esta misma búsqueda

El quinto álbum del artista británico James Blake ha llegado para hacer lo que los dos anteriores: modificar ligeramente su trayectoria sin desviarse por completo del camino pautado desde sus dos discos iniciales, el homónimo y el aclamado Overgrown que lo catapultó a la primera plana de la escena indie envuelto por un manto de electrónica. Si bien sus primeros dos discos se acogían a un gesto introspectivo y melancólico que contribuyó en buena medida a construir su identidad como artista, los trabajos posteriores de James Blake han ido buscando ya otras luces más vivas, otros espacios más diáfanos. Sucedía así en Assume Form, un álbum en el que nos encontrábamos con un Blake mucho más reconciliado con su propia voz, y vuelve a ser el caso en Friends That Break Your Heart. En esta ocasión, el músico inglés propone un recorrido ciertamente estimulante en el que incide en su interés por corrientes contemporáneas del hip-hop –las colaboraciones con SZA y JID & SwaVay no son más que la superficie de este interés, inscrito en todo el álbum– y busca una nueva manera de relacionarse con su dubstep recogido, que se acerca a nivel sonoro a sus primeros discos especialmente en las últimas canciones. Sin embargo, el camino previo no puede ignorarse: uno no llega a estos cortes con la misma sensación que cuando escuchaba Overgrown. La búsqueda de James Blake ya no ilumina hacia dentro más, todas las luces apuntan ahora hacia fuera.

Por Adrián Viéitez.

LANA DEL REY – Blue Banisters (Interscope / Polydor, 2021)

Ser distinta, no dejar de ser la misma

Pocos dudan ya al respecto de que el Norman Fucking Rockwell! supuso un punto de inflexión en la carrera de Lana del Rey –que el año que viene cumplirá el décimo aniversario desde el lanzamiento de su primer álbum, el también memorable Born to Die–. En aquel disco, que vio la luz hacia el final del verano de 2019, la artista norteamericana llevaba a un extremo de pulcritud la búsqueda sonora que había marcado toda su trayectoria; el onirismo de sus paisajes conseguía el equilibrio adecuado entre la profundidad y la compostura, su rabia melodramática encontraba fuentes inagotables para volverse música y hacerlo ya no solo a través del dream pop desvaído, sino también haciendo gala de un virtuosismo en la producción que dejó para la memoria cortes como The greatest, culminación de una forma de aproximarse al mundo a través del lenguaje musical. Las consecuencias de ese éxito inapelable fueron difícilmente evitables: Lana del Rey ha mantenido su condición de artista prolífica y Blue Banisters es ya el segundo disco que saca a la luz tras el éxito de Norman Fucking Rockwell!, después de sacar el pasado 2020 Chemtrails over the Country Club. El álbum que nos ocupa comparte algunas de las problemáticas de su predecesor, en el sentido de regurgitar con frecuencia trozos y recursos musicales ya visitados por la discografía de la artista, pero empieza a ofrecer también algunas posibles vías de escape. Por un lado, en Blue Banisters nos encontramos con una Lana del Rey capaz de adentrarse –quizá más que nunca– en las aguas del country-americana; por otro, en cortes como Dealer –en el que colabora con Miles Kane–, consigue hibridar de manera notablemente genuina su estilo etéreo con los códigos de un indie-rock algo más sucio. Norman Fucking Rockwell! supo tocar a un tiempo varias teclas adecuadas, y desde entonces Lana del Rey ha vuelto un poco a lo que había ocupado su carrera previa: la búsqueda. Si los ciclos se cumplen, no tardará mucho en volver a lograr que las cosas cuadren.

Por Adrián Viéitez

HELADO NEGRO – Far In (4AD, 2021)

Volando entre las cuevas del mundo

Después de participar en varias de las variaciones contemporáneas del indie rock a lo largo de sus primeros cinco álbumes al frente de la banda neoyorquina Helado Negro, el artista estadounidense de raíces ecuatorianas Roberto Carlos Lange consiguió finalmente asentar a su grupo en la primera línea del panorama musical con el lanzamiento de This Is How You Smile, su sexto trabajo de estudio tras toda una década de recorrido. El inapelable éxito del disco, que asentaba por fin el sonido de Helado Negro en un lugar específico al borde de lo progresivo, con infiltraciones propias del jazz y de la música latina, hizo que el sello discográfico 4AD los fichase: ha sido en su seno donde, dos años después, ha cobrado forma el disco de su confirmación. Far In es un álbum profuso, atrevido, que comienza en la orilla del synth-pop con la fastuosa Wake Up Tomorrow, colaboración de la banda con Kacy Hill, para sacudirse a continuación en repetidas ocasiones en busca de lugares nuevos, de cambios de ritmo en la instrumentación, momentos para el éxtasis y otros espacios llenos de niebla; si This Is How You Smile destacaba por su precisión, por la claridad de sus direcciones, en el caso de Far In nos encontramos con una banda en plenitud creativa, llena de curiosidad y con la imaginación en pleno florecer.

Por Adrián Viéitez

MARIALLUÏSA – La vida és curta però ampla (Bankrobber, 2021)

La llibertat d’escollir en una ‘vida curta però ampla’

La vida és curta però ampla del grup Marialluïsa podria ser la banda sonora d’una pel·lícula o d’una sèrie intimista i realista. També podria ser el repertori d’una etapa vital o de la vida mateixa. Les 8 peces que integren l’LP fan referència a temàtiques com l’amor de parella en el seu estat inicial, intens i fogós, i a la seva evolució a mesura que guanyem –o perdem, segons la forma en què es vulgui mirar– en anys. Els components de la banda també plantegen el repte que suposa aprendre a estimar, alhora que comparteixen un neguit universal: que en serà del seu futur. Aquestes inquietuds es fan paleses a Veig la sort, cançó amb una sonoritat hipnòtica que recorda a la d’en Marco Mares. Què farem demà? ja és en sí una declaració d’opinió, en el sentit que existeix una preocupació davant de la incertesa i la realitat de créixer i fer-se gran. Alhora, a partir de la lletra es tracta el judici social i/o familiar que et pot caure en funció del camí professional –factor que en menor o major grau condicionarà el personal– que escullis i la llibertat que cadascú hauria de tenir per llaurar el seu camí segons les seves preferències. El disc complet transmet una aura juganera, entremaliada i, per altra banda, madura amb pinzellades que et transportaran a l’època dels Eagles o del cantautor Cat Stevens, combinades i reinterpretades amb la sonoritat del folk català i un rajolí de pop místic amb el qual han explorat valors consagrats del panorama musical llatinoamericà.

Per Raquel Ashby.

KEVIN MORBY – A Night At The Little Los Angeles (Dead Oceans, 2021)

Donde nace la magia

El cantautor estaunidense Kevin Morby nos invita, con su nuevo disco, a entrar en su casa, en Kansas City, y escuchar cómo ideó las canciones de su último trabajo: Sundowner. Su recién publicado A night at the little Los Ángeles nos permite revisitar las diez canciones del anterior disco en un estadio previo a la producción de Brad Cook y conocer, bien de cerca, el proceso creativo de composición. Su disco es una íntima reunión con amigos de confianza, una noche de confesiones junto a la hoguera. Una invitación al lugar donde nace la magia. La calidad sonora casera, el siseo de la cinta y las pausas y cortes que caracterizan estas pistas nos acercan a la obra del artista. La estética cruda de estas 4-track-demos hace justamente que podamos adentrarnos mejor en la nostalgia crepuscular del folk de Morby. Su disco nos captura en el presente y nos hace sentir afortunados. Qué suerte poder presenciar algo tan puro.

Por Júlia Palacín.

MARIA HEIN – Continent i Contingut (Hidden Track Records, 2021)

Tendresa per sobre de tot

Feia mesos que Idò un cafè es trobava entre les cançons del meu Spotify, així que era d’esperar que comencés a escoltar el disc amb certa intriga i curiositat per conèixer l’àlbum debut de la jove mallorquina. A mesura que t’endinses en el petit univers de Continent i Contingut descobreixes cançons senzilles i romàntiques, en molts casos acompanyades tan sols d’un piano. A la veu de Maria Hein no li cal una producció carregada, ja que a través d’una instrumental minimalista és capaç de conduir-nos per un paisatge càlid i tendre amb pinzellades melancòliques. Els pensaments, dubtes i reflexions de la compositora s’expressen amb tanta delicadesa i tranquil·litat que esdevenen històries amb un punt amarg recobertes de bellesa. Quan acabes d’escoltar el disc sents que tens a l’abast un petit tresor íntim i angelical en el qual submergir-te cada vegada que tinguis ganes d’escoltar cançons tendres i enyoroses, que molts cops sonen a record d’un estiu passat.

Per Paula González.

MOON VISION – Instinct (Hidden Track, 2021)

En lluna creixent

Trobar Moon Vision ha estat com arribar a un planeta inexplorat, que pocs han tingut l’ocasió de trepitjar abans. És un grup relativament nou i desconegut, però amb una proposta definida i en expansió. Al seu nou disc, Instinct, som testimonis d’aquest creixement en molts sentits: el grup amplia formació a un total de quatre membres, incorporant la vocalista Júlia Collado i el bateria Pau Schurl. A més a més, creix en autenticitat i aconsegueix dibuixar un univers sonor propi. Instinct conserva el segell electrònic de Moon Vision, però el porta a indrets més delicats. Amb sons robòtics i enllaunats, bé podria semblar que els músics toquen des de la galàxia. Allunyats del frenètic món i amb cançons a mig temps, ens ofereixen una visió panoràmica de la humanitat.

Per Júlia Palacín.

GERMÀ AIRE – Gornal (Hidden Track Records, 2021)

Existencialisme a través del so actual

La Gornal va ser el local d’assaig del grup Germà Aire durant més de 10 anys. Amb un títol com aquest és d’esperar que una de les temàtiques principals del disc giri entorn allò que ja no hi és, però que perdurarà per sempre. El disc arrenca amb el so melancòlic d’un piano i seguidament s’inclouen sintetitzadors que es troben presents al llarg de l’àlbum i s’encarreguen de marcar la cohesió entre les 9 cançons. Les creacions musicals d’avui dia es nodreixen d’una infinitat d’estils i cada cop costa més parlar de discos amb gèneres concrets. Gornal és pop en català, sintetitzadors, melodies de piano i folk metafísic, una barreja que crea un so sòlid i actual. Si et trobes en una fase vital existencialista, te’l recomano. Travessa reflexions com la percepció, els diferents punts de vista o el sentit de l’existència, així que prepara’t.

Per Paula González.

CRISTINA LEN – Alma Charra (Cycling Records, 2021)

Un debut con raíces folclóricas

Alma Charra, bebe de infinitas y complejas referencias, aun estando compuesto por solo 5 canciones. Es un EP conceptual y metafórico en el que Cristina Len transita por emociones que van desde la absoluta vulnerabilidad o tristeza hasta el orgullo, el empoderamiento, mientras cuenta una historia de una relación amorosa tóxica. La música que brota de este proyecto con una huella tan personal está inspirada en el folklore español y en los cantares de tradición oral. Sin ir más lejos, Tengo un Molino es un claro guiño a Tengo un molino que muele del disco de Ilda Álvarez Macía Cantares da Serra do Caurel (2009).
Casi todas las canciones van acompañadas de elementos creativos que aluden a la Iglesia. Ejemplo de ello son los tambores que retumban en varias melodías como si se escenificase una procesión, citas implícitas y expresas al matrimonio, la virginidad, la obscenidad como pecado, la sanación y la muerte. Finalmente, la obra alcanza una madurez artística y una riqueza distintiva por su capacidad de unir lo rural y lo popular con lo urbano, representado por el R&B de Olvídate y el pop de Pena, el cual se asemeja al de Billie Eilish.
Este EP también es en sí mismo reivindicativo con la mención indirecta a la sentencia feminista, “Ni putas ni santas”, otro motivo por el cual celebrar este debut por todo lo alto.

Por Raquel Ashby.

NICKI NICOLE – Parte de mí (DALE PLAY Records, 2021)

Nicki Nicole, més enllà de ser trapera

Parte de mí és un àlbum ric i complex, en el sentit que en escoltar-lo esclaten diferents gèneres musicals i es fusionen entre ells. En aquesta ambiciosa mescla, la Nicki Nicole aconsegueix un so reconeixible, una firma pròpia que dota els temes d’una impremta personal i actua com a element diferencial en un mercat que peca d’una excessiva concentració d’oferta artística. El repertori comença amb la balada pop que dona nom al disc. La veu de la Nicki Nicole ens captiva mentre sembla que parli, des de l’enyorança, d’un amor que ja s’ha acabat i no tornarà. A Darling, en canvi, notem un gir de guió en la lletra i el ritme, el qual estaria més a prop d’un pop urbà. La primera transmet un missatge empoderador i posa en relleu el saber estar sola abans que suportar actituds nocives en parella. Tot i que a grans trets se la conegui com una artista trapera, aquest LP reforça que la seva identitat musical va molt més enllà de tal categoria. Temes com Pensamos, Verte, Perdido, Baby, Mala Vida i Tengo To no només demostren la versatilitat de la Nicki Nicole, sinó que també són exemples de cançons força dispars –no hi ha cap estil que se li resisteixi perquè viatja des del reggae i el bolero fins al rap i el pop–, algunes de les quals s’han construit nodrint-se, al meu parer, de la influència sonora de la Lily Allen. Però peces concretes com Dangerous i Baby recorden, respectivament, a un univers que transita del R&B al hip-hop de la pel·lícula 8 Mile i al de la música disco/funk de Daft Punk.

En definitiva, la Nicki Nicole impregna les seves creacions urbanes d’elements místics i llatinoamericans (Me has dejado, Colocao, entre altres) per brindar-les d’originalitat i, alhora, com a reivindicació de la pròpia identitat cultural.

Per Raquel Ashby.

KOKO JEAN & THE TONICS – Shaken & Stirred (Buenritmo, 2021)

Pureza agitada

Koko-Jean & The Tonics necesitaban un proyectil que les situara donde merecen. La catapulta ha sido construida y al torpedo lanzado le han llamado Shaken & Stirred. Koko y su familia ya están en órbita. Dos excitantes EP’s y numerosas actuaciones (incluso en tiempos pandémicos) eran aval más que suficiente para mostrar su categoría, sin embargo, faltaba la puesta de largo. Marc Tena Aguade ha producido y mezclado un ambicioso trabajo (cubierto por el manto protector del alma de New Orleans) compuesto por 12 temas, religando rhythm and blues, soul y algo de góspel, que invitan tanto al baile como a la reflexión. Las irresistibles All night long, Never said no, Pattin’ Juba (exuberante Victor Puertas en el Hammond) conviven con las ardorosas What you mean to me o Hard to say goodbye (dedicada al recientemente fallecido Amadeu Casas) y también con las reivindicativas From the country to the city y Movin’ on.

Presten atención a Leaving Trunk (genuino cover del clásico de Taj Mahal) y a la instrumental Turn on your love lights. En ellas, el mentado Puertas, Dani Baraldés (guitarra) y Anton Jarl (batería) exhiben todo su gigantesco potencial. A menudo, no hay que viajar lejos para encontrar la excelencia, Shaken & Stirred lo demuestra con creces. Corran a por él, la borrachera de estímulos está asegurada.

Por Barracuda.

ROBA ESTESA – Rosa permanent (Halley Records, 2021)

Per festa major, arriba la revolució rosa

El grup català Roba Estesa re-significa i s’apodera del color rosa en el seu nou disc Rosa permanent. Mentre que aquest color ha estat tradicionalment relacionat amb la debilitat i la falta de virilitat, la banda femenina l’ha convertit en el punt de trobada de la lluita FemLGTBIQ+. En el single Lxs nenxs, per exemple, el grup reivindica, sobre un ritme de reggaeton, el poder de les amigues com a xarxa afectiva, tot apel·lant a la revolta feminista. Al tema Pena, les catalanes ens parlen de relacions tòxiques i ens conviden a alliberar-nos del que ens oprimeix: “Si l’amor fa de cel·la, l’amor no val la pena”. El present àlbum ens porta definitivament la nova sonoritat pop del grup, ja esbossada a Dolors (l’EP de quatre temes, publicats durant la pandèmia). Roba Estesa evoluciona decididament, deixant enrere la música folk i tradicional, i decideix apostar per la fusió dels instruments de la banda (violí i acordió, entre d’altres) amb els beats electrònics. La producció a l’estudi pren més importància que mai en aquest treball, gràcies a la col·laboració de Joan Borràs (d’Oques Grasses) i Ferran Casas (d’Est Oest), donant com a resultat deu temazos amb múltiples capes, força i personalitat. Si bé algunes persones lamenten el gir del grup cap al mainstream, altres celebrem el camí que han pres. És a les nostres mans, com a oients, difondre la revolució rosa i fer-la arribar a les places d’ajuntament. Esperem amb ganes el dia en què les seves lletres esdevinguin himnes generacionals i es cantin a totes les festes majors.

Per Júlia Palacin.

LAS DIANAS – Lo que te pide el cuerpo (Casa Maracas, 2021)

Letras de andar por casa

Parece que en los últimos tiempos los grupos de indie rock con letras claras y sin florituras han ido en aumento. Las Dianas forman parte de esta nueva oleada y ofrecen un sonido fresco que podríamos describir como una mezcla entre Ginebras y Cariño. Lo Que Te Pide el Cuerpo es, en el mejor de los sentidos, un disco millennial que retrata escenas con las que muchos podemos empatizar: “a y media empiezo a estudiar”, “dame tu número que el insta no me va” (la vieja confiable). Personalmente, creo que el uso de letras aparentemente banales es un gran acierto. En la música abundan las experiencias narradas con metáforas profundas y de vez en cuando se agradecen los tonos informales y cómicos. Al fin y al cabo, el humor es un punto de vista más sobre la vida y títulos como Todos Mis Amigos Tienen Covid son necesarios para hacer música de experiencias comunes.

Por Paula González.

SANTIAGO MOTORIZADO – Canciones sobre una casa, cuatro amigos y un perro (Primavera Labels / Laptra Discos, 2021)

Un Santiago poco Motorizado

Santiago Motorizado vuelve a dar un paso en solitario y presenta Canciones Sobre una Casa, Cuatro Amigos y un Perro, su segundo disco compuesto para la serie Okupas. Debo admitir que cuando empecé a escucharlo sentí que estaba ante un álbum más de Él Mató a un Policía Motorizado. Pensé que Santiago se había marcado un ‘Alex Turner’, cuyas dos bandas, Artic Monkeys y The Last Shadow Puppets, suenan igual. Sin embargo, las referencias que tenía en mi cabeza de los Motorizados se fueron diluyendo poco a poco y me di cuenta de que, efectivamente, este disco se aleja del sonido de la banda argentina y cobra un sentido propio. Si con Polvo de Estrellas y Mil Derrotas sientes que el indie rock cantado por Santiago te resulta familiar, no te preocupes, avanza un poco y descubrirás un precioso disco de casi 20 canciones con sonidos propios del folklore, la cumbia, el tango y el rock nacional.

Por Paula González.

MADEE – In the cold Season (BCore Disc, 2021)

Un passeig amb tonalitats blaves

Sembla que el 2021 s’està convertint en un molt bon any per a Madee. Després de 14 llargs anys de silenci, la banda va presentar Eternity Mingled With The Sea i mesos més tard, han llençat In The Cold Season, un àlbum que conté les reflexions vitals que el grup ha arrossegat a mesura que la seva discografia ha anat creixent. Un rock bucòlic i emocional invadeix les 12 cançons del disc, acompanya’t dels poemes de Mark Swanson, un amic de la banda. Reflexions sobre la necessitat de treure partit de cada moment, els records dolorosos d’una adolescència hostil o la tendresa que envolta l’espera d’una persona estimada. L’àlbum s’allunya de ser un recorregut pla sense alts i baixos, ja que explora tota mena d’emocions plenes de veritat, com l’existència mateixa. In the Cold Season resulta ser un passeig blavós per la vida i les seves experiències.

Per Paula González.

ELTON JOHN – The Lockdown Sessions (Mercury Records Limited, 2021)

The Lockdown Sessions, un disc que celebra la germanor

Es veu que a Elton John li va cundir el confinament. Tant és així que d’una experiència de la qual ningú se’n va salvar va treure un disc de 16 cançons col·laboratives –que es diu ràpid– amb artistes que porten a les seves esquenes trajectòries musicals ben diferents. E-Ticket, tema que interpreta amb Eddie Vedder, és un Rock & Roll clàssic amb un teclat enèrgic i constant en tota la peça que ens porta a un escenari country, com si estiguéssim gaudint de música en directe a un cafè de Nashville. After All –que compta amb el featuring d’en Charlie Puth– en canvi, recull l’herència del pop melòdic dels 90, mentre que el de Dua Lipa ens fa viatjar a nivell sonor als temps on la Cher o la Kylie Minogue ho estaven petant. Learn To Fly (Surfaces), inevitablement, et farà pensar en el Mama Said d’en Lukas Graham i One Of Me Lil Nas X és una fusió peculiar i explosiva de country amb hip-hop/rap que contrasta amb la balada country Simple Things (Brandi Carlile), amb la influència del gòspel a Finish Line (Stevie Wonder) o amb els inicis de Stolen Car (Stevie Nicks), els quals semblen picar l’ullet a Billy Joel.

The Lockdown Sessions, al cap i a la fi, és un treball d’equip que apel·la i travessa el públic jove i adult –o, si es vol dir, el digital i l’analògic–, alhora que celebra la germanor entre els músics que, a causa d’un biaix generacional i d’una preferència en termes d’estil, s’han empapat de distints referents musicals per dotar d’un sentit simbòlic i sonor les seves obres d’art.

Per Raquel Ashby

TONY BENNET & LADY GAGA – Love For Sale (Columbia, 2021)

La naturaleza del amor

Love For Sale es un disco que rinde homenaje a Cole Porter, uno de los compositores estadounidenses más importantes que nos ha brindado la música y, en concreto, el jazz. Todas las canciones reinterpretadas por Lady Gaga y Tony Bennett nos transportan a ese Hollywood glamuroso de Frank Sinatra y Marilyn Monroe de los años 40. Incluso, ciertas piezas como Night and Day recuerdan a bandas sonoras de teatro musical. De hecho, tanto esta como I Get A Kick Out Of You formaron parte del repertorio de obras de Broadway. Cuando los artistas unen sus voces sedosas, potentes y rotas –acompañadas de solos de saxo, violines, teclados, guitarras, arpas, flautas, así como del órgano, instrumento que tendemos a relacionar con el góspel– podemos confirmar que el dúo resulta harmonioso y ‘meant to be’.
El álbum que ofrecen es también una celebración del amor de la mano de los clásicos Do I Love You, I’ve Got You Under My Skin y Let’s Do It.
En definitiva, el hilo que lo hace fluir y nos hace andar sobre las nubes es el recurrente tema del amor y su naturaleza, el hecho de haber encontrado a alguien con quien crecer y compartir la vida misma, y aprender a querer a esa persona incondicionalmente a pesar del paso del tiempo.

Por Raquel Ashby.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de septiembre

15/07/202204/10/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Termina el verano por todo lo alto: escucha discos que te hagan vibrar. Los tienes de varios estilos, todos con personalidad y vida propia. Las maravillas neosoul de Iris Deco y Juli Giuliani, el ascenso meteórico de Lil Nas X o el exquisito hip hop de Little Smiz para entrar en el flow; bailar hasta reventarte con J Balvin o Bomba Estéreo; o detener el tiempo de la mano de José González. De fuera (ojo a The Vaccines) y de aquí (El Petit de Cal Eril, MTINES, Roger Mas). Acuérdate de ponerlos de camino al curro, en casa, mientras estés cocinando. Te van a encantar.

¡También te animamos a descubrir los mejores discos de cada mes!

LITTLE SIMZ – Sometimes I Might Be Introvert (AGE 101, 2021)

Érase una vez, un rap orquestado

Sometimes I Might Be Introvert empieza por todo lo alto, con el épico y triunfal Introvert, que presenta el eje temático del disco: la resignificación y reivindicación de la introversión emocional. En su nuevo trabajo, la rapera británica revela su mundo interior y se reafirma como mujer negra de raíces nigerianas, regalándonos temas como Woman o Point and Kill. Entre muchas otras piezas exquisitas, destacamos Standing Ovation, por la manera en que fusiona las dinámicas de la música clásica con las rimas del rap. Little Simz tiene el don de contar historias. Su quinto álbum no solo viene cargado de mensajes potentes y socialmente comprometidos, sino que es, en su conjunto, un gran trabajo conceptual. Mediante catorce temas y cinco interludios, la artista crea toda una experiencia sonora, en la que mezcla la magia de la música clásica con el poder del rap. Ante este discazo, solo podemos decir una cosa: Érase una vez, una rapera introvertida que nació para hacer historia.

Por Júlia Palacín.

LIL NAS X – Montero (Columbia, 2021)

Hora de brillar

Lil Nas X se ha tomado con paciencia y trabajo la publicación de su primer álbum Montero, casi tres años después de Old Town Road, el fenómeno mitad canción, mitad meme con el que parecía que acabaría condenado a devenir en un ‘one-hit wonder’ de broma al nivel de la Macarena. El primer single del disco, Call Me By Your Name, y todo el revuelo montado alrededor de él, ya fue el aviso de que no solo había cuerda para rato para Lil Nas X, sino que también talento para respaldar el hype. En Montero se nota el esfuerzo puesto para sobrepasar cualquier etiqueta impuesta y para reclamar un merecido puesto en el mainstream; es un ‘victory lap’ al mismo tiempo que un ejercicio de introspección no tan común en discos de este calibre pero, por encima de todo, es un disco de pop (casi más que de hip-hop) incontestable, sin canciones menores.

Por Miguel Lomana.

JULI GIULIANI – Summer Never Ends (Say it Loud Records, 2021)

Como el agua, todo fluye

El disco del rapero Juli Giuliani llega este septiembre listo para apaciguar el estrés de la vuelta a la rutina. Su nuevo trabajo ofrece sonidos tropicales, temas frescos que, en la línea de su primer sencillo, Never Too Much, recrean un perfecto paraíso vacacional. En contraste con esta música soleada y radiante, encontramos canciones a piano como Eterno, que nos traen de vuelta la energía de las reflexivas noches de verano. Tampoco faltan en el disco hits del estilo My Time, en los que el barcelonés rapea con seguridad y descaro, posicionándose como una gran promesa para el rap en español. Giuliani explora en Summer Never Ends un gran número de géneros, como la bossa nova, el neo soul e incluso el jazz. La intención detrás de todo es abrir nuevos caminos en el rap del país y “hacer que vuelva a molar el hip-hop”. En la variedad de estilos, el sello de Giuliani es inconfundible: canciones pegadizas que fluyen como el agua.

Por Júlia Palacín.

J BALVIN – Jose (Universal Music, 2021)

Más allá de J Balvin

El quinto álbum de estudio de J Balvin que lleva por título su nombre de pila, JOSE, es un mosaico formado por 24 canciones que beben de distintas historias e influencias musicales. Resulta ser uno de esos discos completos y que alcanza una madurez destacable, en el sentido de que transita por el reggaetón más tradicional, además del pop, el hip hop, el electro y la música disco. Te Acuerdas De Mí, una pieza enlazada con Una Nota, toma un giro hacia su fin y recupera el sonido de Gasolina (Daddy Yankee) e, incluso, de Hips Don’t Lie (Shakira). La colaboración con Skrillex recuerda al single Cantando (Violadores del Verso) con un toque electro y, en cambio, Billetes de 100 reintegra una flauta que transporta al oyente al folclore latinoamericano. Que Locura tiene una base caribeña que sigue los pasos de Am I Wrong (Nico & Vinz), mientras que la melodía a guitarra de Bebé Que Bien Te Ves hace pensar en el R&B de los 2000 de Craig David. A través de este LP, el público es capaz de conocer a un artista que se despoja de su personaje, que se reconoce como leyenda, como hijo, como padre, que celebra sus raíces e identifica sus debilidades y fracasos, a la vez que pone foco a su yo más íntimo. En efecto, cada una de las facetas que acoge hace nacer a José.

Por Raquel Ashby.

BOMBA ESTÉREO – Deja (Sony Music, 2021)

El regreso de otra bomba

Después de cuatro largos años sin poder disfrutar de ningún álbum de Bomba Estéreo, la banda ha vuelto para lanzar Deja, su sexto disco compuesto por 13 canciones –duración que agradecemos–. La primera toma de contacto con el álbum del dúo colombiano es una premonición de lo que nos vamos a encontrar. Cuando visualizas la portada del disco y echas un vistazo rápido a algunos de los títulos que lo conforman (Agua, Tierra, Amor Amor…) puedes intuir que te encuentras ante un viaje compuesto por constantes referencias a la naturaleza y al respeto por ella, mucho ritmo, alegría y colores. Al igual que los otros discos de Bomba Estéreo, se hace muy difícil encasillar Deja en un género concreto, ya que una vez más, el dúo crea un híbrido que se nutre de la electrónica, la cumbia, el reggae y el reggaetón –que encontramos en canciones como Lento–. Así que, si bien es cierto que no estamos ante nada extremadamente novedoso por su parte, agradecemos que se mantengan fieles al mix que los caracteriza y los dota de una magia especial. Es importante destacar que si te adentras en Deja es probable que no pares de desear un concierto para bailar todos sus temazos –sí, nos conformamos con estar sentados–.

Por Paula González.

BABY KEEM – The Melodic Blue (Columbia, 2021)

¿Misterio resuelto?

Hykeem Jamaal Carter Jr. más conocido como Baby Keem ha lanzado The Melodic Blue. Y así ha quedado plasmado en los 16 temas que componen The Melodic Blue, criticado y alabado por introducir ese trap que resuena más mainstream, más a radiofórmula y la falta de cohesión con el resto de canciones. Acompañadas de letras potentes y con connotaciones políticas como la que da salida, Tradermark USA, o South Africa. Destaca, así mismo, la colaboración con Kendrick Lamar, como no podía ser de otra manera, en Scars y Range brothers. O Booman, donde el compositor ha demostrado que sí, que además de personaje, familiar de X cantante y todo el misterio que le rodeó, ofrece música.

Por María del Río.

SUFJAN STEVENS & ANGELO DE AUGUSTINE – A Beginner’s Mind (Asthmatic Kitty, 2021)

Viendo películas con el sonido apagado

A Beginner’s Mind supone el regreso de Sufjan Stevens al estilo que más elogios le ha generado en su carrera, el folk, tras media década llena de singles, colaboraciones y curiosos desvíos como Planetarium (2017), el proyecto colaborativo con su padrastro Lowell Brams Aporia (2020) o más recientemente, su pentalogía de discos de música ambiente Convocations (2021). Esta especie de vuelta a sus raíces tras el elegíaco Carrie and Lowell (2015) se da acompañada de su protegido, el también cantautor Angelo De Augustine, con quien eligió un curioso proceso creativo a la hora de crear el repertorio de este álbum: visionar juntos una película sobre la que a partir de las sensaciones que deja iniciar la chispa de una canción. El material de origen es dispar, partiendo tanto de clásicos de culto como El cielo sobre Berlín o El silencio de los corderos como de la serie b de videoclubs de bajo nivel. Al final los temas inherentes a Stevens como la muerte o la religión se acaban filtrando en las canciones, pero siempre desde una mirada más alejada y optimista que el estilo confesional de discos anteriores. La música parte del folk etéreo de Carrie and Lowell pero con una mayor presencia instrumental y un gran foco en las armonías vocales de los dos músicos. Sin estar entre sus obras cumbre, A Beginner’s Mind es un agradecido retorno a esta faceta de Sufjan Stevens.

Por Miguel Lomana.

LOW – Hey What (Sub Pop, 2021)

La delicadeza de la distorsión

Con más de un cuarto de siglo a sus espaldas, uno no podría esperar sino que Low, la banda originaria de Duluth (Minnesota) y liderada por Alan Sparhawk y Mimi Parker, no haya llegado a ser muchas bandas distintas. Nacieron en el seno del dreampop noventero, y aquel I Could Live in Hope se sostiene todavía etéreo; fueron también una de las cabezas visibles de un cierto indie rock progresivo a comienzos de siglo de la mano de su impecable Things We Lost in the Fire. Dos décadas después, si hay algo que no se pueda reprochar a Low es que hayan perdido contacto con la realidad musical de su tiempo o perdido el interés por investigar nuevos paisajes sonoros. Hace ya tiempo que el indie rock se convirtió apenas en un ingrediente más dentro del cóctel de esta banda que acumula ya quince años bajo el ala del sello independiente Sub Pop: las búsquedas de Low ya no se deben a nada más que a sí mismos. De ese modo, Hey What aparece como un álbum de medida experimentación, un disco en el que la base electrónica juega ya un papel predominante, pero es posible rastrear las herencias musicales que han ido construyendo al grupo a lo largo de las décadas. Un envés del impresionismo: en una primera escucha, se anuncia como una masa sonora implacable, marcada por la distorsión. Pero después uno se acerca, se acerca, y las pinceladas se desvelan.

Por Adrián Viéitez.

IRIS DECO – Golden (Hidden Track Records, 2021)

El so del debut

Elegant, poderós i seductor: així sona el primer àlbum d’Iris Deco, la cantant del grup Moon Vision que s’obre camí per debutar amb Golden i, la veritat, resulta ser una molt bona jugada. Es inevitable que el disc t’atrapi des del minut 0, ja que arrenca amb Flames, una cançó que explora els moments d’atracció inicial i descriu el joc de la seducció. A partir d’aquí, les cançons es succeeixen de manera fluida i construeixen un disc íntim i coherent en el que la veu pren un paper protagonista. Crec que no es pot parlar de Golden sense mencionar LA VEU d’Iris Deco, que a estones sembla que pugui acariciar-te. Al tractar-se d’un àlbum no excessivament carregat, la seva genuïna veu s’alça entre unes melodies que combinen soul, R&B i pop experimental, una barreja que acaba resultant senzillament preciosa. Si tu també pateixes de melancolia crònica, és molt probable que The Moan i Near the Fire et conquereixin, sobretot per les seves melodies, que s’encarreguen d’entrar dins teu sense previ avís per remoure’t i, tot i així, fer que vulguis repetir.

Per Paula González.

JOSÉ GONZÁLEZ – Local Valley (Imperial Recording/City Slang, 2021)

Un álbum con conciencia

Ya está aquí el trabajo más íntimo de José González. Hijo de padres argentinos y criado en Suecia, el cantautor crea Local Valley en los tres idiomas que domina: español, inglés y sueco. Un gesto que hace esta nueva obra única, y que además bebe de influencias variadas de artistas consagrados como Nick Drake, Silvio Rodríguez o Mercedes Sosa.

Grabado y producido por él mismo desde las instalaciones de Studio Koltrast, en su Suecia natal, Local Valley es el maravilloso cuarto álbum de estudio del artista. Un trabajo lírico que pone de relieve la madurez de José González y refleja los distintos universos que sugiere cada una de las 13 canciones que conforman este disco, que habla con elegancia sobre el cuidado de la naturaleza y el sentido de la comunidad; y critica a su vez a aquellos que tratan de convertir el mundo en un vertedero. Las canciones rebosan energía y consiguen levantar el ánimo pese a la calidez y la suavidad que caracterizan a González, que hace de cualquier acorde un tema humano.

Por Sara Ferco.

EL PETIT DE CAL ERIL – N.S.C.A.L.H. (Bankrobber, 2021)

De la fugacidad de nosotros

Crecemos queriendo ser alguien. En una espiral de egocentrismo y de “seudoposterioridad” que nos aleja del todo. No sabràs com acabarà la historia (Bankrobber, 2021), acrónimo de N.S.C.A.L.H., lo último de El Petit de Cal Eril, va de eso mismo. De la no percepción de aquello que pasa a nuestro alrededor. Del tiempo. En apenas veinte minutos, los nueve temas que lo componen, y que cuyos títulos parecen vaticinar el siguiente, nos recuerdan que, efectivamente, Cada dia surt el sol. N.S.C.A.L.H. “celebra la virtud de la fugacidad”, la trascendencia de lo –aparentemente– intrascendente. Y lo hace desde un registro que identificas como universo Joan Pons: psicodelia, folk-rock… pero desde otra perspectiva. Al fin y al cabo, la música y cómo se explique no tiene límites, ¿no? Ya hay fechas anunciadas. ¡Agenda y boli!

Por María del Río.

MTINES – PQLCNSMS? (Cycling Records, 2021)

Una finestra al desamor quotidià

Mtines (pronunciat ‘emptynes’) s’estrena amb un EP de 5 cançons que beu de la influència d’artistes com Ferran Palau i barreja el pop metafísic amb sons electrònics i urbans. PQLCNSMS? és una finestra a les coses senzilles i al desamor quotidià, per això resulta tan fàcil empatitzar amb unes lletres que s’allunyen d’ornaments innecessaris i parlen de pensaments i escenes corrents. Estendre la roba i recordar un amor passat, veure un comentari a una fotografia abans d’entrar a la dutxa i reflexionar sobre la perillositat del temps –i de com aquest ho difumina tot i fa oblidar “totes les coses que no respectaves”–. De fet, el títol de l’EP: Per què les coses no són mes senzilles? ja planteja una pregunta que és probable que recorri el pensament col·lectiu de manera diària. En definitiva, hi ha maneres i maneres de narrar el desamor i Mtines opta per l’encertat camí d’allò comú i universal.

Per Paula González.

ROGER MAS – Totes les flors (Satélite K, 2021)

El cantautor et toca, la cançó et guareix

Totes les flors és un disc que celebra els 25 anys de carrera musical d’en Roger Mas. El que configura l’inici de l’obra és Taumatúrgia, títol que fa referència al miracle de l’art, en tant que aquest crea una realitat i un món a mida a través de la percepció i la sensació. La melodia mística del primer tema podria ser la banda sonora de Gladiator amb un pessic de sonoritat oriental. Cap al final hi apareix una veu de dona, la parella de l’artista, que recita un poema d’en Giuseppe Ungaretti: M’illumino d’immenso. La cançó que du el nom de l’àlbum s’apropa al folklore català, malgrat no deixar de banda el toc asiàtic. Amb la polla i amb l’ou recull l’herència de la rumba cubana. Els cors que s’hi injecten aporten una dimensió popular a la peça. Aquests també cobren presència a Des del pont de la ciència i a Mort, qui t’ha mort?, composicions que recorden a ranxeres mexicanes. Si us blau, al contrari, ret homenatge al blues i la guitarra elèctrica ens ho recorda. La melodia que en Mas fa amb la clàssica s’assembla a la de Redemption Song (Bob Marley). Entre una flauta que s’infiltra per fer ballar sardanes i un pop amb elements en comú amb el This love de Maroon 5 s’arriba al tancament, el qual recorre tal com al principi a la idea del miracle amb una sentència de Lluís XIV, readaptada de la següent forma: ” El cantautor et toca (el dolor), la cançó et guareix”.

THE VACCINES – Back in Love City (Super Easy, 2021)

Rehacerse en mitad del espacio

Diez años después de aquel estallido juvenil que fue What Did You Expect from the Vaccines?, la banda londinense se ha salido del cascarón de Columbia. Podríamos decir que aquel sonido puramente celebratorio llegó a su cima con el lanzamiento de , English Graffiti, en el cual el grupo también daba un paso adelante en términos de percepción de su propia identidad. Parece importante leer en Back in Love City, el quinto álbum del grupo, a la luz de toda esta evolución: el disco ha nacido en manos de la discográfica Super Easy y no hace falta ser muy perspicaz para intuir un salto notable en términos de libertad creativa. No se trata, sin embargo, de que The Vaccines hayan decidido dejar de ser una banda de indie pop-rock y ánimo festivo –Headphones Baby funciona como single con el mismo magnetismo que If You Wanna u otros de los grandes éxitos del grupo–, sino de que parece evidente que han elegido empezar a serlo en sus propios términos. Así, aquí nos encontramos con un trabajo en el que The Vaccines reivindican su identidad y la complejizan al mismo tiempo, volando discursivamente hacia el espacio exterior para construir desde allí su ancha parábola. Pero que nadie se equivoque: el baile sigue siendo la prioridad.

Por Adrián Viéitez.

VARIOS ARTISTAS – I’ll Be Your Mirror: A Tribute to The Velvet Underground & Nico (Verve Records, 2021)

Los hijos de la Velvet

Con el inminente documental de Todd Haynes a la vuelta de la esquina Verve Records, el sello que publicó originalmente la discografía de The Velvet Underground, ha reunido a un variado elenco de artistas de primera línea para reinterpretar tema a tema su influyentísimo álbum de debut, objeto de leyenda y piedra angular de todo lo que se entiende por indie desde entonces hasta la actualidad. Como casi todo disco tributo, su escucha tiene muy poco de sentido unitario y bastante de curiosidad por ver cómo tal artista ha versionado tal canción en concreto. El acercamiento al material original varía de manera bastante drástica entre canción y canción; mientras que Kurt Vile, Courtney Barnett o Thurston Moore respetan bastante las formas originales otros intentan llevarlo a su terreno con mayor éxito (la Femme Fatale de Sharon Van Etten) o menor (Andrew Bird arranca un poco la vida de Venus in Furs). Otros, como St. Vincent y Thomas Bartlett, optan por la deconstrucción total de la original All Tomorrow’s Parties en uno de los momentos desconcertantes pero estimulantes del disco. Un servidor se queda con las versiones de Michael Stipe, King Princess y Fontaines D.C.

Por Miguel Lomana.

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Redacció Qualsevol Nit

Canciones sobre Barcelona… sin Barcelona

30/05/202224/09/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Playlist Barcelona sin Barcelona. .Canciones sobre Barcelona

Vinilconection nació hace… ¿una docena de años? No, debe hacer alguno más, pues aún no existía el WhatsApp: qué suerte, estábamos menos controlados y llevábamos dinero en los bolsillos. Sería por 2004. Inútiles tecnológicos que eramos todos los de la pandilla, salvo uno, tiramos de lo máximo a que podíamos aspirar, ¡Googlegroups!, y creamos así nuestra cofradía musical privada.

Desde entonces nos dedicamos, casi día sí y día también, con jornadas compulsivas que nos mantienen hasta alejados incluso del sexo y otros vicios, a comentar vía email la jugada del mundo musical y a criticar todo lo que en él se menea (y a todo el que en él se menea: si estás leyendo esto, formas parte del showbiz patrio y eres mala persona o soez, seguro que te habremos puesto a parir). Pero, sobre todo, como en el fondo somos positivos y mantenemos la promesa incial, nos dedicamos mayormente a proponernos escuchas de esto y de lo otro y a discutir sobre ellas; escuchas que, tal vez, tienen poco que ver con la actualidad discográfica (o mucho). Al menos así, por unos minutos, olvidamos las facturas que pagar.

A modo de ejemplo, esta semana hemos comentado los flamantes discos de Roger Mas (y a raíz de este, sobre Anna Ferrer) y de Matthew E. White (y a raíz de este, sobre el jazzman Lonnie Holley). También hemos debatido sobre Quico Pi de la Serra y Ovidi Montllor, así como de la última entrega del programa radiofónico de Bruce Springsteen, ‘From my home to yours’. Unos días antes nos dio por los recientes trabajos de Low y Amyl And The Sniffers. Etcétera, etcétera, etcétera.

Otra distracción de reyes sin montaña que tenemos es la de hacer playlists de tal o cual tema. Que es lo que nos ha traído hasta aquí, pues recientemente realizamos una de la ciudad de Barcelona (con solo una condición: que en el título no apareciera el nombre de la misma: bastaba con que se la mencionase en la letra, con que anduviera por ahí dentro como musa). Y como hoy es la festividad de la Mercè, patrona de la capital catalana… Ahí la lleváis. Disfrutadla. Sed buena gente.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de julio-agosto

30/05/202202/09/2021 per Redacció Qualsevol Nit

¿Quién tiene tiempo para escuchar un disco entero? ¿Y varios? Pero es que estos no son unos discos cualquiera, sino que son los mejores discos del verano. Los esperadísimos nuevos discos de Lorde o Billie Eilish, el delicioso R&B de Leon Bridges (si te gusta, también tienes que escuchar a Jungle). Y la lista sigue.

Tal vez no los escuches todos. No hace falta tampoco. Pincha en el preview de Spotify para ver un poco de qué va el rollo, lee su reseña y descubre algo nuevo. ¿Quién sabe? Quizá así a lo tonto descubras tu nuevo grupo favorito de la vida.

Si no tienes suficiente puedes escuchar todas las listas de mejores discos del mes.

LORDE – Solar Power (Universal, 2021)

Tu bohemia de confianza

Lo nuevo de Lorde, Solar Power, ha levantado todo tipo de críticas. Cambio de registro o, todo lo contrario, han pasado cuatro años desde Melodrama (Republic Records, 2017). En plan, ¿y quién no lo ha hecho/va en piloto automático a partes iguales? Solar Power va de conectar con lo que nos rodea con un poco de crítica. En plan bohemio, pero no mucho como en Stoned at the nail salon. De cómo hacemos de lo transcendente lo banal, en lugar de disfrutar. Solar Power suena al filtro quemado y bien de grano para resumir tus vacaciones en Tenerife. A hilo de tienda de ropa que también se ha sumado a la ola de la psicodelia para la temporada de otoño. Un álbum muy chill y que, seguro, bocearemos en el Primavera. ¡Ganas!

Por María del Río.

LEON BRIDGES – Gold-Diggers Sound (Columbia, 2021)

Nostàlgia lírica

Gold-Digger Sound és el tercer àlbum de Leon Bridges i probablement el seu millor treball com a cantautor fins ara. Tot està cuidat a la perfecció, el lirisme de la seva veu, les reverbs, els beats entrant al moment exacte i la instrumentació subtil entre capes. És un disc per escoltar amb calma i apreciar tots els missatges que ens transmet Bridges –que sigui dit de pas, són vivències pròpies–. La nostàlgia és la paraula clau de l’àlbum i segurament, aquest sentiment s’apoderarà de tu des de la primera cançó. A través del R&B i soul, cada tema ens parlarà d’aspectes quotidians que de ben segur gairebé tots nosaltres haurem viscut en algun moment. Des de Born Again que ens parla de sentir-nos sols; Why Don’t You Touch Me parlant de la destrucció d’una relació o Magnolias sobre l’amor. Haureu d’escoltar el disc sencer per endinsar-vos en aquest mix de sentiments de Leon Bridges que a través d’un mid-tempo ens acabarà fent formar part de la seva nostàlgia.

Per Ivette Amargós.

BILLIE EILISH – Happier Than Ever (Darkroom / Interscope Records, 2021)

Madura, introspectiva y melancólica

Aunque el último lanzamiento de Billie Eilish sugiere que no es Happier Than Ever, demuestra que su música ahora es ‘Better Than Ever’. El nuevo disco de la artista de solo 19 años es su mejor trabajo hasta la fecha, el más honesto y el más poderoso de todos lo que hemos escuchado de la artista. Las letras detallan su doloroso ascenso al estrellato, de una manera realmente conmovedora, y la música que las acompaña se aleja del bedroom/nightmarish pop y se acerca a un sonido más puro, dejando sus emociones completamente descubiertas. La mejor pista del álbum es la que le da título, Happier Than Ever, aunque no aparezca hasta la penúltima posición. Empieza como una canción inquietante, una pista suave que rinde homenaje a las baladas de los 60s, pero al poco Billie nos arrastra al presente, a una canción llena de rabia sobre una ruptura. El control que tiene Billie sobre la música se vuelve cada vez más claro con cada lanzamiento, parece un artista que mejora cuando madura.

Por Scarlett Reiners.

JUNGLE – Loving in Stereo (Caiola Records, 2021)

Un disco anti-pandémico grabado en pandemia

Después de aparecer en 2014 con un aclamado álbum de debut homónimo y lamerse las heridas provocadas por el desamor en 2018 con el brillante For Ever, Jungle da un nuevo paso adelante en su carrera con el expansivo Loving in Stereo. Para ello, Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland nos ofrecen un disco más pausado, pero igualmente bailable, que desprende un optimismo y un buen rollo extremadamente necesarios en estos tiempos que corren. El single Keep Moving ejerce de buque insignia con sonido radiofónico, en un álbum en el que la electrónica, el funk y el pop mezclan a la perfección. Destacan también la pegajosa All of the time, la frenética Talk About It o la setentera Fire, que parece sacada de una película sobre ladrones de bancos. Loving in Stereo incorpora las primeras colaboraciones de Jungle con otros artistas, como en Romeo, en la que filtrean con el rap junto a Bas o la fresca Goodbye my love, grabada junto a la intérprete suiza de origen tamil Priya Ragu. Un disco para celebrar y mover el esqueleto, en definitiva, un disco anti-pandémico compuesto y grabado durante la pandemia.

Por Pere Millan.

VINCE STAPLES – Vince Staples (Blacksmith / Motown, 2021)

Short and (bitter)sweet

Teniendo en cuenta los tres años que han pasado desde el muy breve pero denso FM!, casi parece que este homónimo regreso del rapero Vince Staples esté diseñado para saber a poco o por lo menos a lo justo y necesario; no en vano el anuncio de este álbum vino acompañado de otro para antes del fin de año, Ramona Park Broke My Heart, todavía sin fecha concreta de lanzamiento. Lo que se nos ofrece en este nuevo y también escueto álbum (apenas 22 minutos, lejos de los 60 de su debut Summertime ’06) es tal vez la versión más sosegada de Staples, ocho temas y dos interludios tan low-key que antes de que te des cuenta ya han sonado. Acompañado en el apartado musical por el omnipresente Kenny Beats, también en uno de sus registros más sutiles y cuidados, la colaboración entre ambos empieza con buen pie en temas como Are You With That? y Law of Averages, pero no tarda en devenir en música de fondo. El flow monótono de Staples y sus historias de violencia necesitan de instrumentales más enérgicas para poder realmente brillar. Esperemos que su inminente próximo álbum cumpla en los aspectos en los que este Vince Staples se queda corto.

Por Miguel Lomana.

LINGUA IGNOTA – Sinner Get Ready (Sargent House, 2021)

Un profundo escalofrío

Bajo el nombre de Lingua Ignota la cantante y multi-instrumentalista Kristin Hayter lleva publicando desde 2017 algunas de las obras más intensas y profundamente viscerales del panorama musical actual. Combinando sus enseñanzas en música clásica y piano con la abrasión de la música noise e industrial, Hayter relató sus experiencias como víctima de abuso sexual y violencia de género en All Bitches Die y Caligula, obras que ahondaban en su deseo de venganza contra sus perpetradores. En su nuevo álbum, Sinner Get Ready, Lingua Ignota explora el fervor religioso que recorre los Estados Unidos rurales así como su pasado como católica, prescindiendo en esta ocasión de los estallidos de ruido y utilizando texturas acústicas, tomadas de la música de la región de los Apalaches. Sin embargo, Sinner Get Ready no es por ello un ejercicio menos arrebatador, manteniendo el carácter hipnótico y perturbador de sus anteriores composiciones y evolucionándolo en el proceso.

Por Miguel Lomana.

YANN TIERSEN – Kerber (Mute, 2021)

Natura musicalitzada

El polifacètic músic –conegut entre altres per compondre la famosa banda sonora de la pel·lícula Amelie– s’estrena aquest any amb l’àlbum Kerber. És un disc on el piano i la música electrònica es fusionen en un únic so. Potser us sembla peculiar, però és tota una experiència sensorial. 46 minuts de pura calma, que si tanques els ulls la teva ment et transportarà a paisatges naturals plens de pau i bellesa. Precisament era això el que volia transmetre Yann Tiersen, cada pista representa sonorament el paisatge que l’envolta a la seva llar de Ushant. En definitiva, Kerber és una obra experimental i personal de set peces que ens condueix cap a un viatge sonor que val la pena sentir. Per si encara us quedeu amb ganes de més, l’artista va presentar també Kerber com a pel·lícula, on la música de l’àlbum formarà part del film.

Per Ivette Amargós.

BIG RED MACHINE – How Long Do You Think It’s Gonna Last? (Jagjaguwar, 2021)

Introspección, experimentación y cooperación

¿Qué puede salir mal cuando grandes músicos juntan sus miradas y colaboran para crear nueva música? Esto es lo que debieron pensar Justin Vernon (Bon Iver) y Aaron Dessner cuando crearon Big Red Machine, una especie de supergrupo cooperativo en el que dan cabida a otros músicos ávidos por experimentar. Su segundo álbum How Long Do You Think It’s Gonna Last? respira introspección y sosiego, como si se hubiera gestado en una noche entre amigos alrededor de una hoguera; pero la mayoría de sus cortes acaban pecando de monótonos, insípidos y, por momentos, incluso de excesivamente largos. La lista de colaboradores del LP podría confundirse con el cartel de cualquier festival, con nombres tan conocidos como los de Taylor Swift, con la que Dessner y Vernon ya colaboraron en sus últimos trabajos folklore (autoeditado, 2020) y evermore (autoeditado, 2020); Fleet Foxes o Sharon Van Etten. En el álbum destacan la desgarradora Hutch, que habla del suicidio de Scott Hutchison (cantante y guitarrista de Frightened Rabbit); Renegade, en la que Taylor Swift aporta texturas más poppies o Naeem, que ofrece un groove muy interesante. El álbum también sirve para escuchar por primera vez la voz de Aaron Dessner como intérprete principal como sucede en Brycie, homenaje que el multiinstrumentista dedica a su hermano y compañero de banda en The National, Brice. Por encima de todo, How Long Do You Think It’s Gonna Last? es un disco delicado y crepuscular, que rezume camaradería, pero que acaba sonando excesivamente conformista. Un disco de tonos grises, perfecto para las tardes de otoño.

Por Pere Millan.

ANGEL OLSEN – Asiles (Jagjaguwar, 2021)

80’s para siempre

Angel Olsen elige el formato EP para versionar, con su ironía e inteligencia habitual, cinco temas nada aleatorios. La americana resignifica el alma bailonga y disco de los 80, y probablemente sea el resultado de haberse visto secuestrada en su casa y haber querido buscar refugio en discos empolvados: el resultado parece ser desaliento y melancolía en vena. En esta afortunada recopilación, Olsen rescata los versos más fríos para que bailes Gloria (Umberto Tozzi, 1979) o Safety Dance (Men Without Hats, 1982) pero solo por dentro. A sus pandémicos 34, Olsen canta una complaciente bofetada a la ingenuidad del 20añero. Mención especial a Forever Young y la manipulación del tempo y tiempo: aceleración rítmica respecto a la original (corred, jóvenes para siempre) y contratiempos pronunciados con algo similar a latidos sintéticos. La versión del tema de Alphaville es un broche final prevenido por sonidos deformados y fantasmagóricos como la introducción de Gloria o el brillante interludio de Eyes without a face (Billy Idol, 1983).

Por Carmen Aumedes.

JAKE BUGG – Saturday Night, Sunday Morning (RCA, 2021)

Un salto de fe del indie al pop

Cuando vi el título Saturday Night, Sunday Morning, me recordó el himno de The Specials, Friday Night, Saturday Morning, una canción ligera, pegadiza y típica del estilo ska del grupo (y por todas estas razones, es una de sus canciones más populares). El sonido del nuevo disco de Jake Bugg, músico indie de Nottingham en el Reino Unido, se parece tanto a The Specials que a sí mismo. Antes un aficionado y miembro de la escena indie británica, Bugg ha dicho que ABBA y The Bee Gees han sido sus mayores influencias para esta nueva obra. El álbum abre con un choque, que se llama All I Need, un tema muy pop, y un poco sobreproducido. Esto no es tan sorprendente dado que compositores como Ali Tamposi, que ha trabajado con Camila Cabello y Dua Lipa, y Andrew Watt, productor de música para Justin Bieber, Post Malone y Miley Cyrus, colaboraron con Bugg en este álbum. Los puntos a favor, y los temas más memorables, son los que parecen más cómodos para Bugg. Por ejemplo, Kiss Like The Sun u Hold Tight, que mantienen la robustez de su estilo anterior, y que personalmente veo más destacables, pero sobre todo, más convincentes. Es un regreso a la escena algo rara para Bugg, pero con algún que otro tema que ha valido la pena esperar.

Por Scarlett Reiners.

HORSEY – Debonair (Untitled, 2021)

Enajenación transitoria

En un año repleto de buenos discos en lo que al rock y punk menos convencional se refiere (con los debuts de Squid y Black Country, New Road y el regreso de Shame, Viagra Boys y Black Midi entre otros) Horsey, cuarteto liderado por el guitarrista Jacob Read, ha aparecido casi como de la nada con un álbum tan tremendo que parece dispuesto a arrasar dentro de esta liga imaginaria. Tomando un aire mucho más teatral que su contemporáneos, Debonair es una chaladura repleta de cambios de intensidad directamente sacados del libro de trucos de Mike Patton, a medio camino entre el rock atonal, el jazz-punk y los pasajes lóbregos a lo King Krule (presente en Seahorse, el cierre del álbum). A mitad de camino del disco, incluso, el grupo se permite girar al pop con Lagoon, una enloquecida e infecciosa canción de amor. El grupo londinense no desaprovecha un solo segundo de duración para hacer de este Debonair uno de los discos más perversamente divertidos de este año.

Por Miguel Lomana.

TY SEGALL – Harmonizer (Drag City, 2021)

El fuzz de siempre y otros juguetes nuevos

Ty Segall, el ya no tan joven prodigio del garage rock californiano, regresa con un nuevo disco en solitario tras dos años, periodo extrañamente largo para el prolífico guitarrista. A lo que a estas alturas podemos esperar de un disco de Segall (esto es, guitarras a tope de fuzz con toques de psicodelia y miras al glam setentero) se le suma la incorporación de sintetizadores, un nuevo juguete con el que entretenerse Segall en sus nuevas composiciones y, con suerte, entretenernos también a los oyentes en el proceso. El resultado finalmente es convincente; los sintes, arpegiadores y cajas de ritmo se amoldan bien al distorsionado sonido del guitarrista, abriendo nuevas vías y aportando algo de color a un repertorio que, de no ser por estos retoques, entraría en lo más olvidable de Segall. Veremos en el futuro si este sonido llega para quedarse o si quedará como un experimento de una sola ocasión.

Por Miguel Lomana.

THE KILLERS – Pressure Machine (Island Rescords, 2021)

Costumbrismo crepuscular

Acostumbrados a las giras internacionales, los festivales multitudinarios y los estadios llenos, la pandemia ha llevado a The Killers a explorar sus orígenes. Concretamente, los de su líder Brandon Flowers, que aprovechó los meses de confinamiento para retratar lo más profundo de lo conocida como ‘América profunda’. Para ello, la banda nos traslada a Nephi, localidad de origen del vocalista de apenas cinco mil habitantes y situada en Utah, uno de los estados más conservadores y tradicionalistas de los Estados Unidos. Con este pretexto, Pressure Machine se convierte en un álbum costumbrista, tirando a campestre y que da voz a aquellas personas a menudo olvidadas por el sistema. Y lo hace literalmente, a través de notas de voz de personas reales de Nephi que ejercen de enlace entre canciones. El álbum arranca con la luminosa West Hills, que parece robada de un disco de U2; sigue con la épica calculada de Quiet Town, en la que asoma una armónica que recuerda a Bruce Springsteen; y se eleva con Runaway Horses, una delicada colaboración junto a Phoebe Bridgers. Pressure Machine representa un interesante paréntesis en la trayectoria de The Killers, en el que la banda de Las Vegas flirtea con el country y la americana y apuesta por una épica más controlada y menos efectista, alejándose de su zona de confort.

Por Pere Millan.

DEAFHEAVEN – Infinite Granite (Sargent House, 2021)

Hacia terrenos más gentiles

Creo que todos los fans de Deafheaven sabíamos que inevitablemente llegaría el momento en el que la banda dejaría atrás sus raíces black metal para abrazar un sonido más accesible; es una historia que se repite continuamente en este tipo de grupos que realizan música más “extrema”. Ya en su último álbum, Ordinary Corrupt Human Love, el conjunto parecía intentar preparar a sus oyentes para esta situación. Efectivamente, Infinite Granite es ese momento de cambio, en el que los intensos shrieks del cantante George Clarke son sustituidos por un nuevo y suave registro y en el que el shoegaze más calmado cobra protagonismo en su música. La transición, afortunadamente, consigue ser un acierto en vez de una versión descafeinada de ellos mismos. Los estallidos de intensidad marca de la casa, que todavía los hay, cobran más fuerza en contraposición con esta nueva dirección más gentil, creando en el proceso canciones como Lament for Wasps o Mombasa, que se establecen ya como puntos álgidos de su discografía.

Por Miguel Lomana.

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Redacció Qualsevol Nit

Portalblau: un passeig pel món antic amb música d’avui

30/05/202216/07/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Portalblau. ALESSIO I GIANCARLO. © Sergi Paramés

Qui hagi llegit a Irene Vallejo estarà, gairebé segur, obsessionat amb Roma i Grècia. I qui no, la veritat, no sé a què espera. “Es una gran paradoja: provenimos de un mundo perdido al que solo podemos asomarnos cuando desaparece”. Així comença un capítol qualsevol de El infinito en un junco, un llibre sobre llibres. És més, sobre els llibres del món antic. Aquesta fascinació aparentment tan peculiar, ha venut milers de còpies. I també milers de tiquets… fa més de 10 anys que els llocs abans habitats pels nostres avantpassats, tornen a albergar vida de la millor manera possible: amb cultura.

Parlem del Festival Portalblau, conegut per realitzar concerts en els assentaments grecs i romans, en cementiris neoclàssics, així com en altres llocs declarats ‘Bé Cultural d’Interès Nacional’, al petit municipi empordanès de L’Escala. Per a aquesta edició la major part dels concerts ja tenen les entrades esgotades, però encara queden algunes joies que repassarem a continuació:

QN recomana

Les nostres principals propostes són dues que, per coses de la vida, es realitzen en el mateix espai (un dels seus escenaris més imponents, el Fòrum romà d’Empúries) i dels quals encara queden algunes localitats a la venda: Maria Arnal i Marcel Bagés el 6 d’agost; Andrea Motis & Randy Greer, l’endemà, el 7 d’agost.

Omnipresents a les llistes de millors discs nacionals de la dècada –45 cerebros y 1 corazón (2017) va ser un dels debuts més escoltat i guardonat dels últims anys– Maria Arnal i Marcel Bagés tornen amb CLAMOR, una aposta per al llenguatge universal de l’emoció. Pulsió electrònica en cançons sobre els desafiaments humans i no humans d’un futur més incert que mai.

Andrea Motis, que s’ha guanyat a pols el títol de gran jazzwoman del nostre país, està apunt d’editar el seu nou treball A Swingin Story i convida el vocalista Randy Greer (nét de Sonny Greer, el famós bateria de Duke Ellington) en el que serà l’únic concert que faci aquest estiu amb aquest format. Presentarà un repertori ple de contrasts vocals amb Ella Fitzgerald i Louis Armstrong com a referència. No cal que et diem que serà una delícia!

No n’hi ha prou!

Un parell de propostes més si voleu profunditzar en la relació entre el món antic y el modern:

Alba Carmona, que amb el seu Canciones de folklore fa un homenatge als cants populars. A la riquesa i la personalitat de la música de tradició oral (incís: d’això ens parla molt Irene Vallejo!). Carmona explica que el poble canta i balla per divertir-se, però també ho fa com a ritual, com a creença i concepció ideològica, com a reclam i queixa, com a manifest de l’amor; i l’element indispensable i més primitiu d’aquest gènere ha estat la música vocal i per tant la cançó. 2 d’agosto, Mar d’en Manassa.

Dafné Kritharas, de pare grec i mare francesa, la seva inspiració es troba a la cruïlla del món oriental i occidental. Va créixer amb el so de cançons judeo-espanyoles i va estar molt influenciada per La Rebétiko, l’estil de música tradicional grec on el cant s’imposa com un segon vent. Adepta a la transmissió de cançons per tradició oral i l’encreuament d’estils, ha viatjat pels Balcans, Grècia i Anatòlia fins a les fronteres de Síria per nodrir-se de cançons en diversos idiomes i ampliar el seu repertori. 3 d’agosto, Mar d’en Manassa.

Cossoc és un duet de dansa de carrer. Una col·laboració entre un ballarí català (Magí Serra) i una ballarina eslovena (Anamaria Klajnšček). És una coreografia hipnòtica plena d’imatges suggerents del que poden fer dos cossos en constant equilibri. Un moviment de recerca sobre la complexitat i la simplicitat d’una relació. Una finestra d’observació i curiositat per l’espectador, frontera entre un espai públic i privat. Serà el 12 d’agost en la Muralla grega d’Empúries.

Suu, Judit Neddermann, Manu Guix, Oques Grasses, Manel o Miki Núñez, entre altres, completen el cartell del Festival Portalblau, un esdeveniment que acull diferents disciplines artístiques i que es realitzarà a L’Escala (Girona) des del 17 de juliol fins al 15 d’agost.

Sortir dels llibres i fer un cop d’ull a la història és possible en molts llocs, alguns més a prop i altres més lluny. Però fer-ho a més, amb música en viu, no és tan comú.

Per a més informació consulteu CBG! Festivals

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de junio

15/07/202206/07/2021 per Redacció Qualsevol Nit

¿Estás a las puertas de unas merecidas vacaciones? ¿Eres más de playa? ¿O tal vez de montaña? ¿Prefieres el ritmo de la ciudad? ¿O la calma del pueblo? No te preocupes, porque estas recomendaciones se adaptan al plan que tengas para pasar tus próximos dos meses.

Las novedades discográficas de junio que recogemos en nuestra lista, cuentan con un amplio abanico de nombres y posibilidades: el nuevo folk catártico de Joana Serrat, el mensaje y la inconformidad de Kiko Veneno, los nuevos horizontes musicales de Tyler, The Creator, las azñas de Nil Boladeras o el pop sanador de Kings of Convenience.

Y si te quedas con ganas de más, ponte al día con las listas de lo mejor de cada mes.

JOANA SERRAT – Hardcore from the heart (Great Canyon Records, 2021)

Lujo sin soberbia

Los que asistimos a la actuación de Joana Serrat en el Blues & Ritmes de Badalona, el pasado marzo, ya nos percatamos que sus nuevas creaciones tenían muy buena fachada. Incluso sin el aderezo añadido en estudio, temas como These Roads o You’re with Me Ewerywhere I Go, ya demostraban su categoría únicamente vestidas con el escueto acompañamiento acústico. La vaporosa producción de Ted Young ha conseguido ennoblecerlas aún más y casarlas, elegantemente, con la exquisita voz de la intérprete de Vic. Confeccionado en Texas y acompañada de reputados solistas: Joey McClellan, Aaron McClellan, McKenzie Smith y Jesse Chandler, Hardcore from the heart (Great Canyon Records, 2021) se revela como una obra estilísticamente audaz y de una honestidad literaria sorprendente. Para resaltar unos textos explícitos, rastreadores de nuestra verdad interna, Serrat se aleja de la fórmula ‘Americana’ pura, adentrándose en el pop ensoñador (Neil Halstead) y el shoegazing (Slowdive). Pictures, Demons (dos hits asegurados), Wild Beast y la especialmente descriptiva Hotel Room 609, brillan en un álbum serio, lujoso y penetrante que impulsa a Joana Serrat hacia el definitivo reconocimiento internacional. En esta ocasión, merecidamente.

Por Barracuda.

LUCY DACUS – Home Video (Matador, 2021)

Sostenidos al borde del grito

En Night Shift, la canción que se encontraba en el núcleo de Historian, segundo álbum de Lucy Dacus en solitario –conocida es su colaboración con Julien Baker y Phoebe Bridgers en la banda Boygenius–, la desesperación se sostenía largamente hasta que, en su último minuto, las guitarras se disparaban para crear una especie de círculo catártico de redención, una sensación de liberación y salida hacia fuera llena de rabia. Es alrededor de esa tensión donde se encuentra lo mejor de Home Video, tercer disco de Dacus, cargado de canciones cubiertas de ternura pero también convenientemente afilado, rabioso, lleno de cosas por decir. En la música de Lucy Dacus uno encuentra sentidos apropiados para un rock contemporáneo: la distorsión es un motivo político y el grito es la vía para derribar según qué muros. Así pues, podemos pensar en Home Video como un lugar apropiado para lamerse las heridas, pero también como un espacio renovado en el que el aire golpea las ventanas, y las rompe, y muda el mundo una y otra vez.

Por Adrián Viéitez.

KINGS OF CONVENIENCE – Peace or Love (EMI, 2021)

¿Paz o amor?

Doce años después de Declaration of Dependence (Astralwerks, 2009), los escandinavos Kings of Convenience vuelven con su cuarto disco de estudio. Peace or Love sigue la línea de sus anteriores trabajos: esa mezcla de pop, folk, y aire a bossa nova oxigenan los sentidos, maridan a la perfección con los meses de verano. En todas sus canciones combinan una naturalidad, un mimo y un gusto con seña de identidad; consiguen desprender energía positiva y relajación en cantidades industriales. La canadiense Feist acompaña a los noruegos en dos de los nuevos temas con su inconfundible voz y personalidad. Una colaboración que mejora, si cabe, la indudable química que existe entre Erlend Oye y Erik Glambek Boe, esta mítica dupla musical. No hace falta decir que el resultado de este dúo siempre fue exquisito, delicado e inteligente. Y es que todavía no entiendo cómo nos han dado a elegir entre paz y amor pudiendo quedarnos con las dos.

Por Sara Ferco.

FAYE WEBSTER – I Know I’m Funny Haha (Secretly Canadian, 2021)

Pequeños poemas sobre pequeñas cosas

Ya está aquí el segundo trabajo de estudio de Faye Webster, la postadolescente que debutó con Atlanta Millionaires Club en el año 2019 y que contribuyó, entonces y junto a otras artistas como Clairo, a construir una nueva oleada de jóvenes solistas que, desde un matizado bedroom pop, apelaban a las dinámicas propias de la sensibilidad de la generación Z. I Know I’m Funny Haha es específico desde su propio título: Webster teje una red de referencias de corto alcance que diseñan un universo que es suyo y también es nuestro, un pequeño rincón de canciones de amor suavemente irónicas, levemente nostálgicas, con el tapiz del extrañamiento propio de una juventud para la que todavía resulta complicado empezar a emanciparse de su propia condición. El disco se puede recibir como una colección a ratos tierna, a ratos aguda de canciones de amor; otras lecturas son posibles, pero creo que todas pueden estar más o menos dentro de esta categorización.

Por Adrián Viéitez.

NIL BOLADERAS – Principi (Autoeditat, 2021)

Poesia entre sintetitzadors i guitarres

Nil Boladeras ha sigut un músic que ha sabut aprofitar el confinament i explorar la seva faceta artística produint el seu primer llarga durada. Un disc de 12 temes –on ell mateix toca la majoria dels instruments– que es mouen en un pop atmosfèric, una veu íntima i la poesia calmada que amara i caracteritza tot l’àlbum. Al llarg dels 37 minuts, l’artista tracta temàtiques universals com el pas del temps, la nostàlgia, la veritat, el jo… però musicalment va un pas més enllà i explora diverses sonoritats, ja que tal com diu ell mateix, gravar el disc durant tants mesos i des de casa li ha permès fer cançons molt diferents. Ho constatem des del començament de l’àlbum amb Principi, un tema instrumental amb sintetitzadors que contrasta amb l’enyorança de Tants, amb les línies melòdiques de la guitarra acústica. Nil Boladeras juga amb aquests contrastos musicals al llarg del disc i navega entre paraules per trobar la seva pròpia veu. Sembla que Principi és un bon començament.

Per Ivette Amargós.

KIKO VENENO – Hambre (Autoeditado, 2021)

Fer el de sempre és de covards

Si hi ha un músic que no només no s’ha tancat mai cap porta estilística sinó que amb cada disc s’ha esforçat a obrir-les per sortir de la seva zona de confort i explorar camins per on encara no havia passat, aquest és Kiko Veneno. El cantant nascut a Figueres presenta el seu últim disc Hambre amb 10 cançons en les quals la seva inseparable guitarra espanyola es torna a fusionar amb l’electrònica, que pren un protagonisme destacat en cançons com la mateixa Hambre, Dónde van o La felicidad. Influenciat per aquesta sonoritat electrònica i sense por a utilitzar harmonies dissonants i misterioses, en general es tracta d’un disc amb un fons més fosc que d’altres treballs de l’autor. Escoltant Hambre es pot percebre la voluntat d’apropar-se a estils actuals com el trap o la música electrònica en general, deixant en un segon pla el pop amb tocs flamencs que ha conreat en tants discos anteriors. Pel que fa a les lletres el músic continua tafanejant per les vides dels seus personatges com el Gitano Dave o la Mujer Volcán. A diferència de velles glòries de la seva generació que s’han refugiat ja de per vida al folkclore i un mateix patró pel qual passar les cançons, Veneno torna a ser el més valent de la classe i sense perdre el seu segell fa un disc que sona actual i segur.

Per Nil Boladeras.

TYLER, THE CREATOR – CALL ME IF YOU GET LOST (Columbia Records, 2021)

Tyler, creador y artista total

Ya hace tiempo que intentar definir a Tyler, the Creator se ha convertido en una temeridad. El provocativo artista impulsor del colectivo Odd Future se hizo mayor ya en solitario con su álbum Flower Boy (Columbia Records, 2017) e intentó redefinir el pop con el abrasivo IGOR (Columbia Records, 2019). Ahora, en CALL ME IF YOU GET LOST, nos presenta a su nuevo ‘alter ego’, Tyler Baudelaire, a través del cual compone, produce e interpreta algunas de las canciones más personales de su trayectoria. El nuevo trabajo del californiano, que versa sobre una relación amorosa imposible, presenta trazos de las diferentes almas de su carrera: desde el rap más duro y caótico –claramente influenciado por el horrorcore– de LUMBERJACK; hasta la mezcla de pop y funk en la inmensa –por duración y calidad– SWEET/I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE, en la que parece a volver asomar Igor; pasando por el neo-soul con pellizcos jazz de MASSA. Todo impregnado con el sello irreverente y faltón que caracterizan las producciones del artista estadounidense. Ahora bien, el momento cumbre del álbum llega con WILSHIRE, un soliloquio de más de 8 minutos en el que Tyler rapea sin filtro los porqués de una ruptura. CALL ME IF YOU GET LOST continúa alejando al californiano del concepto rapero y lo confirma una vez más como un artista total.

Por Pere Millan.

MODEST MOUSE – The Golden Casket (Epic, 2021)

Buenas noticias

El papel de Modest Mouse a lo largo de los últimos 10 años ha quedado tristemente relegado al de viejas glorias del indie dosmilero, de esas que se mantienen en la primera línea de los festivales de verano sin que hayan hecho realmente méritos para mantenerse ahí. Su último disco, Strangers to Ourselves (el único que sacaron en la pasada década) fue el primer paso claramente en falso en una discografía que había conseguido mutar con éxito del sucio y ‘angsty’ rock de sus inicios a terrenos más accesibles. Y si bien no llamaría a The Golden Casket un retorno en forma en toda regla, sí que es una sorpresa agradable. Isaac Brock y su banda recuperan parte de la psicodelia gris de The Moon and Antarctica, llevándolo conceptualmente al optimismo ansioso de Good News for People Who Love Bad News, con algunos toques de electrónica y glitch presentes sobre todo en la introducción, Fuck Your Acid Trip, un tema desorientador pero que engancha. Aunque no está exento de algún single algo genérico y desgastado, The Golden Casket son noticias mejores de lo esperado para los fans de Modest Mouse.

Por Miguel Lomana.

DANNY ELFMAN – Big Mess (Anti-, 2021)

Sinfonía autodestructiva

Probablemente la idea de Danny Elfman –el afamadísimo compositor de bandas sonoras, mano derecha de Tim Burton desde hace más de 30 años– de publicar un disco doble de rock experimental a sus casi 70 años, suene a la mayoría sorprendente, por no decir absurdo. Y aún conociendo su pasado como líder de Oingo Boingo –el grupo que formó previo a su incursión en el cine– una de las formaciones new wave más impredecibles e idiosincráticas de la época, este Big Mess no deja de ser una cosa irremediablemente chocante, incluso para el propio Elfman, que según sus declaraciones no esperaba grabar un álbum así. Este gran caos de disco combina todo el ‘background’ sinfónico del compositor con la fiereza del rock industrial, del math, del prog y del metal, creando una obra densa, incontenible, llena de rabia y pasión, que sin embargo sabe medir sus fuerzas durante sus 72 minutos y no convertirse en una experiencia cansina y agotadora.

Por Miguel Lomana.

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Redacció Qualsevol Nit

Ruta pels festivals d’estiu de la Costa Brava

03/06/202222/06/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Per a qui li mogui la festa o per a qui prefereixi prendre un còctel maridat amb jazz, també per a qui tingui l’esperit indie allà on va o per a qui gaudeix com ningú dels sons de casa nostra. Aquest estiu trobem propostes de música en viu a la Costa Brava per a tots els gustos! A Qualsevol Nit volem fer-te la vida una mica més fàcil: hem fet un recorregut pels diferents moods perquè puguis fer-te la ruta a la teva manera. Som-hi?

Yo quiero bailar… ¡toda la noche!

Ja està bé, home, ja està bé. Portem un any i mig sense una bona festa. És compatible això amb la pandèmia? Definitivament, sí. Nosaltres mateixos ho hem vist i ho hem viscut. Ballar amb distància no és el mateix, però segur que Fangoria ho compensa: els reis indiscutibles del glam i el synthpop passejaran la seva corona sobre l’escenari de Sons del Món aquest 5 d’agost. Han passat 30 anys del seu primer disc (i la mítica A quién le importa) però cada dia estan més joves. Gaudirem d’una festassa que es podrà escoltar per tota la badia de Roses!

Al mateix espai estaran La Casa Azul uns dies abans (24 juliol). Guille Milkyway torna als escenaris amb una posada en escena repleta d’imaginació, un viatge al passat i al futur alhora, amb unes llums que… mira, podríem estar parlant-ne hores, però això cal viure-ho! I si encara vols més pop, no hi ha dubtes: Aitana. Corre perquè a Cap Roig té totes les entrades venudes però a Sons del Món encara no!

Però si parlem de moure el cul, Bad Gyal és la queen. A Porta Ferrada (7 d’agost) podrem veure el seu nou show, ja que fa poc ha publicat nou treball: Warm up. “Bailar de lejos, no es bailar. Es como estar bailando solo”, que cantava Sergio Dalma (que, per cert, un dia abans també ho podem veure al Porta Ferrada, és que no hi falta ningú!), però un tweerking si que és ballar i es pot fer amb soledat perquè dona el mateix efecte o encara millor. I si no ho creus doncs passeja’t pels nostres stories: hem vist fa un parell de dies un avançament del seu nou espectacle al showcase de CASA SEAT i us podem assegurar que serà top top.

Esperit indie

No sortim de Sant Feliu de Guíxols perquè si ets més de propostes indie, també hi ha teca per a tu: 17 d’agost, Maria Arnal i Marcel Bagés —just l’altre dia van posar en Version española la pel·lícula Els dies que vindran (Carlos Marqués-Marcet, 2019), amb les exquisides Tu que vienes a rondarme i, encara que molt desconeguda, increïble, A la vida, original de Ovidi Montllor, a la seva banda sonora—; 5 d’agost, la Noche Atlántica amb Ivan Ferreiro i Xoel López (una proposta que ve molt de gust l’any del Xacobeo, encreuem els dits perquè cantin el seu preciós Turnedo) i 17 de juliol, Silvia Pérez Cruz, que segons Jorge Drexler és “una voz que marca una generación”. De Palafrugell, amb una combinació de flamenc, música llatina tradicional, jazz, cançons populars… inclús s’atreveix amb l’anglès. Una barreja màgica que podem veure també al Cap Roig (17 d’agost), on també actuen Love of Lesbian l’11 d’agost presentant el seu nou disc V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada), l’esperada continuació d’El poeta Halley.

Gairebé tots els noms que estem comentant s’han patejat de punta a punta Llatinoamèrica i alguns països d’Europa. ‘Internationally’, que canta la Bad Gyal… Ells se’n van cap a fora i aquí venen propostes estrangeres. Ben poquetes, certament, però alguna si que hi haurà. És el cas del concert dels Snarky Puppy dins del Black Music Festival (29 d’agost). Els americans, guanyadors de tres Premis Grammy, ens descobriran les claus d’una fusió instrumental a la qual entren i surten la música ètnica, el jazz, el funk, l’electrònica, el progressiu i d’altres.

En clau catalana

Si ets molt underground i estàs a la caça de propostes diferents de tot el que coneixes per sorprendre’t i estimular-te, tenim la cita perfecte: Tarta Relena. Acabem de publicar una completa entrevista on repassem el seu nou espectacle vinculat al seu nou disc que encara està per sortir. Aquest nou show el podem veure en primícia a l’(a)phònica el dia 29 juny. Amb elles fent les veus i teclats, Nico Roig ens va oferir un concert a L’Auditori que vam coronar a la nostra llista dels millors concerts de 2020 com número 1 “per la seva original i innovadora proposta de so binarual”. No hase falta desir nada más, que deia aquell. Per si de cas no estava clar: Nico Roig també actuará a l’(a)phònica, a Banyoles, d’aquí a res: divendres 25 de juny. I el dia següent Nacho Vegas, que a més de la música (acaba de publicar el compendi Oro, salitre y carbón) ens delectarà amb la lectura d’alguns del seus textos preferits. Què? Fem ja la primera escapadeta?

Com dèiem, aquest any hi ha poca teca internacional així que seguim amb propostes de proximitat. Cap problema perquè de talent no ens en falta!

Oques Grasses, estarà girant força aquest estiu per presentar el seu nou disc A tope amb la vida (Halley Records, 2021). Per ordre, Ítaca (26 de juny), Sons del Món (25 de juliol) i Porta Ferrada (19 d’agost).

Stay Homas, que fan doblet al Ítaca després d’anunciar el seu sold out. Li hem fet una entrevista i ens han dit, entre altres coses, que aquest “havia estat l’any que més han treballat de les seves vides”. També els podem veure el 23 de juliol a Sons Mon (on també hi serà Nil Moliner l’1 d’agost).

El Petit de Cal Eril, compartint dia amb Pau Vallvé a Porta Ferrada el diumenge 15 d’agost i amb tot l’escenari per ell sol uns dies després, el 21, al Planestiueja’t, festival on també hi seran Sopa de Cabra (26 juny) i Elèctrica Dharma (7 agost).

Mazoni + Sanjosex + Jordi Serradell a la nit amb segell empordanès i de km0. Això serà al Ítaca, el mateix festival on estan Els Amics de les Arts, Lágrimas de Sangre, Iseo & Dodosound, Balkan Paradise Orchestra…

Clàssica & Jazz

I pensàveu que ens estàvem oblidant de Roger Mas i de Rita Payés? Of course not. Però potser encaixen millor en la ruta d’amants de la clàssica i el jazz, gèneres que estem impulsant recentment des del Club QN. El primer hi serà a Porta Ferrada, Ítaca i Planestieja’t, amb registres una mica diferents així que mira-t’ho bé. A Rita Payés la podem veure a l’(a)phònica el 27 de juny amb la seva mare –la guitarrista Elisabeth Roma–, concert que serà la presentació de Como la piel a les comarques gironines i que es realitza en col·laboració amb FEM JAZZ! Festival d’Emergències Musicals de Banyoles. Quedeu-vos amb el nom de Rita Payés, que la cantant i trombonista catalana trepitja fort!

Seguim amb jazz perquè a Torroella de Montgrí saben de què estan parlant: Lucía Fumero Trío, un dels millor talents joves que tenim a casa nostra, a la Platja de l’Estartit (23 de juliol) és com per donar enveja al més rocker. Altres noms del festival son Monique Makon, Gonzalo del Val Trio així com Gonzalo Rubalcaba & Aymée Nuviola’s Band. I si voleu clàssica dóna un cop d’ull a la programació de l’Auditori de Girona, casa del cicle Nits de Clàssica. Molts espectacles (Trio Andrée, Laia Frigolé i Eva del Campo, Dani López Quartet, Momi Maiga…) son gratuïts i us poden assegurar que valen molt la pena!

Canviant de registre, tornem de nou al Cap Roig perquè allà actuarà (21 d’agost) la bailaora més internacional, Sara Baras, que presenta el seu nou espectactle Momentos. Un projecte que neix de l’emoció que sentim en recordar, en forma de ball, els moments viscuts que tant ens han marcat. Les emocions, les vivències i les sensacions són les premisses fonamentals d’aquest espectacle, en el qual les coreografies tornaran a ser l’excusa perfecta per a deixar-se l’ànima, el cor i el que faci falta.

I un festival on anem servits de tradició és l’exquisit Castell de Peralada, que un any més (i ja porta 34) ens sorprèn amb el millor de cada casa: ballet, òpera, clàssica… Un nom que segur et sona: Silvia Pérez Cruz, amb un espectacle que combinarà altres disciplines artístiques com el teatre, la dansa, el cinema, la poesia o la pintura. Dissabte 31 de juliol, t’hem avisat.

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Redacció Qualsevol Nit

Delaporte: Declaración de independencia de los rancios

01/06/202209/06/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Después de posponer incontables veces la fecha del estreno de su último Las Montañas (Mad Moon music, 2020), la ilusión de recibir en directo sus trece nuevos cañonazos era bidireccional. La Sala Apolo vibraba inquieta, sudorosa, impaciente, pero sobre todo, sospechosamente ordenada. El suelo no se pegaba a las suelas, el aire caliente de nuestra mascarilla impedía el acceso del denso fervor de los vapores a Jaggermeister y cerveza mientras que las filas permanecían quietas y las barras vacías. Podía sentirse que el verano había dado comienzo y con este, la música en directo. Mientras nos acomodamos a esta nueva realidad, la oferta cultural renacía de sus cenizas ante nosotros.

De esa misma manera aparecieron Sandra Delaporte y Sergio Salvi acompañados de su dúo en la percusión, tal como un fogonazo de luz caliente, un golpe seco en los tambores que se tradujo en una marea inquieta de aplausos y cegadores focos de luz. Todavía reencontrándonos con la sala, el dúo de electrónica onírica nos abría las puertas a su nuevo trabajo con la introductoria El Refugio, dándonos unos minutos de calma atmosférica para fundirnos con su propuesta cósmica sonora. La emoción era difícil de contener y sucedió lo inevitable.

Delaporte, a pesar de lo interesante de su propuesta, no puede resumirse en el dulzor de la voz de Sandra o los espacios sonoros hipnotizantes que se saborean en su canción de apertura. Llegó el siguiente tema como un puñetazo directo en la sien y los asistentes, inevitablemente embriagados por el subidón, abandonaron toda formalidad y decidieron levantarse de la silla dispuestos a celebrar el retorno de la música y el final del aborrecimiento absoluto de sus zapatillas.

Sudor selvático y lágrimas de sangre

Entonces comenzó el descontrol y la potencia de temas giroscópicos que nos hicieron perder a todos el sentido de la gravedad, empujándonos de nuestros asientos como si estuviésemos sentados sobre dinamita. Hay algo rural y salvaje en la combinación de voz, percusiones y bases eléctricas de Delaporte que te hace sentir pleno y vivo dentro de un mismo organismo. En un arrollador carrusel bailamos el No Dirás –influenciada por los ritmos de Jalisco gracias a la colaboración en el tema de Ximena Sariñana–, para seguir con una potentísima versión de Cariñito de Novedades Carminha, que es a su vez, una versión del clásico tropical colombiano.

Después de este primer paseo por ritmos selváticos latinos, reincorporan el espectáculo para hablar de frente con el público. Y sucedió en un momento de colectiva autoconsciencia la sensación de que se trataba de una gran celebración para todos el activarnos y reencontrarnos con la música en directo en esa sala. Los momentos intermitentes para sentarse en la silla finalizaron cuando la ternura de Se Va desembocaba en uno de los más grandes e imprevisibles subidones del disco. A partir de allí, el combo italomadrileño nos dejó pocos segundos para respirar. La fusión electropop de De Donde Vienes, el desenfrenado huracán de electrónica drum and bass y noise que implica escuchar La Bestia en directo, e incluso lo tierno que llega a ser oír la sala entera detrás de sus arrugadas mascarillas cantar los coros de Clap Clap.

Quizás lo más curioso de todo es ver la fluidez en que avanza el concierto y la manera en la que todos nos adaptamos a los duros cambios de ritmo entre canción y canción, y es que prácticamente Delaporte lo abordan todo. Sus bases pueden ir desde el house más tadicional a la electrónica contemporánea, la actitud del dance punk dosmilero o la acritud pop de los mismos Mecano.

Cerraron el concierto con la pasión y los demonios que florecieron, entre lágrimas de la cantante, con Universo, para dar paso al baile ardiente y desenfrenado que escribieron junto a las Ginebras de Bang Bang, remezclando en medio del caos el Smack My Bitch Up en homenaje a The Prodigy.

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Redacció Qualsevol Nit

Víctor Parreño

Me levanto, bebo café, trabajo haciendo fotos (en eventos corporativos, de producto... depende del día), me echo una siesta, trabajo haciendo fotos (en conciertos, en festivales... depende de la noche), duermo. Repeat. Me gustan los loops.

Aprende de música y medioambiente con Bofirax

01/06/202203/06/2021 per Redacció Qualsevol Nit

¿Debe la cultura incentivar una relación responsable con el medio ambiente? Son varios los músicos que introducen esta cuestión en sus discos. Y en otras expresiones artísticas (teatro, cine, etc) también está a la orden del día. Pero, ¿cuánta responsabilidad es nuestra y cuánta de los gobiernos? ¿Qué podemos hacer nosotros para frenar el cambio climático?

Comentaremos estas y otras cuestiones en una actividad organizada por Qualsevol Nit donde podrás preguntar y debatir desde el principio. Bajo la moderación de la periodista Paula Pérez Fraga, y con el ingeniero Adrià Serols a.k.a. Bofirax como invitado, se irán comentando los diferentes temas con la intención de crear una conversación con el público. Así, entre todos, aprender unos de otros de forma dinámica y divertida. ¡Tranqui! Solo participa quien quiere, no te haremos pasar un mal trago si no quieres.

Para relajarnos, acabaremos el evento escuchando la electrónica minimalista de Bofirax. Será el próximo martes 8 de junio a las 19h en imaginCafé (C/ Pelai, 11 Barcelona). La entrada es gratuita hasta completar aforo. Puedes apuntarte en este enlace (solo has de dejar tu nombre). Los suscriptores de Qualsevol Nit que quieran asistir al evento tienen un asiento reservado.

Sobre Adrià Serols / Bofirax

Ingeniero en tecnologías industriales especializado en energía y músico minimalista (a.k.a. Bofirax). Con su electrónica minimalista reflexiona sobre el paso del tiempo (en su nuevo EP, Decades, cada una de las canciones hace referencia a una década vivida y juega con distintos simbolismos sonoros para representarlas). Y con sus formaciones ayuda a la ciudadanía a reducir su consumo de energía, a mejorar sus hábitos y en general a difundir conocimientos sobre eficiencia energética.

Sobre Paula Pérez Fraga / Qualsevol Nit

Periodista cultural y cofundadora de Qualsevol Nit, donde se encarga sobre todo de desarrollar el proyecto más allá de los contenidos web, diversificando sus canales (este evento sin ir más lejos es una prueba de ello) y gestionando el Club QN.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de mayo

15/07/202203/06/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Sabemos que siempre decimos el mismo. Que si este mes vienen discazos, que si escúchate esto porque te encantará… pero es que este mes hay teca de la buena! El exquisito flamenco de Queralt Lahoz o la folctrónica gallega de Baiuca, el R&B de Jorja Smith o el pop de Olivia Rodrigo. Y nombres internacionales de la talla de Van Morrison o Sufjan Stevens; y de casa nuestra Oques Grasses o Gebre… de verdad! No te lo puedes perder!

Y si te quedas con ganas de más, ponte al día con las listas de lo mejor de cada mes.

QUERALT LAHOZ – Pureza (Say It Loud, 2021)

La pureza en su mezcla

Este incendio ya se veía de lejos. Ella misma nos lo dijo, este álbum lleva “el sello del poderío y la reafirmación de mi ser con esa fuerza inmensa que siento que llevo dentro”. Toma ya. Su voz viene con el flamenco ineludiblemente incrustado en su ser porque eso es lo que ella es: tiene la copla tatuada en los párpados y la historia de las mujeres de su familia granadina clavada en el pecho. Es por eso que no pierde una oportunidad para cantarles y para recordar a cada mujer que ha marcado su vida, empezando por Mayte Martín, Mercedes Sosa y Lola Flores. Al haber crecido influenciada por muchos estilos “urbanos” y “modernos”, sus raíces también se amarran fuerte al terreno del hip hop. Es por eso que puede escupir verdades y disparar rimas con autonomía y poderío, pero también cantar melodías capaces de tocar fibras que rememoran pasados de luchas y nostalgias. En cada track convergen esto que ahora llamamos “ritmos urbanos modernos” con flamenco, jazz y, a veces, bolero y son. No hay que comparar, pero entre 1917 y Pureza hay similitudes estilísticas. La primera es la sutil amalgama entre el flamenco y el hip hop: evidente para los que escrutan con lupa, desapercibida para los que ven un todo y no una fusión. En cualquiera de los dos casos, se siente natural y esto es, probablemente, uno de sus triunfos.

Por Mabe Chacín.

BAIUCA – Embruxo (Raso Estudio, 2021)

Esto sucedió ayer; esto sucede hoy; esto sucede todo el tiempo

Trabajar en base a un folclore específico es un asunto delicado: la tradición tiene sus rigideces y sus normas veladas. Cuando Baiuca lanzó Solpor, hace ahora tres años, se nos descubrió un artista capaz de pasear por esas cuerdas tan delgadas: aquella música pertenecía, desde luego, al paisaje musical de una Galicia ancestral, de una idea de Galicia, pero también formaba parte de la Galicia material y de todas las demás cosas que suceden con la música en el panorama contemporáneo. Embruxo es la reafirmación de aquella intuición: la participación de diversos colaboradores, uno distinto en cada canción –para virtuosismo ese lazo con Rodrigo Cuevas en Veleno–, deja claro que el folk de Baiuca está en pleno diálogo con aquello que sucede en la escena musical española contemporánea. Conservar el diámetro del mundo mientras la mayor parte de la instrumentación se fundamenta en sonidos puramente folclóricos tiene un mérito muy propio de la generosidad: en la música de Baiuca no se pierde el respeto a la comunidad, pero tampoco se pretende aislarla. Y en esa danza extraña –y mágica, en buena medida, y también ajena al tiempo– todo el mundo participa. El Embruxo ante el que nos encontramos es el de ser convocados inconscientemente a una plaza posible, una plaza musical arrancada del mundo.

Por Adrián Viéitez.

OLIVIA RODRIGO – SOUR (Geffen, 2021)

La amargura específica de ser joven

Está claro que la de Olivia Rodrigo es una aparición fulminante: tras rescatar el ideal perdido de joven estrella Disney merced a su trabajo en High School Musical: The Musical. The Series, Rodrigo ha seguido –a una velocidad mucho mayor, eso sí; el terreno estaba ya abonado por sus predecesoras– los pasos de otras artistas salidas de esta misma escuela, de la que Miley Cyrus puede ser un ejemplo lo suficientemente representativo. Sour es el primer álbum de estudio de esta joven artista que apenas acaba de cumplir la mayoría de edad pero que ha sabido capturar en una colección breve, concisa e impactante de canciones elementos propios del electropop de Billie Eilish, el musical de Broadway filtrado por la mirada televisiva de Glee o la propia High School Musical y el espíritu tardoadolescente de los primeros trabajos de Taylor Swift. En cualquier caso, donde Taylor apelaba a una nostalgia suave y cierto afán emancipador tímido –que se iría manifestando cada vez con mayor vigor, véase 1989–, Olivia Rodrigo es directa, implacable y difícilmente confundible: sus canciones de desamor adolescente pueden no capturar líricamente a un público adulto, pero es complicado eludir lo genuino que se esconde tras ellas.

Por Adrián Viéitez.

ALFIE TEMPLEMAN – Forever Isn’t Long Enough (Chess Club, 2021)

El sonido de un veranito rejuvenecido

Alfie Templeman, un chico inglés de Bedfordshire, nos da el disco perfecto para acompañar este veranito, que promete ser al menos un poco más ‘revivido’ que el pasado. Templeman, que solo tiene 18 años y lleva tiempo tocando varios instrumentos y grabándose a sí mismo en su dormitorio, nos regala un álbum de producción impecable: Forever Isn’t Long Enough. El disco suena súper suave, con muestras de bajo groovy y sintetizadores de funk. También, de otra forma es lo más osado de todo lo que hemos visto de Templeman –hay una mezcla de estilos, entre ellos funk, indie-pop y R&B– unos son más modernos y otros más antiguos, pero todos contribuyen a un sonido rejuvenecido, perfecto para un verano adolescente. Por ejemplo la canción Film Scene Daydream, con clara influencia de la música pop de los 80 –suena como si apareciera en una película de John Hughs –sin embargo, está claro que esto es un álbum para los Gen Z, porque las letras que acompañan la música que pretende ser feliz y llena de ilusión, detallan una relación que ha salido mal, y la pérdida de la juventud. Pese a esto, es un álbum brillante y audaz de Templeman, uno que es prometedor para su trayectoria en el mundo musical.

Por Scarlett Reiners.

JORJA SMITH – Be Right Back (FAMM, 2021)

Mixtape de transición

Como bien indica el título Be Right Back, Jorja Smith vuelve después del éxito de su debut Lost & Found (FAMM, 2018) y lo hace con una especie de mixtape, a caballo entre el EP y LP, en el que combina canciones con el alma soul y R&B propias, con otras en las que la experimentación hace entrever lo que depara el futuro de la artista de Walsall. Como ya pasó en su ‘opera prima’, la espectacular voz de la británica –que por momentos recuerda a la mismísima Amy Winehouse– copa el protagonismo absoluto por encima de cualquier instrumentación. Destacan la pegajosa Addicted, con una base que flirtea con el ‘drum and bass’, la emotiva Soul y la contundente Bussdown, que cuenta con la colaboración del rapero londinense Shaybo. Un trabajo a medio camino entre el soul y lo urban que marca las líneas maestras de lo que será el sonido de Jorja Smith en el futuro.

Por Pere Millan.

DAMIEN JURADO – The Monsters Who Hated Pennsylvania (Maraqopa Records, 2021)

Más con menos

Cuarto disco en cuatro años para un Damien Jurado que continúa explorando todas las aristas de la americana. The Monsters Who Hated Pennsylvania, es un álbum temático, en el que el cantautor de Seattle narra las experiencias de una serie de personajes desesperados que luchan contra la desazón que producen las terribles circunstancias que les afectan. Para ello, Jurado utiliza un sonido crudo y directo, y que, como siempre, incorpora su inconfundible sello lo-fi. Según el mismo artista, se trata de un viaje introspectivos basado en álbums como el Ram de Paul McCartney o el The Bells de Lou Reed. The Monsters Who Hated Pennsylvania transmite cercanía, con cortes como la evocadora Song for Langston Birch, la descarnada Johnny Caravella o la notable y emotiva Male Customer #1. Un álbum delicado, a la vez que contundente, y que deja al oyente con ganas de más. En definitiva, una auténtica demostración que como hacer más con menos.

Por Pere Millan.

ST. VINCENT – Daddy’s Home (Loma Vista, 2021)

Tras la seducción masiva

Digo esto con cuidado, pero sin demasiados reparos: St. Vincent –o Annie Clarke– es una de las artistas más importantes de la escena pop mundial. El lanzamiento de Masseduction, esa bomba de contornos afiladísimos que fue su sexto álbum de estudio, lo reafirmó: St. Vincent es capaz de hacer prácticamente cualquier cosa con su sonido, lo ajusta a los términos de una tradición canónica y se nos presenta como una Madonna contemporánea; los destroza y revierte espontáneamente para devenir en joven promesa punk; y más fundamentalmente lleva a cabo un esfuerzo por reconciliar espacios enfrentados a lo largo de las últimas décadas en una propuesta musical que comienza por el especial cuidado que pone en la producción de cada una de sus canciones –no en vano, Annie Clarke es también una de las productoras más buscadas del mundo del pop– y se extiende hacia una propuesta lírica que aplica la violencia exacta sobre una concepción política del mundo que ya se derrumba. Daddy’s Home viene a seguir la estela de aquel disco de dimensiones asombrosas, y lo hace con una dignidad profundamente resuelta. A través de la figura de un padre caído en desgracia, St. Vincent repiensa la contemporaneidad desestructurando la noción de familia, da la vuelta a los roles de poder y sostiene la tradición musical heredada de sus progenitores: ahora es ella la que manda, y no es que haya descartado las herramientas de sus padres para hacerse con otras. Es que las tiene todas.

Por Adrián Viéitez.

VAN MORRISON – Latest Record Project Volume I (BMG, 2021)

El fastidio de un genio

Al viejo gruñón de Belfast se le ha soltado la lengua. Harto de sentirse impotente por lo que está sucediendo, ha decido explicar su enojo (a tumba abierta) en los versos de Latest Record Project Volume I, su último y polémico doble trabajo. Quizá sus detractores acierten al sentenciar que el mordiente discurso anti todo (música actual, medios de comunicación, negacionismo extremo) se banaliza en temas como Stop bitching, do something, They own media o Why are you on Facebook?; pero nadie le puede quitar la razón cuando, en la estimable Where have all the rebels gone?, afirma: “¿Dónde han ido todos los rebeldes? Están escondidos detrás de las pantallas de las computadoras ¿Dónde está el espíritu? ¿Dónde está el alma? Esto no es Rock & Roll”. La crítica “especializada” lo ha despedazado, tampoco es para tanto. Ciertamente, no estamos ante una de las mejores obras de Van Morrison, aunque en cualquiera de ellas, siempre aparecerán destellos de su simpar talento. Aquí los hallaremos en la delicada Tried to do the right thing, en la jazzística Diabolic pressure, en Love should come with a warning, perla soul de quilates (estupendo Richard Dunn en el Hammond) o en Up county down, tremendamente adictiva. Entre veintiocho temas no es demasiado, pero un poco de Van The Man siempre es mucho. Pocos dan más.

Por Barracuda.

SUFJAN STEVENS – Convocations (Asthmatic Kitty, 2021)

Viaje melódico en 5 fases

“Este hombre está en un nivel que nunca entenderemos”. Este es uno de los comentarios de YouTube que me marcó cuando empecé a escuchar los temas del álbum que poco a poco iban viendo la luz. Y, la verdad, me parece un buen inicio y resumen de lo que nos ha traído Stevens. A través de 49 canciones divididas en 5 volúmenes –Meditations, Lamentations, Revelations, Celebrations e Incantations– el de Detroit ha hecho del duelo por la muerte de su padre una obra gigantesca. Para los que os enamorasteis de él por su Call Me By Your Name, os avisamos que aquí no vais a encontrar esa delicadeza romántica, idílica. Para los que os enamorasteis de su frescura instrumental, estáis en el camino adecuado. Y es que Convocations es eso: un camino, un viaje musical que va más allá de la experiencia de escuchar un álbum, es escuchar y sentir todas las fases y sentimientos que Stevens tenía guardado y ha proyectado en forma de álbum. Ni letras ni palabras; solo sensaciones. Dejaos llevar.

Por Savina Muros.

BLACK MIDI– Cavalcade (Rough Trade, 2021)

Estructuras imposibles

Cavalcade, el segundo álbum del conjunto de rock indescriptible black midi parece de todo menos eso, tan solo su segundo álbum. No sólo por el puro dominio técnico que estos tres chavales de veintipocos despliegan en estos ocho nuevos temas, sino por el increíble salto adelante que estos suponen con respecto a su debut Schlagenheim (Rough Trade, 2019), un explosivo y poliforme campo de pruebas que, a falta de ser refinado, ya era algo fascinante de oír. Pero definir Cavalcade como un mero refinamiento de ideas pasadas sería quedarse muy corto. El grupo se abre a nuevas influencias (principalmente el prog más vanguardista de los 70) y canaliza la energía improvisatoria de sus directos en composiciones impredecibles que parecen construirse y evolucionar ante nuestros oídos de nuevas y sorpredentes maneras. Del jazz infernal de John L pasamos a la elegante Marlene Dietrich; Chondromalacia Patella y Slow hacen gala de precisión y ritmo, mientras que el crescendo final de Dethroned y su acompañante Hogwash and Balderdash suenan tan masivos que parecen anunciar el fin del mundo. Cavalcade es un monumento gigantesco del que nuestros ojos apenas pueden hacer sentido, y black midi sus orgullosos arquitectos.

Por Miguel Lomana.

LA HABITACIÓN ROJA – Años luz (Intromúsica Records, 2021)

¿Recuerdas aquel verano cuando…?

Si algo nos ha invadido –y hemos revalorizado– este año han sido los recuerdos. Y no los de las historias de Instagram de “Hace X años”. Los buenos. La Habitación Roja lanza Años luz. Un LP compuesto de 10 temas (divididos en cara A y cara B a partes iguales) y que conforma la primera parte de un todo que cerrarán a finales de año según han anunciado. 45 minutos y 30 segundos que hablan sobre aislamiento y falta de comunicación. Sobre sentirnos, literal o sentimentalmente, a años luz. Y cómo la música actúa de “puente” que nos une. Flashbacks del verano del 86 aglutinados en el título que toma por nombre ese mismo año, contrastados con los recuerdos del verano pasado, que no fue. BTW, nostálgicos, tenéis disponible Años luz en formato digital y cassette, CD y vinilo.

Por Maria del Río.

CABIRIA – La ciudad de las dos lunas (El Volcán, 2021)

Fantasmas tranquilos de terciopelo

Cabiria editó C’est Lindy On –un álbum desde cuyo título podemos rastrear rápidamente tanto su herencia musical como su aspiración levemente irónica– en 2017 porque tenía un conjunto de canciones en las que había estado trabajando. Ahora sucede un poco lo mismo, pero han pasado los años: La ciudad de las dos lunas es un trabajo de la misma artista, sí, pero uno siente como si las paredes se hubiesen partido por la mitad porque lo que había dentro ya no cabía. Hemos podido asistir a la concepción de este disco lentamente: desde que a finales de 2019 lanzase Fantasma –regrabada ahora junto a El desencanto, el segundo single que vio la luz–, Cabiria ha ido abriendo lentamente las puertas de un álbum que, amparado por el trabajo discográfico de El Volcán, le proporciona ya las herramientas para trabajar un sonido insólito en el panorama musical español. No creo que sea preciso tomar el pulso a los géneros musicales que correspondan, porque la naturaleza de La ciudad de las dos lunas es la de un trabajo en marcha, el resultado de un proceso de investigación continuo en la instrumentación, de malabarismos con el sintetizador –lo que ahora es Abrigo de sol fue antes una suerte de improvisación en el Instagram de la artista– y, por encima de todo lo demás, de una búsqueda específica en torno a una atmósfera y un tono: las canciones de Cabiria tienen lugar en un mundo extraño, de colores encendidos, en el que las personas bailan y flotan y desaparecen por los pasadizos. Hay algo en esta música de puro misterio, del misterio al que apelaban también los espacios de Twin Peaks: uno sabe que está delante de algo y que ese algo resulta fascinante, pero es tan difícil ajustar las palabras…

Por Adrián Viéitez.

GEBRE – Riu amunt (The Indian Runners, 2021)

Reflexions quotidianes

Gebre ha publicat el seu primer treball llarga durada i ens contagia amb les seves melodies pop lluminoses. Amb Riu amunt, la banda consolida la seva sonoritat i ens recorda al pop rock anglosaxó dels 90 de Lemonheads o Teenage Fanclub. Cada tema del disc ens parla de diferents reflexions quotidianes i algunes amb una clara ideologia política com a Dos quarts de sis. Aquest tema ens transmet el costat més humà i l’autoorganització col·lectiva dels fets de l’1 d’octubre. Amb pur accent ebrenc i metàfores sobre el dolor, la banda–acompanyada de les guitarres enèrgiques que tant els caracteritza– musicalitza la situació actual del Delta. Esgotament paternal a Tot va començar, desesperança a Desapareix, desesperació a Demà sortirà el sol i més reflexions sobre els problemes i dificultats que encarem a la nostra vida moderna a través d’un power-pop dinàmic i una catarsi musical.

Per Ivette Amargós.

OQUES GRASSES – A tope amb la vida (Halley Records, 2021)

Explorant noves sonoritats

Cinquè disc, abans del previst. Fans del Sol (2019) va deixar el llistó molt alt, però els osonencs tornen per la porta gran. Ja van deixar-nos un tastet del que seria aquest nou àlbum amb la publicació de Bye bye, una cançó molt ballable i d’aires llatins, que planteja amb ironia la disjuntiva entre l’amor i els diners. Aquesta vegada Oques Grasses experimenta amb nous estils i aposta per l’electrònica i el reggaeton, tot barrejant català, castellà i anglès. Les lletres són autobiogràfiques del cantant i compositor Josep Montero, i tracten temes molt diversos, tot i que sempre amb dosis d’optimisme: Elefants parla d’assumir el risc de prendre decisions; Wake up, de viure somiant; Goodline, de perseguir els somnis; Talismà, d’enamorar-se estant en parella; De bonesh, d’afrontar els obstacles amb optimisme; Lakilove, de fer coses irracionals per sexe; Vida d’oferta, d’aprofitar la vida; La gent que estimo, d’estimar més enllà del desamor; i Petar-ho, d’estimar-se a un mateix. A més, el disc compta amb les col·laboracions de Stay Homas, la rapera Santa Salut, el raper Doble i la cantant Rita Payés. Arriba la calor i les ganes de ballar. Oques Grasses ho petarà aquest estiu.

Per Víctor Perramon.

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Redacció Qualsevol Nit

Per què ens agrada Bach?

01/06/202202/06/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Bach no és com qualsevol altre compositor de clàssica. Hi ha alguna cosa en les seves creacions que ens embadaleix, ens atrapa i no ens deixa anar mai. N’hi ha els qui van caure en la seva teranyina en el conservatori o en altres etapes de la seva vida escolar, sent el seu música refugi i alhora tortura. O els qui es van enamorar per a tota la vida, sense pretendre-ho ni per un segon, gràcies a una casuística tan aparentment banal com veure una pel·lícula. La suite per a violoncel núm. 1 va formar part de la banda sonora de Màster and Commander (Peter Weir, 2003), entre altres films més o menys mereixedors de tal exquisida peça. La mateixa que avui acumula gairebé 200 milions de reproduccions, gaudint així de moltíssima més popularitat que Mozart, Vivaldi o fins i tot Beethoven.

I doncs, per què Bach continua interessant tant, generació rere generació? “Bach té un tipus d’escriptura musical única: la polifonia. Això vol dir que sempre tenim una, dues o tres melodies a la vegada. Això sempre sedueix perquè sempre t’agafa desprevingut”. El que parla és Daniel Tarrida, director i fundador del festival Bachcelona. Músic amb una consolidada trajectòria, explica que si toca la mateixa peça de Bach tres cops “són tres experiències diferents, no ho puc acabar d’atrapar. Aquesta complexitat és la que hipnotitza, per això anem tornant, perquè sempre t’agafa per sorpresa”.

Una o dues activitats al dia, amb un plantejament molt eclèctic encara que a priori pugui sorprendre la utilització d’aquest concepte en tractar-se d’un festival sencer dedicat a un sol compositor. Per exemple: Acostarem Bach als més petits i això encara no ho havíem fet –es refereix aquí Danniel Tarrida a l’activitat Ba Ba Bach!, dissenyada per a infants de 0 a 4 anys que defineixen com un espectacle “senzill, tendre i proper”–. Una altra innovació: Bach noctàmbul, un format molt especial en un entorn de privilegiat (el Recinte Modernista de Sant Pau) la particularitat del qual és que el públic seurà en gandules en lloc de cadires. L’únic concert del festival amb permís per adormir-se!

A més, el plantejament d’aquest any, segons la visió del seu director, “també engloba altres disciplines artístiques, com el cinema o teatre, això també ajuda que hi hagi un públic que no sigui pròpiament melòman o amant de Bach, que de cop s’apropi. Potser amb aquest apropament de cop l’endemà vol venir a un concert que es fa a una església. Són portes que es van obrint i confluències que anem creant”. Sobre el cinema, és interessant la reflexió del documental de Gidon Kremer, en la Filmoteca: Per a què tornar a escalar l’Everest si ja has clavat la bandera? O amb altres paraules: per què gravar de nou les sonates de Bach si ja ho has fet amb perfecció absoluta 20 anys enrere?

A part d’aquestes innovacions (els formats ja explicats per a infants i amb ganduls), recomanem:

Inauguració a L’Auditori. El prestigiós violinista Shunske Sato donarà el tret de sortida del festival amb dues cantates excepcionals. Malgrat les restriccions de mobilitat, podem gaudir d’aquesta figura internacional dins del reconegut Cicle d’Antiga.
Més enllà de la suite (I). En una intèrpret local, la Clara Pouvreau, violoncel·lista coneguda i estimada pel públic del Bachcelona. Enguany amb el repte d’interpretar una obra original per a violí amb el violoncel. Ben segur que serà una vetllada exquisida!
Bach al Pi. Per a interessats en la cultura de casa nostra: El 2020 es commemorava el cinquè centenari del naixement del compositor renaixentista català Joan Brudieu i aquest any se li farà el degut reconeixement amb la seva missa de difunts.
Bach de Cambra. Potser la cita més potent, un diàleg en un entorn de luxe (el Recinte Modernista Sant Pau) entre una pianista i un violoncel·lista, el Duo Cassadó, que han actuat en tot el món amb gran èxit de públic i crítica.
Gaudint Bach. El festival finalitza a La Pedrera amb la intenció de gaudir de la polifonia de Bach d’una altra manera, amb els músics de corda del Gran Teatre del Liceu per descobrir-nos matisos que no s’aprecien amb altres instruments.

Sent aquestes tres últimes, a més, solidàries. Quatre activitats en total –sumant Bach a la Mercè– que s’han impulsat amb la voluntat d’ajudar a diferents entitats socials. “Veiem que és un moment de necessitat en molts sentits. És un esforç pel festival perquè has de trobar fórmules que permetin fer concerts solidaris, però aquesta part social és necessària”.

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Redacció Qualsevol Nit

Delight: Una unión de talentos introspectivos

16/07/202226/05/2021 per Redacció Qualsevol Nit

A veces lo mejor es pararse en seco y escuchar. Por eso de vez en cuando pedimos a lxs músicxs que se expresen y que cuenten su historia por ellxs mismxs. Sin guión, sin preguntas. Simplemente les damos espacio y ellxs hablan. Hoy es Delight, quien nos habla de sus primeros pasos musicales como dúo, de su entrada en estudio y de su emocionante primer concierto juntas.

Decidimos dedicarnos a esto porque la música es, literalmente, lo único que nos vemos haciendo en nuestras vidas. Tampoco no nos importa tener que sufrirla, tiene algo mágico que nos hace tirar para adelante siempre. La verdad es que la conexión que notamos al empezar Delight parece no tener fecha de caducidad… Nos entendemos y tenemos un vínculo muy estrecho de amistad, que es lo que más nos gusta de hacer música juntas.

Maria y Naima nos conocimos estudiando música juntas en el conservatorio del Liceu de Barcelona y conectamos de forma especial, tanto a nivel musical cómo personalmente. Automáticamente nos pusimos a componer nuestras cosas intentando darnos a nosotras mismas un poquito de aire fresco y salir de la rutina y el academicismo. De aquí surgió Delight y, más tarde, cuando el proyecto empezó a coger forma, Sebas, el guitarrista y tercer componente de la banda, entró en la ecuación y nos fascinó su estilo y su forma de entender la música. Tenía que formar parte de lo que ahora somos.

Decidimos dedicarnos a esto porque la música es, literalmente, lo único que nos vemos haciendo en nuestras vidas. Tampoco no nos importa tener que sufrirla, tiene algo mágico que nos hace tirar para adelante siempre

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Cuando entramos en estudio, nuestro proceso de producción y grabación de los temas es un poco bizarro. No entramos a estudio a grabar todo sino que trabajamos paso a paso, primero presentamos los temas a nuestros increíbles productores Arnau Figueres y Kquimi Saigi y grabamos una maqueta inicial sobre la que vamos construyendo hasta acabar con una idea final que nos satisface.

No escondemos nada en nuestras letras y música. Nuestras canciones pretenden explicar las experiencias, preocupaciones y cosas que nos pasan, que ocupan nuestras cabezas y que inevitablemente salen por nuestros poros al componer. Nos movemos entre una amplia red de referentes e inspiraciones. Podemos encontrar muchísimos artistas que tienen un peso importante para nosotras, desde Nick Hackim a Hiatus Kayote, Moonchild y Frank Ocean, pasando por Daniel Caesar, Noname, Erykah Badu, Pink Floyd o Supertramp.

Aunque como grupo hayamos pasado por el estudio muy poco, nuestra historia sobre los escenarios suma más momentos y experiencias geniales. Cuando recordamos nuestro primer concierto juntas… Buf, nos emocionamos mucho recordando ese día. Delight puede parecer ser un proyecto que acaba de nacer, pero hemos estado ya bastante activas en lo que a conciertos se refiere. El primero nos queda lejos y cerca a la vez: fue hace ya tres años en casa de nuestro colega Francesc, en Sitges. La verdad es que no podíamos pedir nada más. Tocamos rodeadas de la gente que más queremos con temas que nadie había escuchado antes. La verdad es que fue increíble y muy acogedor.

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Redacció Qualsevol Nit

Los mejores discos de abril

16/07/202206/05/2021 per Redacció Qualsevol Nit

Llega el buen tiempo, y con él se vienen los paseos hasta las 12 de la noche al lado de la playa (si el toque de queda nos deja de una vez, claro). Y que mejor manera de acompañar esta entrada de la primavera que escuchar nuestra lista de mejores discos del mes. Te presentamos discos que te harán llorar, reír, bailar, disfrutar, pero sobre todo, ¡te harán sentir!

Y si te quedas con ganas de más, ponte al día con las listas de lo mejor de cada mes.

LOVE OF LESBIAN – V.E.H.N (Viaje épico hacia la nada) (Warner Music, 2021)

Retorno a la fórmula mágica

Pocos grupos en el panorama musical en castellano gozan de un estilo más definido y reconocible que Love of Lesbian. En V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada), su noveno disco de estudio, la banda barcelonesa aparca la luminosidad adoptada en el exitoso El poeta Halley (Warner Music, 2016), para volverle a dar una vuelta más a su exitosa fórmula habitual, basada en mezclar una épica calculada con la siempre evocadora lírica de Sant Balmes. Ahora bien, el álbum presenta perlas que valen mucho la pena como Viento del Oeste, dónde la formación abraza satisfactoriamente texturas sonoras ochenteras, o El Mundo, en la que la banda explora la desnudez a través de diferentes idiomas. También brillan con luz propia las frenéticas Los irrompibles y Catalunya bondage, en la que aparecen Cristina Martínez y Álbaro Arizaleta de El Columpio Asesino. Eso sí, si hablamos de colaboraciones, ninguna destaca más que la protagonizada por Bunbury en El Sur, cuando dos de las voces más profundas del pop español de las últimas décadas se unen en la búsqueda del sentido de la vida.

Por Pere Millan.

ZAHARA – PUTA (G.O.Z.Z. Records, 2021)

Dolor perpetuo y desgarrador

Zahara ha ido publicando sencillos de su nuevo disco porque si hubiese lanzado el álbum entero habríamos sido incapaces de digerirlo. PUTA en mayúsculas, ya es potente de por sí. El primer single que salió a la luz fue Merichane, mote que le pusieron a Zahara cuando tenía 12 años. No sabía que esto era un insulto hasta que se enteró de que así era como llamaban a la puta del pueblo. Este disco es atrevido, personal e íntimo y es imposible no sentirse identificada con sus letras. Mientras lo escuchaba me preguntaba: ¿Cómo puede existir una melodía que acompañe al dolor?. Y es que Zahara ha vuelto a ponerle voz al grito desgarrador de muchas mujeres.

Por Andrea Lázaro.

ZOÉ – Sonidos de Karmática Resonancia (Universal Music México, 2021)

Reflexiones de base Pop

¿Pueden existir melodías más envolventes que las de este disco de Zoé? El grupo mexicano lleva desde 2018 sin publicar álbum y, aunque Sonidos de Karmática Resonancia terminó de grabarse en diciembre de 2020, han preferido esperar hasta ahora para lanzarlo. León Lárregui le pone voz a unas letras sencillas pero que tratan temas tan oscuros como la muerte. El grupo ha decidido que Craig Silvey (Arcade Fire, Artic Monkeys, The National) debía ser quien produjera este disco, lo cual ha sido determinante para conseguir esta perfección pop y lúgubre. Un disco que se ve marcado por la pandemia, por el reposo y reflexión que esta ha dado a toda la industria.

Por Andrea Lázaro.

TOM JONES – Surrounded by time (BMG Records, 2021)

Aleccionando

Antes de cumplir los setenta, Tom Jones decidió abandonar el impulso pop para centrarse en redescubrir sus raíces de modo concienzudo, adaptándolas a las nuevas corrientes. Sabe que sobrepasar las ocho décadas de existencia no permite alegrías, pero aun así sigue en la brecha explorando ignotos espacios sonoros. Surrounded by time su más reciente trabajo, producido por Ethan Jones y Mark Woodwark, bebe de composiciones pretéritas, con aromas a viejo blues y folk, vestidas por el portentoso galés con osados arreglos electrónicos. Sirvan como ejemplos la introductora I won’t crumble with you if you fall (Bernice Johnson Reagon), I won’t lie (Michael Kiwanuka & Paul Butler) o Talking reality blues, pieza original de Todd Snider que Jones modula en estilo ‘spoken word’ para dar más énfasis todavía a su comprometido mensaje anti Trump. No disimula su edad, incluyendo I’m growing old (Bobby Cole), le ofrece inusual brillo a This is the sea (The Waterboys), se recrea, luciendo vozarrón, en O’l mother earth (Tony Joe White) y le planta cara al clásico One more cup of coffee (Bob Dylan) con entereza y sabiduría únicas. Jones cierra su magnífica obra con una espeluznante revisión de Lazarus man, excelso tema del gran Terry Callier. Una nueva lección del maestro de maestros que debería hacer empalidecer a muchos advenedizos.

Por Barracuda.

SHARON VAN ETTEN – epic Ten (Ba da Bing Records, 2021)

Breve recuperación de otras décadas

Remind Me Tomorrow supuso algo así como un punto de inflexión en la carrera de Sharon Van Etten: llegaba como su quinto álbum diez años después de la aparición de Because I Was In Love, el primero de todos ellos, y reflejaba con nitidez el proceso mediante el cual esta artista estadounidense había trazado la línea desde su folk intimista inicial hacia un espacio de larga asimilación de la tradición rockera americana. Es un poco con este espíritu como Van Etten ha recuperado Epic, el que fuese su segundo disco, también diez años después de su lanzamiento original. Para ello ha vuelto a trabajar con el sello que la produjo entonces, Ba da Bing Records –sus tres últimos discos los ha trabajado con Jagjaguwar–, y ha preparado un álbum doble: en la cara A presenta una regrabación de las siete canciones que componen el disco, dando cuenta del proceso de maduración de su faceta como cantante, pero también del empaque que ha ganado como productora desde entonces. La cara B es un espacio abierto a la conversación en el que cada una de las canciones se reformula como dueto con un artista o banda diferente: Peace Signs se agita hacia el punk junto a los IDLES, Save Yourself accede con elegancia a los universos propios del country junto a Lucinda Williams, Love More encuentra formas nuevas de la mano de ese art pop concretísimo que practica Fiona Apple.

Por Adrián Viéitez.

TEENAGE FANCLUB – Endless Arcade (Merge Records, 2021)

Para volver a jugar

El territorio de los Teenage Fanclub fueron los 90: en el corazón de la escena brit-pop supieron desligarse de las solemnidades de otras bandas para firmar álbumes tan ligeros, encantadores y particularmente sensibles como Bandwagonesque, Grand Prix o Songs from Northern Britain, este último grabado con Columbia en 1997, quizá en el punto álgido de la popularidad del grupo. A principios de siglo firmaron con Merge y, a lo largo de la última década, apenas habían lanzado un álbum: Here, en 2016, acaso una declaración de intenciones que reivindicaba una manera más calmada de enfrentarse a la creación una vez los integrantes del grupo se encaminaban hacia los 50 años de edad. Dos años después, el bajista Gerard Love, uno de los miembros fundadores de la banda, abandonó sus filas. Parecía aquella una señal temible, quizá el aviso de una pronta disolución. Por suerte no ha sido así: más bien al contrario, Teenage Fanclub regresan con Endless Arcade, un disco que recupera los sonidos lúdicos de su juventud, las guitarras amontonadas y esa escritura que los coloca en un plano mucho más cercano a lo que pudiesen hacer The Magnetic Fields que de sus compañeros de movimiento –Oasis, Blur, ya se sabe–. Si Here reclamaba un espacio nuevo para el grupo, Endless Arcade llega para decir: sí, hemos cambiado, pero eso no implica que no sigamos siendo, de algún modo extraño, los mismos músicos de siempre.

Por Adrián Viéitez.

DONALLOP – Cara a cara (Plas Plas, 2021)

Dreampop mallorquí

Han passat dos anys des que vam poder escoltar Crisàlide (Satélite K, 2019). Ara amb Cara a cara Joana Pol i Pere Bestard consoliden el seu so submergits en el dreampop mediterrani mesclat amb sintetitzadors i reverbs. Donallop aposta per deixar de banda les guitarres que els definien abans per endinsar-se a l’electrònica, el pop i els sintetitzadors Moog dels anys setanta amb una clara essència oldie, reforçada amb el videoclip de Floridura. Un treball curt de quatre cançons, però que no deixa de banda cap detall, així com les lletres carregades de prosa poètica per introduir-nos a temàtiques atrevides com el suïcidi a Una llum i a la transsexualitat a Paris to Helena. El groove de la banda avança lent però amb passes decidides a fer ressonar el seu dream pop més enllà del Mediterrani.

Por Ivette Amargós.

TWIN – Twin (Hidden Track Records, 2021)

Debut de contrastos

Produït pels cracks de b1n0, portada dels, també cracks, Carles Rodrigo i María Fabuel, Her Little Donkey… Si us dic la veritat, abans d’escoltar l’àlbum ja m’havia fet expectatives de com sonaria només de veure la seva estètica i de saber qui hi havia estat al darrere. El pitjor de tot és que vaig cometre l’error de posar unes expectatives ben altes; i el millor de tot és que, després del primer play, continuen estant ben amunt. Benasque, Escapar, Cristal i Instinto formen aquest EP debut en què l’Ana López, sota la màscara de TWIN, ha deixat a un costat Her Little Donkey i s’ha endinsat en un univers paral·lel on regnen l’electrònica i els contrastos. La tranquil·litat i els ritmes frenètics. Les preguntes i les respostes. Un disc per escoltar asseguts a una cadira i fer-la donar voltes i voltes als ritmes, a vegades lents, a vegades ràpids, de les quatre cançons que el formen.

Per Savina Muros.

DINOSAUR JR. – Sweep It Into Space (Jagjaguwar, 2021)

Un agradable paseo por la zona de confort

En su quinto álbum desde su reunión en 2005 Dinosaur Jr, grupo incontestable del rock ruidoso USA de los últimos 40 años, parecen totalmente asentados en una estabilidad que eludió a la banda durante la década de los 80 y 90. Tomando descansos cada vez más prolongados entre discos (cinco años desde el anterior Give a Glimpse of What Yer Not), uno tiene la sensación de que J Mascis, Lou Barlow y Murph podrían seguir así décadas y siglos, practicando su cada vez más confortable música sin tener que demostrar nada a nadie. Y ahí quizás surge el mayor problema de este álbum en concreto y de la deriva del grupo en general: una uniformidad que hace cada vez más difícil distinguir esta colección de temas de las anteriores. El único cambio a la fórmula por otra parte inamovible supone la labor de producción de Kurt Vile, que también toca en la mayoría de temas pero cuya personalidad queda ensombrecida rápidamente por el fuzz de la guitarra de Mascis. Sweep It Into Space otorga un rato ameno a cualquier fan de Dinosaur Jr. pero desafortunadamente pocas razones para volver.

Por Miguel Lomana.

GRETA VAN FLEET – The Battle At Garden’s Gate (Republic Records, 2021)

Incansable búsqueda de sonido propio

El joven cuarteto de Michigan presenta su tercer trabajo, The Battle At Garden’s Gate, tres años después de los aclamados Anthem Of The Peaceful Army, que les llevó de gira internacional en 2018, y From The Fires el año anterior, disco que les valió el Grammy a Mejor Álbum de Rock y el Loudwire a Mejor Nuevo Artista. Con este disco los hermanos Kiszka y Danny Wagner se han enfrentado a su mayor fantasma, la acusación de ser un calco de Led Zeppelin. Sus esfuerzos no han sido del todo en vano y presentan el disco satisfechos de haberse alejado un poco del sonido que tantas críticas les ha costado a lo largo de su carrera. Puede que, en esta búsqueda por un sonido y un estilo propios, Josh Kiszka haya abusado de los mismos recursos vocales y de un histriónico falsete, casi caricaturesco en ocasiones. No obstante, la característica voz y solos de Robert Plant no se han disipado del todo ni de lejos, brillando especialmente en temas como Built By Nations o Age of Machine –de los mejores que ofrece el disco, por cierto–. Si hasta ahora eras de los detractores de Greta Van Fleet, pasa de largo. The Battle At Garden’s Gate no tiene nada que ofrecerte. Si te gustaba el concepto de grupo tributo con temas propios, no te decepcionará. En cualquier caso, si a Plant no le molesta el claro parecido, ¿a nosotros tampoco debería?

Por Claudia Blasco.

THE ARMED – Ultrapop (Sargent House, 2021)

Híper-hardcore

La única información verificable al 100% que, a fecha de hoy, se puede hacer de The Armed es que es hacen música, que están basados en Detroit y poco más. La existencia de este proyecto de hardcore punk es un gran misterio plagado de rumores, informaciones contradictorias, falsas pistas y hasta actores contratados para hacerse pasar por miembros del grupo, o sea, una gran performance hecha para atraer la atención del oyente curioso y la prensa desesperada por historias enrevesadas. Esta actitud performática, claro, permea también en la música. El título y portada de este Ultrapop puede parecer al principio una broma, estamos al fin y al cabo ante un disco de post-hardcore caótico y bastante extremo en su sonido, pero bajo ese muro de sonidos saturados al extremo se pueden encontrar enterrados estribillos coreables y cierto sentido de la melodía, un planteamiento no muy alejado a los artistas del PC Music y el ‘hyperpop’, pero aplicado al sonido punk. El resultado es un experimento que conserva el interés aún aislándolo de su complicado contexto y que acaba siendo bastante adictivo.

Por Miguel Lomana.

GUINEU – Forats Negres (Gora! Records, 2021)

L’energia cuquitrash

Després de l’èxit del seu darrer single Putu Any, Guineu publica el seu primer LP, Forats Negres. Així com en el single evocava la ràbia, la tristesa i la buidor que ens ha deixat a tots el confinament i l’any de la pandèmia, en aquest nou disc Aida Giménez explica vuit bucles en els quals ella ha quedat atrapada com en un forat negre, una regió de l’espai de la que res pot escapar. D’aquí la mirada cansada però desafiant i de mala hòstia de la portada. L’artista terrassenca tracta temes com els records d’infància, la superació d’un amor que ja no tornarà o altres sentiments universals com la llibertat. Per contra, el disc tanca amb una cançó més pausada i romàntica, La Millor Part. Tot i classificar-se com a indie pop en català, amb melodies “cuqui” i tendència “trash”, aquest disc denota un to més rocker, potent i captivador, que t’empeny a saltar i a ballar.

Per Víctor Perramon.

YUNG BEEF – El Plug 2 (La Vendición, 2021)

El disco es suyo y se lo folla cuando quiere

La Albany, Uzii Gaang, JoshOrtiz, Young Caza, Alex Fatt y hasta una treintena de artistas y productores colaboran con el enfant terrible y máximo representante del trap nacional Yung Beef, que presenta hora y veinte minutos de delirio musical en su nuevo disco El Plugg 2. 24 temas oscuros, introspectivos y sentimentales. Eclecticismo, ironía y ausencia de ritmos y estribillos comerciales, toda una declaración de intenciones. Y desde samples de Kiss, Bôa o Halsey, un fragmento de Dragon Ball Z…: el disco es suyo y se lo folla cuando quiere.

Por Claudia Blasco.

MARCO FONKTANA – Crooner (Kasba Music, 2021)

Portadas que hablan por sí solas

Se puede tener estilo, se puede tener carisma y se puede tener pasión. Pero lo de Marco Fonktana es otra historia, es otro rollo. Y, con este trabajo, tantos años en la movida urbana y el hip hop de la ciudad se notan (y mucho). Crooner tiene la capacidad de desprender madurez y sabiduría a la vez que transmite un rollazo actual, joven y a la última como si fuera el debut de un artista que acaba de producir sus temas en el garaje de casa. Que cóctel, ¿no? Pues sí, es exactamente lo que representa Marco Fonktana: MC, letrista, compositor, productor y, sobre todo, pieza clave para entender la escena hip hop barcelonesa tanto del ahora como de hace unos años. Desde Introduciendo al Crooner, primer tema del LP, a Reflexiones de un Joven Aspirante a MC, gran final, el de Barna nos golpea a versos, a veces suaves, a veces fuertes. Un trabajo con el que, una vez más, Fonktana nos dice Yo tengo un Don. Y aquí lo podéis escuchar. Una cosa más, la portada habla por sí sola: las referencias al hip hop de antes están claras.

Por Savina Muros.

DERBY MOTORETA’S BURRITO KACHIMBA – Hilo Negro (Primavera Labels/Universal Records, 2021)

Caleidoscopio andaluz

Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, la banda sevillana que bautizó en 2019 su cóctel de referencias y estilos como kinkidelia, es ahora un colectivo mucho más maduro capaz de pasear con orgullo y seguridad esta nueva etiqueta, dispuestos a convertirla en nueva marca cultural y referente “made in Andalucía”. Lo de conseguir crear un subgénero propio y auténtico desde el primer momento nunca fue tarea fácil, aunque sí valorable, pero ya daba la impresión de que sus canciones –una quimera febril a caballo entre Triana y los King Gizzard–, iban a caducar pronto. Pero sorprende ver que no es lo que ha sucedido. Tras su rápida consagración dentro del panorama nacional, evolucionan con Hilo Negro donde parecen haberse divertido un poco menos a la hora de grabar y componer, con algo menos de salvajería y aleatoriedad, ganando con ello serenidad en la producción y rigor compositivo. Se trata de un trabajo superior, mucho más ordenado, que aun conservando las referencias ardientes al rock andaluz, se empapan por momentos de un guitarreo más árido y un rock pesado que contentará a puretas de melena larga. Y aun así con todo, hay nuevas capas de distorsión y misticismo, incorporaciones instrumentales más largas y algo de electrónica y experimentación, en una nueva etapa más inspirada de un grupo que, ahora ya sí, podemos calificar como reyes absolutos de la psicodelia kinki.

Por Pau Ensenyat.

THE WHO – The Who Sells Out (Polydor, 2021)

Una parodia de la época comercial de la música

Hay que preguntarse cuánto ha cambiado la relación entre la música y el mundo comercial desde los años 60 hasta ahora. Este mes, The Who ha lanzado una versión ‘Super Deluxe’, del álbum satírico y ecléctico The Who Sells Out de 1967, ahora con cinco discos y 112 pistas. Es una clara parodia de una época en la que los músicos, incluso The Who, empezaron a “venderse” grabando canciones para anuncios, que personificaba la canción de The Rolling Stones para promocionar ‘Rice Krispies’. Esta crítica se desarrolla en el disco conceptual que pretende ser un programa de una estación de radio pirata. Entre canciones sobre una diversidad de temas no convencionales, por ejemplo Tattoo, sobre la masculinidad, y Mary Anne With The Shaky Hand, sobre la masturbación, se intercalan anuncios breves y satíricos, como Heinz Baked Beans o Merdac. Sin embargo, todas son típicas del estilo rock de The Who –incluso hay una canción ‘mini opera’, Rael, característica de los discos siguientes del grupo–. Sobre todo, es una ráfaga absurda del pasado, porque se nota que ya estamos acostumbrados a ver a músicos inseparables de este mundo comercial.

Por Scarlett Reiners.

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Redacció Qualsevol Nit

Cine Nuria: La sencillez nos representa

01/06/202221/04/2021 per Redacció Qualsevol Nit

A veces lo mejor es pararse en seco y escuchar. Por eso de vez en cuando pedimos a lxs músicxs que se expresen y que cuenten su historia por ellxs mismxs. Sin guión, sin preguntas. Simplemente les damos espacio y ellxs hablan. Hoy es el dueto del Maresme Cine Nuria, quien nos presenta su proyecto y nos habla de su último EP Año Luz (Microscopi, 2021). Canciones pop sencillas y directas que nos iluminan y transportan a veranos cerca del mar. Cine Nuria será uno de los 29 artistas que participarán en el festival FiM Vila-seca del 7, 8 y 9 de mayo.

Ambos nos iniciamos en el mundo de la música casi en la adolescencia. Un experimento que comprendía nuestro interés por la música y las ganas de experimentar con ella. ¡Como consumidores de música llevamos toda la vida! Después de ver conciertos queríamos saber qué se sentía al poder subirse a un escenario. Cómo te removía por dentro tocar o cantar en directo para personas desconocidas en ambientes diferentes. Y después de sentir esa sensación tan exclusiva y embriagadora vino todo lo demás: crear temas, prepararlos y hacer de nuestra música una historia con coherencia.

Los recuerdos de nuestros primeros conciertos se ubican en nuestra ciudad. En las fiestas que se celebran en verano. Rodeados de amigos y familiares que querían compartir las ganas y el amor que sentíamos por la música. Recuerdos bonitos, llenos de vida, de luz y de expectación también. La verdad es que los recuerdos de los primeros conciertos son preciosos y siempre los guardas en un sitio especial.

Nuestra inspiración musical es muy amplia y no tiene (o al menos no queremos sentir que tenga) etiquetas de ninguna clase. Podemos irnos al pop más melódico de los 80 y también al jovencísimo punk de los 70. También nos han influenciado bandas cercanas geográficamente. Músicos de nuestra ciudad, y alrededores, que hemos tenido el gusto de disfrutar y, en algunos casos, de conocer.

Centrándonos un poco en el proceso de creación de este EP tenemos que decir que, como en la mayoría de campos este año, ha sido un poco extraño. Hemos realizado mucho trabajo en casa: ha sido obligado pero a la vez muy productivo. Las canciones se han creado en nuestra casa, hemos hecho sesiones en nuestro salón y todo ha acabado ejecutado por el productor Carlos René, que ha hecho que nuestro material tenga profundidad y espacio para que la persona que escucha las canciones se sienta cómoda y pueda entrar en el mensaje de manera directa.

Las canciones de Cine Nuria son claras y queremos que tengan un mensaje muy directo y entendedor. Pocos secretos escondemos. Nos gusta que las canciones que se entiendan en su totalidad con rapidez. Las estructuras son sencillas, las melodías fáciles de cantar y los arreglos con la guitarra evocan la sencillez que queremos que nos represente.

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Redacció Qualsevol Nit

Galgo Lento: El bucle del dia a dia

03/06/202217/04/2021 per Redacció Qualsevol Nit

A vegades el millor és parar-se en sec i escoltar. Per això de tant en tant demanem als músics que s’expressin i que ens expliquin la seva història per ells mateixos. Sense guió, sense preguntes. Simplement els donem espai i ells parlen. Aquesta vegada és en Martí Galán, qui ens explica com es va iniciar en el món de la música i com es va anar forjant el projecte Galgo Lento, amb l’ajuda d’amics i família, fins a dia d’avui.

Per presentar-me a mi i al que estic fent amb el meu projecte, Galgo Lento, em va molt bé visualitzar-ho i plasmar-ho amb dies.

Començaré pel principi, que si comencés pel final, no s’entendria res. Tot va començar quan, un dia, el meu germà Albert em va dir: “Vols provar de fer una cançó amb mi?”. Jo no sabia res de música més enllà del que escoltava als meus auriculars dia si dia també. Vam anar a la seva habitació on hi tenia un Mac molt antic amb el Logic Pro X, un teclat midi i una targeta de so. Vam obrir un projecte nou i em va ensenyar les quatre nocions bàsiques de la producció.

Al moment no em va fascinar la idea, però, al cap d’uns dies, estant sol a casa sense saber que fer, vaig decidir anar a l’habitació del meu germà per intentar recrear una cançó que tenia en bucle. Era Shadow Man, de la Noname. La progressió d’acords, el ritme, en general, els sons d’aquella cançó i de l’àlbum sencer em van captivar durant molts dies. Així doncs, vaig estar –no sé ni quantes hores– fins que finalment vaig aconseguir crear (ni de conya) una instrumental semblant. Em vaig escriure quatre rimes sense cap mena de gràcia i vaig anar corrents a ensenyar’ls-hi als meus amics.

Tots van fer com si no hagués passat res, suposo que era terrible. Recordo alguna rima, però no ho penso posar aquí. Eren terribles, sí. Van anar passant els dies i jo no podia sortir de l’habitació del meu germà, vaig descobrir què era samplejar, què feien cada un dels efectes que hi havia al programa, em posava tutorials del Youtube, mirava vídeos de gent produir, no podia pensar en una altra cosa que no fos música. D’això farà cinc anys i mica en mica vaig anar aprenent cada vegada més. De manera totalment autodidacta vaig aprendre a tocar el piano, els meus amics i la meva parella em van regalar una guitarra, així que vaig aprendre a tocar també la guitarra.

Arribats a aquest punt, la música era la meva passió, em passava el dia fent instrumentals i posant melodies de veu guiades per l’autotune nadiu del programa. Els meus amics, la meva família i la meva parella estaven tot el dia rebent demos de cançons (algunes) molt dolentes, però que cada vegada eren millors. Llavors va arribar el dia en el qual decidir treure el meu primer projecte. Em fa vergonya compartir-lo per aquí, qui el trobi que el gaudeixi si pot. D’això va fer un any aquest gener.

És un pròleg bastant extens, però necessari per entendre que hi ha darrere de Galgo Lento i sobretot entendre el procés que hi ha hagut darrere de Dies i Dies. Sent sincer no tinc ni la més remota idea de quan vaig començar la primera cançó de l’àlbum. Durant la quarantena vaig fer molta música, però si no recordo malament cap de les que ha acabat entrant al producte final la vaig començar durant aquells dies. De fet, hi ha temes a l’àlbum que vaig composar fa relativament poc.

El concepte va sorgir a través del mètode amb el qual faig música. Una cançó neix i s’acaba, en un mateix dia. No és quelcom del que estigui molt orgullós, i de cara al futur vull acabar de perfeccionar aquesta metodologia, ja que he acabat descartant cançons amb molt potencial pel simple fet de no poder-la acabar al mateix dia. Òbviament el producte final no el vaig aconseguir amb només un dia per cançó, però volia ser capaç de descartar o seleccionar una cançó per la primera impressió; ni afegir una secció ni un vers més, el que creava en un dia es quedava, en molts casos, igual, sobretot la part instrumental.

Més endavant s’hi afegiria al procés l’Aleix, que és qui m’ha mesclat i masteritzat els temes de l’àlbum a Camaleó. Amb ell vaig poder regravar algunes veus i algunes línies de baix. La seva feina ha estat collonuda perquè ha aconseguit que l’essència de les gravacions a la meva habitació no es perdés, que era una de les coses que més por em feia de passar la meva música per un estudi professional.

A la gent de Luup Records els hi dec moltíssim, igual que a l’Otto i als Bounties. Van ser les primeres persones que van veure potencial en mi, i estic molt content i orgullós de formar part d’un segell tan ben parit. Ha estat un procés molt maco però també una mica estressant. De cop i volta tenia deadlines, videoclips, havia de muntar una banda pels directes… tot el que fins ara havia sigut per diversió i pel simple fet de crear música que m’agradés, ara tenia sentit, d’un dia per l’altre.

El títol de l’àlbum intenta reflectir aquest canvi, aquest bucle infinit de dies i dies de fer música que finalment ha tingut sentit, que conjuntament ha donat forma a una època i un dels moments més macos del que porto de vida. Estic molt agraït pel que m’està passant. Aquest projecte bàsicament els hi dedico a aquelles persones que han estat al meu costat durant tots aquests anys, mesos i dies.

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